Total Rock - портал современной рок-музыки в России. Журналы Classic Rock и MetalHammer.: Интервью и аналитика

Оле Уиттхофт: "История System Audio началась с искусства..."

Fri, 16 Sep 2011 17:14:29 +0400

Самая первая акустическая система компании System Audio, представленная в 1984 году, установила новые стандарты не только в качестве звучания, но и в размерах. Ранее царило твёрдое убеждение в том, что хорошие акустические системы должны быть большими и технически сложными. Инженеры System Audio проектируют колонки в компактных узких корпусах, делая притом акцент на по-настоящему сильном звучании. Акустика SA создаёт звуковую сцену, которая раскрыта по направлению к слушателю: он испытывает те же ощущения, как если бы на концерте находился рядом с дирижёром – в центре событий!

Вот только некоторые преимущества фирменного «быстрого» звучания колонок SA: барабанная дробь становится более чёткой и ритмичной, даже небольшие изменения в темпе музыки легко слышны, можно различить каждую басовую ноту – настолько точна передача баса.

Длинноходные мембраны могут перемещать большие объёмы воздуха – даже самые глубокие ноты могут быть воспроизведены точно и мощно. Лёгкие диффузоры способны воссоздать динамику живого концерта, но при этом могут работать в компактном корпусе. Мелкие детали хорошо различимы даже при небольшой громкости. Колонки быстро реагируют на входной сигнал и не создают критической нагрузки для усилителя. Акустическим системам от SA не нужно выходить на определённый уровень громкости, чтобы уровень высоких и низких частот был сопоставим. Даже количество баса всегда именно то, которое нужно!

Мембраны из натуральных материалов музыкальны изначально. Им не нужна сложная конструкция, чтобы начать звучать. Натуральные материалы звучат более естественно. Голоса и инструменты сохраняют свои неповторимые оттенки, а окрашивание звучания минимально.

Вам не нужно сидеть строго по центру, чтобы наслаждаться полноценной звуковой сценой: широкая дисперсия заполняет звуком всю комнату, что делает колонки System Audio идеальными для использования в системах домашнего кинотеатра. Управляемая дисперсия порождает широкое звуковое поле с минимальным числом волн, отражённых от пола и потолка, что существенно улучшает звучание.

«История System Audio началась с искусства. Я был музыкантом и хорошо знал, как должна звучать настоящая музыка. В начале 80-х годов я провел много времени в поисках колонок, чье звучание было бы максимально похоже на живой звук музыкальных инструментов. Но все, что я слышал, было тусклым и синтетическим. Казалось, производители состязались только в технических характеристиках. Для меня же имел значение только звук. Если из-за плохого воспроизведения люди не могут услышать мельчайшие детали или почувствовать атмосферу, как они поймут, насколько захватывающей может быть музыка в действительности?

Именно тогда я и решил сделать свои собственные колонки. С тех пор мы прошли длинный путь… Мы разрабатываем новую технологию, но не ради неё самой. Мы объединяем радикально новые идеи, чтобы дать Вам самые лучшие в мире акустические системы» - говорит Оле Уиттхофт, основатель компании System Audio A/S.

Постоянная демонстрация акустических систем System Audio всех серий в салоне Burmester www.topfi.ru

Tony Iommi: «Я рад сотрудничеству с Monitor Audio..»

Thu, 24 Mar 2011 15:14:46 +0300

«Я рад сотрудничеству с Monitor Audio – ведь я большой поклонник их колонок. Компания Monitor Audio привнесла много нового в аудиоиндустрию за последние 35 лет, и мне безумно интересно быть частью этого!».
Тони Айомми, Black Sabbath

В 1971 году Тони Айомми перенастроил свою гитару Gibson SG на два тона ниже и изобрел стиль Heavy Metal. Его знаменитая Gibson SG насытила каждый рифф Black Sabbath тёмной пронизывающей силой, заставляя последователей искать идеальную тональность.

Кроме многолетней истории Black Sabbath, Тони стал успешным соло-артистом: он работал со многими рок-звёздами, среди которых Генри Роллинс, Дэйв Грол, Билли Коган, Фил Ансельмо и Оззи Озборн. Одна из важнейших вех в жизни Айомми – заслуженная первая строка в списке «100 лучших гитаристов жанра metal» и место в «Зале Рок-Славы США и Великобритании». В конце 2006 года Тони снова объединился с Ронни Джеймсом Дио, Гизером Батлером и Винни Эппиом в группу «Heaven & Hell», продолжая путь к вершинам успеха.

Используя Monitor Audio RadiusHD в системе Домашнего кинотеатра, а Gold Signsture GS10 – в качестве студийных мониторов, свои основные симпатии Тони безоговорочно отдаёт топовым Monitor Audio Platinum PL300, без которых уже не представляет домашнюю стереосистему. «Звучание продуктов Monitor Audio просто бесподобно!», – добавляет Айомми. «При этом каждая колонка потрясающе универсальна и весьма классно смотрится».

Сочетая уникальные рабочие характеристики и высочайшее качество изготовления, акустические системы Platinum от Monitor Audio созданы для достижения главного: естественности звучания. Все комплектующие изготавливаются в соответствии со строгими стандартами качества, а каждая акустическая система собирается вручную. Серия Platinum представляет собой наглядный пример торжества британской инженерной мысли при достижении эталонных стандартов.

Шпон древесины экзотических пород уникален для каждой стереопары. Древесные волокна точно совпадают друг с другом, чтобы не было видимых стыков. На шпон наносится не менее одиннадцати слоёв прозрачного рояльного лака, подчёркивающего утончённую текстуру дерева и насыщенную цветовую гамму. Передние панели вручную обиваются натуральной кожей Strathspey, поставляемой компанией Andrew Muirhead. Непередаваемое ощущение роскоши!

Постоянная демонстрация акустических систем Monitor Audio всех серий в салоне Burmester www.topfi.ru

Интервью Тони Айомми 2011

Wed, 16 Mar 2011 10:49:45 +0300

Материал опубликован в журнале Classic ROCK № 92

Ходит легенда, что во время интервью, данному Тони Айомми одному нашему соотечественнику, прославленному гитаристу хватило лишь двух вопросов, чтобы он прекратил беседу. И, якобы, с тех пор он совершенно не горит желанием иметь дело с российскими СМИ… Подобная страшилка, рассказанная накануне нашего планируемого разговора, возымела действие, сравнимое с самыми мрачными творениями маэстро Айомми. И поначалу я с замиранием сердца гадал, какой же мой вопрос может оказаться последним…
Но не так страшен чёрт, как его малютка (тот самый, по-видимому, что кривится на обложке Born Again). Тони заметно смутил лишь один вопрос, а некоторые так и вовсе заставили его улыбнуться. Впрочем, главное было правильно начать – ведь…

Слова: Павел Потапов

Поскольку это интервью приурочено к релизу вашего последнего концертного диска, 30 Years Of Heaven & Hell, который был записан на фестивале Wacken Open Air, какие воспоминания остались у вас о том выступлении?

Великолепные воспоминания, если честно. Не только то шоу в частности, но и весь тур в целом были сплошным удовольствием. Ну и выступление на Wacken, конечно, оставило самые положительные эмоции – в том числе и потому, что этот фестиваль отличает высокий уровень организации. Это громкое событие, внушительная толпа… Очень здорово.

Фестивали, подобные этому, делают очень доброе дело, собирая воедино тяжёлые коллективы из разных периодов. Испытываете ли вы какие-нибудь сложности с тем, чтобы заинтересовать молодёжь из числа любителей современного металла, или же вас всегда выручает ваш статус «крёстных отцов» этого стиля?

Ну что ж, к счастью, до сих пор мы ни разу не сталкивались с подобными проблемами. Публика превосходно реагировала, и мы собрали множество как новых, молодых фэнов, так и более закоренелых. Так что, нет – всё, напротив, прошло чрезвычайно успешно.

Огромное количество групп и гитаристов в частности называют вас человеком, оказавшим на них огромное влияние, считая вас образцом для подражания. А можете ли вы сказать, что кто-либо из ваших последователей из 80-х, 90-х и так далее оказал, в свою очередь, влияние на вас?

Вполне может быть. Есть много превосходных групп. Скажем, Metallica – я их очень люблю. И они, например, вполне могли оказать влияние. Наверняка. Порой, возможно, что какие-то люди влияют на тебя, даже если ты об этом и не задумываешься.

В середине восьмидесятых вы пытались оставаться на плаву, начав исполнять более легковесную музыку, где присутствовало много синтезаторов и даже любовная лирика. В то время как последний ваш студийный альбом, The Devil You Know стал, вероятно, самым тяжёлым вашим творением. Было ли это также вызвано желанием прозвучать солидно на нынешней металлической сцене?

Скорее это было вызвано желанием вновь отправиться на гастроли с данным составом и записать альбом, который бы отражал нашу суть, и понравился бы нам самим. И тот альбом стал таковым. К тому же мы с большим удовольствием писали этот материал. Лично я получил огромное удовлетворение от самого процесса работы с этими ребятами.

Позвольте, немного сменить тему. Существует множество набожных людей, считающих, что хэви-метал вредит здравию души, что его приспешники попадают в ад, и прочие глупости. А вы когда-нибудь всерьёз задумывались о вероятности какого-то наказания или расплаты за использование всех этих символов и изображений, и за обращение к тёмным темам в ваших песнях?

Я не совсем понял…

Ну, проще говоря, считаете ли вы справедливым мнение, что хэви-метал может быть во вред?

Я так не считаю! Уж наша музыка точно не несёт никакого вреда. Если говорить о каких-то частных случаях – то такова уж жизнь. Если вам это чуждо – так просто не слушайте. Всё ведь очень просто, право. Опасным может оказаться что угодно, если так к этому относиться… скажем, фильмы… да и сама жизнь в общем. От этого никуда не деться.

Интересно, а существуют ли у вас какие-то ритуалы перед выходом на сцену? Конечно, под «ритуалами» я подразумеваю не зажжение чёрных свечей и рисование пентаграмм – а, например, прослушивание какой-то определённой музыки или же просмотр каких-то фильмов.

Нет, и никогда не было. Перед выходом на сцену я – если говорить конкретно про меня – пытаюсь привести себя в должное умонастроение перед грядущим концертом. Сперва я какое-то время разминаюсь, после чего стараюсь немного расслабиться. Порой я наигрываю какую-то лёгкую музыку. Но чаще всего просто играю упражнения, разогреваюсь и отдыхаю перед выходом. Я не люблю ни с кем видеться до выхода на сцену. Скажем, если к нам на шоу приходят какие-то гости, я стараюсь не общаться с ними до начала. Потому что это сбивает меня с моего настроя. Вот по окончании – с удовольствием, но до выхода – я предпочитаю, скажем так, помедитировать, настроиться на выступление.

Именно по этой причине вы отказались от любого общения с прессой, когда были в Москве в 2009-м?

Если оно планировалось перед концертами – то скорее всего. Потому как мы не особенно любим заниматься этим до выступлений. Ведь весь день – это как бы своеобразная подготовка к шоу. Так просто легче – ведь ты должен думать о том, что ждёт тебя вечером. И ты пытаешься сконцентрироваться на этом. А если начать давать интервью и тому подобное перед концертом, то это собьёт весь настрой. Раньше я на это соглашался, да и сейчас нам время от времени приходится это делать, но лично я это не приветствую. После концерта – совсем другое дело.

Думаю, вы понимаете, что я никак не могу не спросить относительно покинувшего нас не так давно Ронни Дио. Можно предположить, что вы уже отвечали на подобный вопрос тысячу раз за последний год, но поскольку это, возможно, первое ваше интервью российскому изданию за долгое время, не могли бы вы, пожалуйста, рассказать и нашим читателям, что Ронни значил лично для вас?

Лично для меня? Настоящий человечище. Очень талантливый. Безо всякого сомнения заслуженно любимый. Я с ним всегда очень хорошо ладил. Мы здорово работали командой: как музыканты и как друзья. Мы все были очень близкими друзьями. Это великая потеря. Просто невероятная.

Очевидно, что новый концертник можно считать последним диском проекта Heaven & Hell. Но можем ли мы надеяться услышать в будущем какие-то неизданные песни?

Нет, поскольку таковых просто не существует. У меня есть кое-какие наработки, которые мы собирали за последние годы, но так, чтобы целые песни – таких нет. Мы ничего просто так не записывали. Мы всегда писали сразу альбом – то количество вещей, которое нужно для полноценной пластинки. У нас никогда не было такого, чтобы мы записали 15 песен, из которых потом выбрали бы 8. Мы всегда писали именно то количество, которое было необходимо для альбома, и старались сделать их как можно лучше. Посему у нас нет никаких «не вошедших» вещей.

Какое-то время назад состоялся концерт памяти Дио, на котором вы выступали вместе с Гленном Хьюзом и Йорном Ланде – это был одноразовый проект, или же есть вероятность подобных союзов и в будущем?

Нет, скорее просто одноразовая акция, которую мы хотели посвятить Ронни. И мне кажется, что они великолепно справились. Йорн – отличный вокалист. Как, собственно, и Гленн. Просто с Гленном мы много сотрудничали в прошлом, а вот с Йорном это было впервые. Получилось здорово, но мы не думали повторять что-то подобное в будущем. Хотя кто знает, что оно готовит нам, это будущее? Я всегда открыт различным предложениям, однако сейчас таких планов нет.

Пару лет назад я брал интервью у Гленна, и тот признался, что если когда-либо он и будет делать что-то в жанре хард-н-хэви, то только лишь с самим «мастером риффов» Тони Айомми.

[Cмеётся] Гленн – мой хороший друг. И мы всё время на связи. Так что если мы задумаем что-либо делать, уверен, что всегда друг друга поддержим. Всё лишь упирается в то, чтобы правильно совпало время. На данный же момент мы оба очень заняты: он занимается делами своей группы, ну а я занят, в свою очередь, кучей своих.

А не могли бы вы поделиться, над чем именно сейчас работаете?

Да по сути, просто пишу – на сегодняшний день это лишь масса риффов. У нас сейчас многое в процессе подготовки. Но я даже не могу с вами этим поделиться, так как мы и сами пока не знаем, какой всё примет вид. Сейчас поступает множество предложений, и все они крайне интересны.

А когда вы говорите «мы», вы имеете в виду музыкантов Sabbath или Heaven & Hell? Возможно, Гизера [Батлера]?

Да, речь обо мне и Гизере. Мы в любом случае будем с ним продолжать сотрудничество вместе. Возможно, это будут Гизер, я и Винни… Сложно сказать – сейчас существует так много вариантов. Я ничего не могу сказать, только потому, что и сам без понятия. [смеётся]

Когда Оззи гастролировал в России в 2007 году, мне удалось побеседовать с его ассистентом, которого также зовут Тони – полагаю, вы с ним знакомы. Так вот он поведал тогда, что Оззи планирует вернуться в Россию в 2008-м вместе с Black Sabbath. Однако уже в то время существовал проект Heaven & Hell. Отсюда вопрос: была ли какая-то реальная почва под теми его утверждениями?

Да нет, мы не планировали ничего тогда… В настоящее время мы все ведём какие-то переговоры с разными людьми о своих будущих планах. Но могу уверить, что относительно 2008 года никаких разговоров не было.

Лично с моей точки зрения – да и, думаю, что не только с моей – одним из самых странных составов Black Sabbath был тот, в котором пел Иэн Гиллан. В то же время в своём интервью он сказал мне, что для него было большим удовольствием как работать, так и отдыхать с вами. С вашей же точки зрения, какой состав – либо же период – в истории Black Sabbath был наименее приятным?

Да у меня связаны хорошие воспоминания практически со всеми составами. Должен сказать, что последняя формация – с Гизером, Винни и Ронни – была очень крепкой, и к тому же отличалась добрыми отношениями внутри коллектива. У нас была крайне хорошая группа музыкантов, великолепный вокалист, и нам очень ладно работалось, что приносило огромное удовольствие. Ведь ты уверен, что вместе с тобой на сцене – профессионалы, которые знают, как делать свою работу. И которые сообща выдают превосходную музыку. Поэтому для меня этот состав стал кульминационным. Но, опять же, мы отлично проводили время и тем составом, с Иэном Гилланом – но там уже была немного другая история. И всё же думаю, что самый последний состав с Дио лично для меня был превосходным. Ну и, разумеется, оригинальная группа. Опять-таки, когда мы вновь собрались вместе, всё было очень и очень здорово. Мы все переживали эмоциональный подъём, потому что снова играли оригинальным составом спустя столько лет. Было необычайно здорово.

Вы выступали в СССР в 1989 году и в современной России в 2009-м – в чём, с вашей точки зрения, разница между двумя этими визитами?

О, между тем разом, когда мы впервые посетили Россию, и последним разом разница невероятна. Сейчас ваша страна стала более адекватной, что ли, мне очень понравилось… Правда, мне понравилось и тогда, но в последний раз было вообще душевно. Мне по нраву, что люди теперь более открыты и идут на контакт.

Бытует один загадочный слух – не знаю, насколько он правдивый, потому и решил спросить у вас – о том, что тогда, в 1989-м вы записали один из ваших концертов, но ту запись у вас то ли украли, то ли изъяли…

Мы записали кое-что из наших выступлений в «Олимпийском», и тот материал у нас действительно украли. Так что да – было такое дело.

Помнится, вы лично также выступали у нас вместе с группой «Земляне» году в 2006-м. То было несколько необычное мероприятие, потому как многие поклонники Sabbath или же ваши персональные поклонники расстроились, что вы играли там всего одну песню. А многие не только не смогли на него попасть, но даже и не знали о нём заранее. Как же случилось то выступление?

Они позвонили в мой менеджмент и спросили, не сыграю ли я с ними Paranoid. Я даже и не знал, что ответить, потому что это не в моей обычной практике – выйти и исполнить всего одну песню… ведь, как правило, если я участвую в концертах, мне хочется, чтобы песен было побольше. Но там был такой формат, поэтому я сыграл с ними только Paranoid. В общем, за этим не стоит никакая увлекательная история – меня просто попросили сыграть, что я и сделал.

Смею предположить, что нашим читателям было бы интересно узнать Тони Айомми со стороны «простого человека». Ведь обычно все задают вам вопросы про Black Sabbath, про риффы, которые вы написали, а могли бы вы немного приоткрыть для нас какие-то житейские факты, рассказать о своих увлечениях?

Боюсь, нам не хватит на это времени. Моя «другая половина» таит в себе много всего разного. Мне нравится моя домашняя жизнь. Обожаю гулять, видеться с друзьями, ходить в гости, ну и бывать со своей семьёй – как и все, наверное. Ну а с другой стороны я люблю работать, играть, творить… Много чего, на самом деле, но, как я уже и сказал, у нас не осталось времени, чтобы вдаваться в детали. Поэтому читайте мою книгу, когда она выйдет.
Спасибо за то, что были с нами все эти годы. Мы непременно хотим выступить в России ещё – мне необычайно понравилось, у вас чудесная страна. Поэтому я надеюсь вернуться, и мы совершенно точно это сделаем!

КОНЦЕРТНЫЕ АЛЬБОМЫ НА ВСЕ ВРЕМЕНА. Часть I

Tue, 02 Nov 2010 11:07:21 +0300

Статья опубликована в номере 88 журнала Classic Rock

Будучи коллекционером виниловых пластинок, выпущенных в золотые для рок-музыки годы, я ловлю себя на мысли о том, что мне постоянно хочется вытаскивать с полок и слушать именно концертные альбомы любимых исполнителей. Причем, в последнее время это желание только нарастает, ибо от мощи «живых» выступлений, игры музыкантов и их ярких спонтанных импровизаций, от честной записи без применения студийного причесывания просто захватывает дух. И постепенно, по мере отслушивания своей коллекции концертников, я стал делать «заметки на полях». В результате этих манипуляций и родился данный материал, построенный мною в хронологическом порядке. К сожалению, не все концертные альбомы сейчас слушаются также свежо, как и раньше, но таких, не прошедших проверку временем записей (и посему неслабо пахнувших нафталином), в этом списке нет. Зато все 150 пластинок, фигурирующих здесь, я до сих пор могу слушать с большим удовольствием, чего и вам настоятельно советую.
^{(Первая часть из 3-х)}

Слова: Валерий Кучеренко

MUDDY WATERS

AT NEWPORT Chess, 1960

Маккинли Морганфилд, он же Мадди Уотерс по праву носит титул «Отец чикагского блюза». Музыкант провел большую часть 1950-х годов на вершинах ритм-энд-блюзовых чартов с такими хитами, как Rolin' and Tumblin' и Louisiana Blues, но лишь в 1960-м году представил себя (и живой блюз) белой аудитории мейнстрима. Это произошло на джазовом фестивале в Ньюпорте. Когда в тот знаменательный день Уотерс вышел на сцену, он был столь же не знаком со своей белой аудиторией, как и они – с его деревенской раз-новидностью чикагского буги или дельта-блюза. Звучали непривычные для слуха простоватые вещи Hoochie Coochie Man, Baby Please Don't Go, I Feel So Good, которые довольно тяжело ложились на слух тамошней аудитории. Но к концу сета мощный баритон Мадди, рыдающая губная гармоника Джеймса Коттона и расстроенное фортепиано Отиса Спэнна заставили-таки молодых яппи танцевать в проходах во время исполнения песни Got My Mojo Working, вызвавшей бурю аплодисментов. Этот альбом, содержащий блюзовые стандарты, написанные самим Уотерсом, а также Вилли Диксоном, Биг Биллом Брунзи, Престоном Фостером и Джеймсом Бёрком Оденом напрямую виновен в возникновении феномена «британское блюзовое вторжение». И в возникновении таких команд и исполнителей, как The Rolling Stones, Cream, Fleetwood Mack, Джон Майал, Питер Грин и Эрик Клэптон.

RAY CHARLES

CHARLES IN PERSON Atlantic, 1959

Впечатляющая запись одного из лучших концертов Рэя Чарлза за всю его карьеру. Шоу состоялось в мае 1959-го года в Атланте на Herndon Stadium перед семью тысячами зрителей, не желавших расходиться по домам, несмотря на проливной дождь. К счастью, радиостанция WAOK запечатлела его для грядущих поколений, правда, с минимальными техническими возможностями – на портативный магнитофон с помощью единственного микрофона. На обложке, оформленной в типичной для того времени манере, и максимально точно отражающей образ «Великого Слепого», помещена драматическая фотография Рэя Чарлза – молодого, энергичного, вкладывающего в исполнение всю душу. Великолепный альбом эпохи битников, где в равных пропорциях наличествуют соул, ритм-н-блюз и рок-н-ролл. И, естественно, присутствует классика Чарльза What’d I Say,Tell The Truth и Yes, Indeed. Помимо битников, и хиппи были в восторге, но не только от музыки, а также от дизайна оправы его очков. И, естественно, в массовом порядке приобретали точно такие же.

B.B. KING

LIVE AT THE REGAL ABC, 1965

«Если ты вырос в городе, где нет электричества, возникают сложности с обучением игре на электрогитаре», – говорил как-то Би Би Кинг. Однако к тому времени, когда он давал концерт в ноябре 1964-го (Regal Theater, Чикаго), срок его обучения достиг почти сорокалетней отметки. Поэтому немудрено, что музыкант своим выступлением вызвал настоящую бурю эмоций. Би Би Кинг управлял залом словно проповедник, вызывая стоны и всхлипы своей «паствы», вовлекая каждого из них в трехсторонний обмен эмоциями с ним и его гитарой по имени «Люсиль». После того, как была исполнена знойная композиция Sweet Little Angel о том, как «она любит расправлять свои крылья», в зале началось что-то невообразимое. Там стоял непрерывный визг, но он совершенно не мешал продолжению музыкального таинства. Это был Блюз с большой буквы, и Би Би Кинг во время рождения на свет своей музыки был переполнен страстным желанием и душевной болью. Пылкое исполнение песен It's My Own Fault, How Blue Can You Get и You Upset Me Baby, подчеркнутое возбуждающими ласками Кинга грифа «Люсиль», стало стандартом живого блюза и способствовало увенчанию Кинга титулом величайшего гитариста в истории жанра.

JAMES BROWN

LIVE AT THE APOLLO King, 1963

По мнению некоторых авторитетных музыкальных изданий, данная пластинка является одной из самых энергичных записей всех времен. Концерт был записан в гарлемском Apollo Theater в октябре 1962-го года на средства самого Джеймса Брауна, и вышел на лейбле певца King Records. Звукозаписывающая компания Брауна поначалу отказалась от выпуска концертного диска, но он моментально стал блокбастером (заняв 2-место списков) и впоследствии продержался в чартах журнала Billboard более года. Это, пожалуй, одно из самых страстных выступлений Крестного отца соула. При поддержке мощнейшей вокальной группы The Famous Flames, «секс-машина» Браун сладострастно выдает переполненную похотью классику I’ll Go Crazy, Try Me, Think, I Don’t Mind и Please, Please, Please. В дальнейшем, Джеймс Браун продолжил серию концертных альбомов, записанных в ставшем со временем культовым зале Аполло. Это Live at the Apollo, Vol. II (1968), Revolution of the Mind: Recorded Live at the Apollo, Vol. III (1971) и Live at the Apollo 1995. Но такого накала страстей как на данном альбоме, на них уже не было.

SAM COOKE

LIVE AT THE HARLEM SQUARE CLUB RCA, 1963

Трудно перечислить всех подростков, ставших впоследствии знаменитыми рок-музыкантами, заслушавших этот альбом до дыр. Достаточно упомянуть только парочку «токсичных близнецов» из Aerosmith Стива Перри и Стивена Тайлера, для которых этот диск был путеводной звездой. Оказавший неоценимое влияние на становление рок-музыки в ее наиболее откровенной ипостаси, альбом Live At The Harlem Square Club демонстрирует радикальное перевоплощение Сэма Кука из певца элегантных поп-песен в поборника грубого и сексуального ритм-энд-блюза. Пластинка, записанная в гетто Майами (в одном из клубов для работяг), долгое время считалась одной из лучших «живых» записей всех времен. Кстати, основной прикол в том, что релиз альбома состоялся лишь спустя 22 года после его создания. На фоне сильной и слаженной игры бэнда, включавшего ведущего саксофониста Кинга Кертиса и первоклассного гитариста Клиффа Уайта, Сэм Кук предлагает зажигательные, возбуждающие интерпретации таких шедевров, как Feel It, Chain Gang, Twistin' The Night Away и Bring It On Home To Me, не звучащие так страстно в своих студийных вариантах.

CHUCK BERRY

LIVE AT FILLMORE AUDITORIUM Mercury, 1967

Под аккомпанемент заводной команды The Steve Miller Blues Band, из названия которой в дальнейшем исчезло слово «blues», патриарх рок-н-ролла Чак Берри выдает ставшие сейчас бесспорной классикой композиции, среди которых C.C. Rider, (I’m Your) Hoochie Coohie Man, Good Morning, Little School Girl и My Ding-A-Ling. Так что диск является посланием не только фэнам прославленного ветерана, но и поклонникам ставшего впоследствии рок-героем Стива Миллера, играющего здесь на гитаре и губной гармошке. По сравнению с псевдоконцертником Берри On Stage (1963), записанном в студии с наложением хлопков аудитории, данный альбом звучит очень живо, ярко и атмосферно. Наиболее полное представление о нем дает современное переиздание на CD, трек-лист которого «раздулся» аж до пятнадцати композиций, включая редко исполняемые вещи Bring Another Drink и Worried Life Blues. Следующего концертного творения Чака Берри, несмотря на преклонный возраст активно выступающего и поныне, поклонникам пришлось ждать целых одиннадцать лет.

JERRY LEE LEWIS

LIVE AT THE STAR CLUB, HAMBURGE Philips, 1965

Когда в апреле 1964 года один из пионеров рок-н-ролла Джерри Ли Льюис прибыл в Star Club, он только что завершил гастрольный тур по Великобритании с другой группой ливерпульцев, The Nashville Teens. Этот коллектив пригласили выступить в Гамбурге, а американец присоединился к ним на один вечер. Сопровождающий бунтаря бэнд едва поспевал за Льюисом в течение первых двадцати минут выступления, которые включали Mean Woman Blues, High School Confidential и, возможно, самую расхристанную версию What'd I Say, в которой отсутствовали все отголоски чувственности соула, замененные откровенной похотью. А исполнение рок-н-рольной классики Hound Dog, Long Tall Sally и Whole Lotta Shakin' Goin’ On и описывать-то бесполезно, ибо для этого слов еще не придумано. По легенде, во время выступления был разбит рояль, но на самом деле разрушения коснулись только разлетевшегося в щепки стула. Этот концерт Джерри Ли Льюиса – анархия в чистом виде. Получивший титул «самого мятежного живого альбома всех времен», он представляет непричесанный рок-н-ролл без коммерческой шелухи; такой, каким он и должен быть: пульсирующий, сбивающий дыхание и более ненормальный, чем что-либо другое до появления рок-хулиганов The Ramones.

KINKS

LIVE AT KELVIN HALL Pye, 1967

Считается, что первым полновесным рок-концертом в истории, записанным на пластинку, является Get Yer Ya Ya’s Out The Rolling Stones. Похоже, это не так. Выпущенный на несколько лет раньше знаменитого «ослика», именно Live At Kelvin Hall претендует на это почетное звание. Записанный в зале Kelvin Hall в шотландском Глазго, он демонстрирует все основные «фичи» классического рок-представления – свист и шум толпы, дружное хоровое пение одного из главных хитов группы Sunny Afternoon, а также отменный сет-лист, включающий практически все значимые композиции The Kinks на тот момент. Начинающийся с Till The End Of The Day, альбом продолжает свой разгон композицией A Well Respected Man, а к пресловутой Sunny Afternoon зал уже стоит «на ушах». Dandy и You Really Got Me еще больше повышают градус, а победитель британского хит-парада синглов Tired Of Waiting For You знаменует собой грандиозный финал.

JOHNNY CASH

AT FOLSOM PRISON Columbia, 1968

Во время «британского нашествия» в карьере кантри-иконы Америки Джонни Кэша наступил полный штиль на несколько лет, пока он не выпустил данный концертный альбом. Певец в одночасье вернул себе былую славу такими композициями, как 25 Minutes To Go, I Got Stripes и Busted. Концерт состоялся в тюрьме Folsom, и Кэшу удалось добиться понимания и симпатии немалой толпы заключенных, чего раньше никогда не было в истории музыки. Выступление Кэша перед двумя тысячами зэков (и сопоставимым контингентом тяжело вооруженных охранников) в калифорнийской тюрьме строгого режима звенит от напряжения. Начав с песни Folsom Prison Blues – его хита 1956 года, имевшего понятное отношение к аудитории, – Кэш сливается с заведенной толпой в одно целое, почти не замечая стражей порядка. Когда Кэш дерзко вопит: «Я засмеялся шерифу в лицо и плюнул в глаза», он вызывает рев одобрения. Почти все истории Кэша из альбома Johnny Cash At Folsom Prison повествуют об искуплении, полученном путем усвоения уроков тяжких потерь. Это скорбь об умирающем преступнике, отбывшем тюремное заключение в композиции Give My Love To Hose или держащая в напряжении песня Greystone Chapel – восхваление тюремной часовни в Фолсоме, написанная находившимся тогда в заключении Гленом Шерли, которому Кэш выражает признательность перед ее началом. Однозначно, это послания человека, вернувшегося на вершину Успеха.

TEN YEARS AFTER

UNDEAD Decca, 1968

Свой второй альбом группа Ten Years After, комбинирующая в музыке рок, блюз и буги, решила записать «живьем», дабы показать недюжинное мастерство не только игры, но и импровизации. Историческая запись произошла в лондонском джаз-клубе Klook’s Kleek в мае 1968-го года. И если дебютник был более блюзовым, то здесь заметно превалирует джазовая составляющая, представленная агрессивным пост-бопом. Безусловно, бесспорным лидером группы является Элвин Ли, получивший к тому времени титул «самого скоростного гитариста», и играющий здесь великолепно. Другие же члены команды – органист Чак Черчилль, барабанщик Рик Ли и басист Лео Лайонс – тоже радуют слух блистательной игрой. А задачи перед собой музыканты поставили непростые. Сет-лист включает наряду с I May Be Wrong But I Won't Be Wrong Always, Spider In My Web и I’m Going Home, сочиненных Элвином, джазовые стандарты At The Wooper’s Ball Вуди Хермана и Summertime Джорджа Гершвина, которые невнятно сыграть было бы просто непростительно. К счастью, у музыкантов все получилось отменно.

CLIFF RICHARD

CLIFF IN JAPAN EMI, 1968

А вы знаете, что в Японии к 1968 году «Английский Элвис» был более популярен, чем The Beatles и Элвис вместе взятые? Это, кстати, легко объяснимо, ибо первые к тому времени уже закончили гастрольную деятельность, а «Король Рок-н-ролла» до тех пор так и не добрался до Страны Восходящего Солнца. Сладкоголосый красавчик Клифф наповал «убивает» местную аудиторию своими поп-хитами Bachelor Boy, Living Doll и Hang On To Dreams; преисполненная восторга, она дружно и с воодушевлением исполняет их вместе с вокалистом. Ошибкой было бы думать, что Клифф Ричард здесь выступает в ипостаси эстрадного певца. Он «дает» настоящего рок-н-ролльщика, способного зажигательными версиями Twist And Shout, What’d Say и Dynamite вогнать слушателей в состояние буйного неистовства. А потом мастерски остудить их пыл проникновенными балладами.

THE GRATEFUL DEAD

LIVE/DEAD Warner Bros., 1969

Первые три студийных альбома The Grateful Dead так и не смогли по своему эмоциональному накалу приблизиться к тому, что молодежь испытывала в залах, подобных Fillmore West. Это удалось их первому концертному альбому, вещи для которого отбирались с выступлений группы в Сан-Франциско, проходивших в то время, когда записывалась их «эпохальная» работа Aoxomoxoa. Трек Dark Star, бесспорный фаворит Live/Dead занимает всю сторону первого диска. Он был в первый раз представлен слушателям именно здесь и впоследствии, как показало время, редко выходил в лучшем исполнении. Музыка кружит в бешеном водовороте, бурлит, и, кажется, бессчетное множество раз теряет направление, прежде чем извергается могучим водопадом в стиле джазмена Джона Колтрейна. Потом The Grateful Dead наполняют «кислотным» содержанием базовую версию St. Stephen, вышедшую на Aoxomoxoa, а затем безудержно ныряют в эпохальный «глюко-омут» The Eleven. Хотя многие критики считали двойные альбомы 1970-го Workingman's Dead и American Beauty вершиной творчества Dead, первый «живой» альбом группы вполне можно ставить с ними в один ряд. Это квинтэссенция психоделии, ярчайший документ эпохи LSD и прочих галлюциногенных препаратов. Выпущенный задолго до того, как магнитные записи появились в широкой продаже, Live/Dead полностью раскрыл мощь параноидально-импровизационной музыки и послужил точкой опоры для многочисленных джем-групп XX века.

THREE DOG NIGHT

CAPTURED LIVE AT THE FORUM Dunhill, 1969

Американская рок-группа Three Dog Night, исполнявшая мелодичный поп-рок с элементами ритм-энд-блюза, фанка, соул и глэм-рока, прославилась тем, что почти не писала собственных песен, а блистательно исполняла кавер-версии вещей знаменитых артистов. Собравший набитый стадион, этот концерт в полной мере демонстрирует главную музыкальную ипостась команды. Голоса вокалистов Чака Негрона и Дэнни Хаттона создают настоящие шедевры из композиций Try A Little Tenderness Отиса Раша, Eli’s Coming Лоры Ниро, It’s For You Силлы Блэк, Chest Fever Робби Робертсона и других, не менее известных вещей. Сэр Элтон Джон говорил позже, что началом собственного взлета к вершине славы он обязан каверу Three Dog Night на его песню Your Song.

MC 5

KICK OFF THE JAMS Electra, 1969

Дебютный альбом детройтских протопанков и пионеров гаражного рока MC 5 Kick Off The Jams привлек внимание слушателей по всей Америке. Выпуск концертной пластинки в качестве дебютной - всегда рисковое мероприятие, однако боссы компании Elektra посчитали, что именно во время "живых" выступлений группе удается показать все самое лучшее, из того, что она умеет. Главными композициями дебютника стали зажигательные Kick Off The Jams, Rama Lama Fa Fa Fa, Starship, а также кавер-версия композиции Джона Ли Хукера Motor City Is Burning. Когда популярная сеть музыкальных магазинов Hudson's отказалась продавать дебютную пластинку MC5 по причине того, что в текстах песен (а также в полном названии альбома - Kick Off the Jams, Motherfuckers!) звучала ненормативная лексика, музыканты отреагировали на это заявлением в прессе. Оно гласило: "Fuck Hudson's!", причем текст заявления сопровождался изображением логотипа звукозаписывающей компании Elektra. В результате подобного демарша магазины Hudson's отказались от продажи любой продукции, выпускаемой этой компанией. Вскоре после этого лейбл поспешил избавиться от неуправляемых подопечных, а поскольку менеджер группы Джон Синклер к тому времени угодил за решетку (за хранение марихуаны), то группа осталась не только без контракта, но и без менеджера. Правда, недолго. За альбом 1970-го года отвечала уже компания Atlantic.

JOHNNY CASH

AT SAN QUENTIN Columbia, 1969

Вслед за предыдущим успешным концертным альбомом, в феврале 1969 года Джонни Кэш прибыл в тюрьму Сан-Квентин в сопровождении звукозаписывающей группы с лейбла Columbia и британской съемочной группы. Это был четвертый визит Кэша в тюрьму с концертами. Прошлогоднее выступление Кэша в Фолсомской тюрьме отличалось шквалом песен о смерти, тюрьме и убийстве, однако в Сан-Квентине песенный материал был не столь мрачно агрессивным, отражая, возможно, смягчение собственного душевного состояния исполнителя. Однако альбом включал совершенно новую песню San Quentin, и бескомпромиссное исполнение Кэшем этого впечатляющего осуждения тюрем в целом (и Сан-Квентина в частности) практически спровоцировало аудиторию на бунт. Реакция зэков так впечатлила Кэша, что он сразу же повторил песню. Также в Сен-Квентине Джонни Кэш представил публике полушуточную песню о нелегкой судьбе парня по имени Сью. В песне была строчка "I'm a son of a bitch who named you Sue" принадлежащая отцу лирического героя. Вскоре запись была выпущена в виде концертного альбома, и спорные слова были закрыты банальным "пиканьем". После этого Джонни Кэш, выступая в Мэдисон Сквер Гардене, сознательно на этом месте пропищал в микрофон, имитируя звук с пластинки. И сразу же объяснил: "I can't say "son of a bitch" on the stage".

ELVIS PRESLEY

ELVIS IN PERSON AT THE INTERNATIONAL HOTEL, LAS VEGAS, NEVADA RCA, 1969

Первый концертный альбом Элвиса Пресли, состоящий из выборочных записей с его выступлений в августе 1969 года в отеле International в Лас-Вегасе, дает наиболее полное представление об энергетике "живых" выступлений певца. Трек-лист состоит из двух условных частей. В первую входят старые хиты 1950-х годов (Blue Suede Shoes, Hound Dog, Johnny B. Goode), а во вторую - новый репертуар (Suspicious Minds, In The Ghetto, песню Bee Gees Words). Заканчивается выступление грандиозной балладой Can't Help Falling In Love из кинофильма Blue Hawaii, которой певец закрывал все свои концерты с 1969-го по 1977-й годы. Известный факт, что на этих концертах Пресли был в хорошем настроении и получал от общения с публикой явное удовольствие. Впоследствии, несмотря на сотни концертов ежегодно, он несколько охладел к выступлениям, и их качество целиком зависело от переменчивого настроения певца. Поэтому выступления Элвиса в этот свой первый концертный сезон (август 1969) объективно расцениваются очень высоко.

ROLLING STONES

GET YER YA YA'S OUT Decca, 1970

Эта впечатляющая работа, вышедшая между релизами студийных альбомов Let It Bleed и Sticky Fingers, еще раз доказала, что The Rolling Stones являются одной из величайших групп в истории рок-н-ролла. В дискографии Stones появился, наконец, первый официальный концертный альбом ("живая" пластинка 1966 года Got LIVE If You Want It! не в счет - она выходила только в Америке). Записанный в конце ноября 1969 года в Нью-Йорке (зал Madison Square Garden) и Балтиморе, диск содержит пышущие сексуальной энергией и пропитанные марихуанным душком Jumpin' Jack Flash (с гениально-неотесанным гитарным соло Кита Ричардса), Sympathy For The Devil, Honky Tonk Women и Street Fighting Man, легко "убирающие" канонические студийные версии. Дополнительный шарм альбому придают его элементы, не имеющие отношения к музыке. Это коллаж из высказываний Сэма Катлера во время тура, девичий крик: "Paint it black, you devil!" и прибаутки Мика Джеггера, к примеру, об оторвавшейся пуговице. Кстати, альбом занял первое место в Англии и пятое в США.

CANNED HEAT

CONCERT LIVE IN EUROPE United Artists, 1970

Концерт в Европе - седьмой по счету и первый концертный альбом американской блюз-роковой группы Canned Heat. В начале 1970-го года группа гастролировала в Европе шесть недель и объехала 7 стран, флаги которых указаны на обратной стороне конверта. Несмотря на то, что пластинка слушается как один концерт, песни альбома были записаны в разных местах, в том числе и в знаменитом лондонском Альберт-холле. А на одном из этих выступлений, где Canned Heat были хэдлайнерами, перед ними играли Renaissance и Deep Purple (за пару месяцев до выхода в свет их альбома In Rock). Как сказано на внутреннем развороте конверта, "Canned Heat сыграла приблизительно 475 концертов за три с половиной года перед четырьмя миллионами фанов, друзей, хиппи и просто людей". Группа жила живой импровизацией на концертах, поэтому именно концертный альбом дает лучшее представление о ней. Музыканты играют в полной расслабухе, в перерывах пошучивают, легко поддерживая тесный контакт с публикой. Кстати, интересно послушать, как Canned Head делает классическую блюзовую вещь Вилли Диксона Bring It On Home, которую первоначально записал в 1963-м году Сонни Бой Уильямсон II, а потом переделали в хард-роковый номер Led Zeppelin на своем втором альбоме.

THE BYRDS

THE BYRDS Columbia, 1970

Результат двух блистательных выступлений американской рок-группы The Byrds в начале 1970-го года в нью-йоркских залах Colden Center Auditorium и Felt Forum. Они более чем показательны, ибо композиции, на них записанные, подобные Lover of the Bayou, So You Want to Be a Rock'n'Roll Star и Mr.Spaceman в полной мере раскрывают все ньюансы музыки коллектива, находящейся на стыке фолка, психоделии, кантри и рага-рока. Не секрет, что The Byrds прославились благодаря исполнению песен Боба Дилана. Здесь присутствуют и они - ставшая их визитной карточкой Mr.Tambourine Man и Positively 4th Street. Начало 70-х было, пожалуй, пиком концертной деятельности The Byrds, и к счастью, в дополнении к этому документу эпохи не так давно вышли еще два - в 2000-м году Live At The Fillmore - February 1969 и в 2008-м Live At Royal Albert Hall 1971.

GRAND FUNK RAILROAD

LIVE ALBUM Capitol, 1970

Хотя на обложке альбома присутствует фото, сделанное на выступлении группы на Atlanta International Pop Festival в июле 1970-го, его музыка записана не там, а в ходе концертного "чёса" по городам штата Флорида в июне того же года. Эта запись ценна прежде всего тем, что она осуществлялась методом "direct recording", то есть без применения искажающих или редактирующих ее технических девайсов. Поэтому ей и удается передать всю сырую энергетику выступлений американских хард-рокеров, а также ту неповторимую атмосферу, которая всегда царила на концертах Grand Funk. В свете сказанного становится понятно, чем для фэнов группы этот альбом наиболее ценен. Поднявшийся на пятую строчку американских чартов, Live Album демонстрирует все достоинства команды, способной легко раскачать стадион. Мы это и слышим, причем на протяжении всего альбома, начиная с громоподобной "открывашки" Are You Ready и заканчивая тяжелыми джемами по 12 минут каждый - Inside Looking Out и Into the Sun.

THE DOORS

ABSOLUTELY LIVE Electra, 1970

Концертные версии композиций The Doors, судя по этому диску, более импульсивны и противоречивы. Главное противоречие заключается в том, что они одновременно и прямолинейны, и аранжировочно изощренны. Орган Рея Манзарека плетет волшебные кружева, гитара Робби Кригера выстраивает стену звука, а истерический голос Моррисона все разрушает. И если не брать в расчет вещи Вилли Диксона Back Door Man и Close to You, музыка альбома подобна оголенному нерву. Это особенно чувствуется в композициях, занимающих по целой стороне виниловой пластинки - When The Music's Over и Celebration Of The Lizard. При прослушивании перед глазами стоят четкие картины сценического действа, на которых фронтмен или змеей извивается около микрофонной стойки, или орет, корчась в судорогах на полу около ударной установки.

CREAM

LIVE CREAM ATCO, 1970

В данный концертник вошли самые удачные "живые" записи британского супертрио, отобранные из трех мартовских выступлений 1968 года в зале Winterland Ballroom города Сан-Франциско. Музыканты выглядят крайне убедительно, много и охотно импровизируют и по-доброму "переругиваются" между собой посредством вверенных им инструментов. Наряду с авторским материалом - брюсовскими N.S.U. и Sleepy Time Time, и бейкеровской Sweet Wine, примечательно здесь наличие классического блюза Мадди Уотерса Rollin' and Tumblin', превращенного в истинный шедевр зарождающегося стиля блюз-рок. А легкое недоразумение в виде студийной версии простоватой народной песенки Lawdy Mama в аранжировке Эрика Клэптона, каким-то образом залетевшей сюда с рекорд-сессий пластинки Disraeli Gears, абсолютно не портит общей картины.

THE WHO

LIVE AT LEEDS Decca, 1970

Эпохальный альбом, удостоенный мемориальной таблички, привинченной к стене университетского здания в городе Лидсе в память об этом событии, случившемся 14 февраля 1970 года. В День Святого Валентина студенты получили, возможно, самые яркие впечатления своей жизни. К записи альбома группа приступила сразу после окончания гастрольного тура с Tommy, обуреваемая желанием поскорее разделаться с обязательствами. Она играла в полную мощь на протяжении более чем двух часов, исполнив Tommy, свои классические синглы и сборник шедевров рок-н-ролла. Не ограничиваясь какими-либо рамками, бескомпромиссное трио музыкантов с Роджером Долтри за микрофонной стойкой выстроило стену звука прямо-таки устрашающих масштабов.
Этим самым музыканты The Who убедительно отвечают на вопрос - как довести до совершенства произведения типа рок-оперы Tommy, которая вышла годом раньше и стала первым творением группы, вошедшим в американский чарт. Парни врубают на полную мощность свои усилители и выдают ураганнейшие версии концертного сета. Все композиции звучат крайне убедительно - и разогревающие аудиторию кавер-версии вещей Моуза Эллисона, Эдди Кокрана и Джонни Кидда, и доводящие публику до нужной кондиции звучащие в финале продолжительные My Generation и Magic Bus. И пусть вас не смущает простоватая обложка, будто выполненная из дешевой оберточной бумаги - это остроумный ответ на концертные бутлеги, начинающие распространяться среди фэнов с космической скоростью. А их наличие в природе о многом говорит, не так ли?

STEPPENWOLF

STEPPENWOLF LIVE ABC Dunhill, 1970

Steppenwolf Live - это сборник треков, записанных с нескольких концертов группы, проходивших во время тура в поддержку альбома Monster. Вошедший в Top 10 (на 7-е место) и получивший по результатам продаж "золотой" сертификат, он содержит бронебойное исполнение классики группы на все времена - Born to Be Wild, Magic Carpet Ride и The Pusher (главная композиция культового кинофильма Easy Rider). Отменно звучит и кантри-хит 1928-го года Corina, Corina, и классика ритм-энд-блюза Sookie, Sookie. Дабы придать альбому большую коммерческую привлекательность, руководство рекорд-лейбла решило усилить трек-лист студийной композицией Hey Lawdy Mama. Пресловутого усиления не произошло, ибо невооруженным ухом слышно, что данный трек здорово проигрывает рядом стоящим концертным вещам.

IRON BUTTERFLY

LIVE Atco, 1970

Апологеты американского психоделического рока Iron Butterfly прославились в 1968 году, выпустив грандиозный хит In-A-Gadda-Da-Vida, входящий во второй их альбом и проданный к настоящему времени в количестве 25 миллионов экземпляров. К моменту записи концертника в багаже группы было уже три студийных пластинки, две из которых попадали в Top 5, поэтому его выпуск был заведомо коммерчески выгодным. Так оно и случилось - Live залез на 12-е место американских списков, а в Англии добрался до 9-го. Всю вторую сторону винилового диска занимала 19-минутная версия главного хита коллектива. Звучит она фантастически, но маленькая ложка дегтя в эту бочку меда все же была добавлена - концертный трек был серьезно обработан в студии и его финальный вариант грешит-таки присутствием студийной косметики.

CHICAGO

AT CARNEGIE HALL Columbia, 1971

Оказалось, что к моменту издания первого концертника, у группы Chicago накопилось немало авторского материала. К этому времени вышли уже три альбома, которые были к тому же двойными. И музыкантам жуть как хотелось записать максимальное количество концертных версий этих вещей. Сказано - сделано. В апреле 1971-го, в ходе нескольких концертов в знаменитом нью-йоркском Карнеги Холле было записано большое количество композиций, и эти записи были изданы в виде бокса из четырех виниловых пластинок. Возможно, правильнее с коммерческой точки зрения было выпустить некую компиляцию, но среди записанных вещей не оказалось не одной слабой или проходной! Критики тут же назвали творение группы "шедевром", да и слушатели стали активно приобретать эту коробку, которая комплектовалась толстым буклетом и тремя плакатами. Релиз в скором времени достиг третьей строчки американского чарта, а группа Chicago добилась, наконец, того статуса, которого заслуживала.

JOE COCKER

MAD DOGS AND ENGLISHMEN A&M, 1970

Непревзойденный мастер кавер-версий, герой Вудстока Джо Кокер предстает на этом концертном альбоме во всем своем великолепии. Знаменитый дебютник певца With a Little Help From My Friends был с легкостью превзойден по всем показателям. Грубость и прямолинейность рок-н-ролла хитрым образом сплетается здесь с нежностью и чувственностью соула. Мощнейший аккомпанирующий состав, включающий хор, духовую секцию и несколько барабанщиков, придает этим композициям дополнительного веса. Они и так обладают запредельной энергетикой, а с данными бонусами просто "сносят крышу". Сет-лист просто роскошен. Здесь и Honky Tonk Women The Rolling Stones, и Bird On The Wire Леонарда Коэна, и Girl From The North Country Боба Дилана, и She Came In Through the Bathroom Window The Beatles. Кстати, если вам интересно послушать полную, шестидисковую (!) версию этого альбома, то ищите релиз с названием The Complete Fillmore East Concerts, выпущенный компанией Hip-O в 2006 году.

TRAFFIC

WELCOME TO THE CANTEEN Island, 1971

Трек-лист первого концертного альбома арт-рокеров Traffic состоял из вещей с первых трех пластинок команды, а также включал пару вещей с сольника гитариста Дейва Мейсона - Sad And Deep As You и Shouldn't Have Took More Than You Gave. Записанный во время выступлений группы в клубах Кройдона и Лондона, он показывает незаурядную игру музыкантов - органиста Стива Уинвуда, басиста Рика Греча и саксофониста Криса Вуда. Особенно поражает игра барабанщиков, которых в составе аж целых три; причем работа на ударных установках Джима Капальди и Джима Гордона фантастическим образом дополняет перкуссионные изыски чернокожего Ребопа Кваку Бааха. А апофеозом выступления является вещь Уинвуда Gimme Some Lovin', ставшая ранее большим хитом в исполнении его старой команды Spenser Davies Group.

FREE

LIVE! Island, 1971

Выполненный в виде настоящего, только большого почтового конверта, с задним клапаном, марками и всеми соответствующими штампами, концертный альбом британцев Free имел солидный коммерческий успех. И дело здесь не только в оформлении. Главный козырь пластинки - восемь фантастических треков, один лучше другого. Mr.Big, Fire And Water, All Right Now, I'm A Mover - набор деликатесов для любого рок-гурмана. А если вспомнить имена героев - Пола Роджерса, Пола Коссофа, Энди Фрэйзера и Саймона Кирка, то вопросы типа "а как это сыграно?" отпадают сами собой. Альбом достиг 4-ой строчки британских списков, и это было лебединой песней знаменитой команды. К великому сожалению, к апрелю 1971-го ее уже не стало.

MOTHERS OF INVENTION

FILLMORE EAST, JUNE 1971 Bizarre, 1971

Данная пластинка показывает банду Фрэнка Заппы во всей молодецкой удали. Градус пошлости в песнях явно зашкаливает за отметку принятой в обществе пристойности, а сами песни продолжали генеральную линию рок-н-рольного повествования без прикрас и цензуры. Особенно выделяются: What Kind Of Girl Do You Think We Are? - расслабленно-разгильдяйский блюз с пуганьем публики страшным монстром Элисом Купером, и содержащий полезные советы, как правильно распорядиться большим членом, если таковой у вас имеется; Bwana Dik - очередной гимн выдающемуся мужскому достоинству; Willie The Pimp - джаз-роковый инструментал с мощнейшим басом в духе Cream, явно предназначенный для разогрева группиз, которые в такие моменты передают на сцену свои трусики в качестве сувениров и, наконец, Do You Like My New Car? - образчик разговорного жанра под непринужденную еле слышную фоновую музыку. Вокалисты Фло и Эдди, а также сам Фрэнк "трут за жизнь" в течение семи минут. О чем? Да обо всем, что придет в голову!

PROCOL HARUM

PROCOL HARUM LIVE WITH THE EDMONTON SYMPHONY ORCHESTRA Chrysalis, 1972

Британская группа Procol Harum всегда тяготела к классической музыке. Создавая свои непростые произведения в жанре арт-рока, они всегда использовали вкрапления в них симфонической музыки и барокко. И когда у группы появилась возможность дать совместный концерт с полноценным симфоническим оркестром, музыканты восприняли это с большим воодушевлением. Историческая запись состоялась в концертном зале Alberta Jubilee Auditorium канадского города Эдмонтон. К сожалению, главная композиция коллектива - A Whiter Shade of Pale не была сыграна, зато запись таит в себе много других вкусностей. Чудо как хороша версия открывающей диск композиции Conquistador, взятой с дебютного альбома группы; впечатляют Salty Dog и All This And More. Но настоящей жемчужиной диска является почти двадцатиминутная сюита In Held Twas In I - без каких-либо оговорок серьезное симфоническое произведение, заканчивающееся грандиозным финалом.

THE ALLMAN BROTHERS BAND

AT FILLMORE EAST Capricorn, 1971

Американские рокеры The Allman Brothers Band, ведомые слайд-гитаристом Дуэйном Оллманом и его младшим братом Греггом (поющим и играющим на органе), одновременно и изобрели, и вышли за пределы "южного рока". Они были известны благодаря продолжительным живым джемам, в которых развивали смешение различных музыкальных направлений - рока, блюза, кантри, соула и джаза. Когда первые два их студийных альбома провалились, очевидным решением поправить положение представлялся выпуск концертного диска. И вскоре вышедший двойник At Fillmore East - результат записи пары мартовских шоу 1971-го года в Нью-Йорке, действительно, изменил статус команды. Гитаристы Дуэйн Оллман и Дики Беттс показали все свое мастерство в синхронном исполнении, и при прослушивании складывалось впечатление, что на сцене братья-близнецы, которыми кто-то управляет из невидимого командного центра. От версии Whipping Post длиной в целую сторону, зал просто взрывается. Эта бурлящая почти кинематографическим напряжением, южно-готическая элегия, безусловно, представлена в одном из своих лучших вариантов, делающих ее величайшей композицией коренного рока.

GEORGE HARRISON

THE CONCERT FOR BANGLA DESH Apple, 1971

В 1971 году Джордж Харрисон организовал два масштабных благотворительных концерта в нью-йоркском Madison Square Garden, сборы от которых предназначались фонду помощи жителям Бангладеш, незадолго до этого пострадавшим от разрушительного циклона "Бхола". На концерты, состоявшиеся 1 августа, собралось более 40 000 человек. В них приняли участие друзья Харрисона - Рави Шанкар, Боб Дилан, Эрик Клэптон, Леон Рассел, Билли Престон, Ринго Старр и группа Badfinger. Классика экс-битла, исполняемая при активном участии гостей - My Sweet Lord, While My Guitar Gently Weeps, Here Comes The Sun и Something, сменяется шедеврами Дилана Blowin' In The Wind, Mr. Tambourine Man и Just Like A Woman, а также другими известными произведениями, исполненными со страстью и душевной теплотой. В результате концертов было собрано 243 418 долларов США, переданных впоследствии в распоряжение Детского фонда ООН.

CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG

4 WAY STREET Atlantic, 1971

Альбом, считающийся последней грандиозной работой знаменитого американского квартета. Группа Crosby, Stills, Nash & Young распалась примерно за год до выхода этого двойного LP и, слушая его, поклонники коллектива могли лишь горевать о случившемся расколе. Сам же альбом попал на вершину Billboard Top 200 и занял 5-ю строчку чартов Великобритании. Записанный в нью-йоркском Fillmore East, чикагском Auditorium и лос-анджелесском Forum, материал очень грамотно скомпилирован. Он поделен на акустическую часть, которая заканчивается попурри из песен Нила Янга, и электрическую. Наиболее сильное впечатление производит версия песни протеста Ohio в исполнении Янга, посвященная памяти четырех студентов из университета Кента, тремя годами ранее застреленных бойцами национальной гвардии во время демонстрации против Вьетнамской войны. В трек-лист альбома вошли помимо прочих такие классические песни квартета, как Teach Your Children и Long Time Gone, а также расширенная версия Southern Man, в которой Нил Янг прошелся по слепому фанатизму и нетерпимости американского Юга. Эти композиции, как и прежде, производят сильное впечатление, хотя в них порой и слышатся нотки самодовольства отдельных членов группы.

COLOSSEUM

LIVE Bronze, 1971

В группе Colosseum собрались музыканты высочайшего уровня. Уважаемые не только слушателями, но и коллегами-музыкантами, мастера своего дела органист Дэйв Гринслейд, саксофонист Дик Хексталл-Смит, барабанщик Джон Хайзман, басист Макк Кларк и гитарист Клем Клемпсон при поддержке фронтмена на все времена Криса Фэрлоу дают впечатляющее шоу. Данный альбом записан во время тура в поддержку студийника Daughter of Time и содержит треки с двух мартовских концертов - в манчестерском университете и в Брайтоне. "Убийственные" импровизации начинаются с первых блюзово-психоделических треков - Rope Ladder to the Moon Джека Брюса и Walking in the Park Грэма Бонда. Пятнадцатиминутный марафон Skelington сменяется чуть менее продолжительной (но не менее интересной) композицией Tanglewood '63, переходящей в гениальное переложение блюзовой классики от Ти Боун Уолкера Stormy Monday Blues. Все это великолепие завершает грандиозный финал в виде Lost Angeles, представляющей собой квинтэссенцию их совместного композиторского и исполнительского таланта.

RORY GALLAGHER

LIVE! IN EUROPE Buddah, 1972

Высшее коммерческое и чартовое достижение ирландского блюз-рокера Рори Галлахера. Альбом, записанный во время европейского тура и по максимуму отражающий энергетику концертных выступлений гитариста, добрался до 8-го места английского чарта. Что касается Соединенных Штатов, там диск через некоторое время достиг по результатам продаж статуса "золотого". Никто не сможет поспорить с утверждением, что музыкант, как никто другой умеет грамотно аранжировать шотландские народные песенки, ловко трансформируя их в блюз-роковые боевики. I Could've Had Religion, Hoodoo Man и Bullfrog Blues как раз из числа таких вещей. Не забывает Рори и о нетленной блюзовой классике, представляя здесь свое супердрайвовое прочтение Messin' With The Kid Джуниора Уэллса и Pistol Slapper Blues Блайнд Бой Фуллера.

KING CRIMSON

EARTHBOUND Island, 1972

Судя по сопроводительной статье на задней стороне обложки, "музыка была записана "живьем" на кассетный стереомагнитофон Ampex, подключенный к самодельному микшерскому пульту, изготовленному Келси Моррисом... в дождливую погоду в салоне грузовичка марки "фольксваген"". Этим объясняется весьма среднее качество звучания первого официального концертника арт-рокеров King Crimson. Но, тем не менее, слушать его можно и нужно, хотя бы по причине необычного состава музыкантов, включающего басиста Боза Баррелла, будущего музыканта Bad Company, и вездесущего саксофониста Мела Коллинза. Альбом записан во время гастролей группы по штатам Иллинойс, Флорида и Делавэйр. Наряду с фрипповской классикой 21^st Century Shizoid Man и Sailor's Tale, он включает занятные композиции, к которым приложил руку Баррелл - Peoria и Earthbound. А исполнение финального трека Groon знаменательно интереснейшей фразировкой бас-гитары, включающей фанковые грувы.

DEEP PURPLE

MADE IN JAPAN Purple, 1972

Я прихожу в ужас при мысли о том, что данная пластинка, замышлявшаяся как локальный релиз для Японии, могла бы не выйти в других странах мира, включая Англию и США. Музыкальный мир совершенно точно понес бы серьезную потерю. К счастью, этого не произошло, и концертный альбом, по всем параметрам близкий к идеальному, стал доступен мировой музобщественности. Закрепляя успех студийного шедевра Machine Head, группа Deep Purple в рамках мирового тура дала несколько концертов в Японии - в городе Осака и Токио (в знаменитом зале Будокан), с этих выступлений и взяты треки для Made In Japan. Альбом слушается на одном дыхании: начиная с забойной Machine Head, группа берет неслабый разгон, сбавляя скорость лишь на 14-минутной Child In Time. Концертные версии "пурпурной классики" выше всяческих похвал, а 20-минутная версия Space Truckin' - непревзойденный шедевр рок-импровизации. К слову сказать, японцы все же получили свою версию этого альбома, названную Live In Japan, и именно его в идеале я советую прослушать. По причине того, что звучит он намного круче издания для остального мира.

URIAH HEEP

LIVE Bronze, 1973

Пусть вас не смущает аскетическая обложка концертника британцев Uriah Heep, своим траурным цветом напоминающая Back In Black AC/DC. В отличие от монохромности черного конверта, музыка этого двойного альбома ярка, разноцветна и жизнерадостна. Находясь в туре по США, музыканты Heep узнали радостную новость - альбом занял третью строчку национального британского чарта. Этот успех пришел к группе заслуженно, ибо концертные версии ее хитов - Easy Livin', Sweet Lorraine, Sunrise, Gypsy и Look At Yourself просто сбивают с ног! Примечателен альбом еще и наличием одиннадцатиминутной версии баллады на все времена July Morning, и забойным рок-н-ролльным джемом, включающим классические рок-стандарты Roll Over Beethoven, Blue Suede Shoes, Hound Dog, Mean Woman Blues и Whole Lotta Shakin'Goin'On. К слову сказать, гастроли в Америке тоже принесли плоды - к октябрю 1973-го пластинка Live и там по результатам продаж получила "золотой сертификат".

SLADE

ALIVE! Polydor, 1972

В 1972 году английские глэм-рокеры Slade были бесшабашной компанией, с решительностью местных бульдогов прущей ко всемирной славе. И пусть в концертной обойме этих ребят пока не было собственных хитов, их яркие выступления (ассоциирующиеся с не менее яркими прикидами) собирали толпы народа. Выпуск концертника был прямым попаданием в цель - он тут же занял вторую строчку английского хит-парада. А треки, на нем представленные, интересны оригинальным прочтением уже знакомых композиций. Здесь присутствуют весьма занятные кавер-версии Ten Years After (Hear Me Calling), The Lovin' Spoonful (Darling Be Home Soon), Steppenwolf (Born To Be Wild) и Бобби Маршана (Get Down And Get with It). Однозначно, это было время Slade. После альбома Alive последовали хитовые студийники, и концертная обойма группы стала неуклонно пополняться собственными боевиками. Но, несмотря на мощнейший трек-лист, состоящий из убойнейших треков, следующий концертник Slade Alive II (1978) даже не попал в чарты.

GENESIS

LIVE Charisma, 1973

Концертный альбом ведущей арт-рок-группы Genesis стал, как не странно, ее первым серьезным прорывом в хит-парады. Заняв девятую позицию UK Charts, он продержался в списках 10 недель. Это выглядит странным хотя бы потому, что музыкальный материал был весьма непрост для понимания, и уж точно не предназначался для мейнстрим-публики. Возможно, успеху альбома поспособствовали красочные шоу, исполнительское мастерство музыкантов и безоговорочная харизма фронтмена Питера Гэбриеля, одевающегося в немыслимые наряды и прячущего лицо под тоннами грима. Что касается композиций, то здесь вы не найдете трека продолжительностью менее восьми минут. Зато отыщете вещи, ставшие классикой арт-рока и путеводной звездой для групп современного прогрессива - Watcher of the Sky, The Return of the Giant Hogweed, The Knife и (куда ж без нее!) The Musical Box.

ELVIS PRESLEY

ALOHA FROM HAWAII RCA, 1973

После довольно продолжительного перерыва в концертной деятельности Элвис Пресли снова начал выступать перед публикой. И самое крупное его шоу состоялось в январе 1973 года, когда он в течение часа пел на арене Международного центра в Гонолулу. Этот концерт известен и тем, что стал первым подобным мероприятием, транслировавшимся через спутник; таким образом, технический прогресс позволил более чем миллиарду телезрителей по всему миру увидеть выступление Короля Рок-н-ролла и наслаждаться его нетленной классикой - See See Rider, Something, My Way, Blue Suede Shoes, Fever и многими другими величайшими хитами. Ко времени проведения концерта рекорд-лейбл RCA уже получил предварительные заказы на миллион копий заявленного двойного концертного альбома. Вышедший месяц спустя диск Aloha From Hawaii стал первым альбомом Пресли после его пластинки 1964 года Roustabout, возглавившим Billboard Top 200. Кстати, он согнал с первой позиции шедевр Pink Floyd Dark Side Of The Moon.

VAN MORRISON

IT'S TOO LATE TO STOP NOW Warner Bros., 1974

Проведя начало 1970-х годов за записью серии студийных альбомов (Moondance, His Band And Street Choir, Saint Dominic's Preview и Hard Nose The Highway), Вэн Моррисон гастролировал вместе со своим оркестром из десяти человек Caledonia Soul Orchestra. Выступления записывались как в Калифорнии, так и в Лондоне, в итоге завершившись этой великолепной двойной пластинкой, признанной многими авторитетными критиками вершиной карьеры Моррисона. Помимо своих постоянных музыкантов - гитариста Джона Платания, трубача Джека Шроера, барабанщика Дэвида Шоу и клавишника Джеффа Лейбе, Моррисон активно использует здесь струнную секцию. Она добавляет альбому очарования, особенно в песне Here Comes The Night, которая стала совершенно другим произведением по сравнению с оригиналом из альбома Them 1965-го года. Несколько треков являются каверами на песни любимыми Моррисоном соул-певцов - Бобби Бланда, Рэя Чарльза, Сэма Кука и Сонни Бой Уильямсона. Известно, что Моррисон настаивал, чтобы на пластинках был представлен подлинно "живой" материал без студийного наложения звука. По этой причине в альбом не был включен заглавный трек из альбома Moondance, концертная запись которого включала фальшивую ноту.

ERIC CLAPTON

RAINBOW CONCERT RSO, 1973

Этот концерт состоялся в легендарном лондонском Rainbow Theater 13 января 1973-го года. Он был задуман для возвращения к публике Эрика Клэптона, растворившегося в наркотическом тумане после записи в 1971-м альбома Concert For Bangla Desh. Организовано шоу было гитаристом The Who Питером Таунсендом, который пригласил поучаствовать в нем других именитых персон - Ронни Вуда, Рика Греча, Стива Уинвуда и Джима Капальди. Музыканты помогают выздоравливающему товарищу изо всех сил, виновник торжества тоже старается, как может, хотя в начале у него не очень хорошо это получается. Это отлично заметно на исполнении композиций самого Клэптона Badgie, Presence Of The World и Roll Is Over. Ситуация выравнивается в дальнейшем, когда бэнд переключается на кавер-версии; After Midnight Джи Джи Кейла и Little Wing Джимми Хендрикса звучат гораздо более убедительно. На самом деле, в этот день было два шоу - утреннее и вечернее. На современном переиздании Rainbow Concert на CD, посвященному его 25-летнему юбилею можно послушать все вещи с этих шоу в количестве аж 32-х треков!

WISHBONE ASH

LIVE DATES MCA, 1973

Первым концертным релизом рок-группы Wishbone Ash был промо-диск Live From Memphis, вышедший в США в 1972-м году. Не случайно знакомящей заокеанскую аудиторию с творчеством английских хард-рокеров была выбрана концертная запись. Ибо именно на концертах команда представала перед слушателями во всей своей красе. Руководство рекорд-лейбла MCA отлично усвоило эту "фишку", уже на следующий год выпустив первый официальный концертник коллектива. Благо материала накопилось предостаточно - во время американского тура несколько концертов, в частности в университете Ридинга, в Сити-холле Ньюкасла и Гильдхолле Портсмута писались на пленку. Немудрено, что вышедший вскоре концертный альбом получил восторженную критику и отличные продажи - хиты Phoenix и Blowin' Free с главной их студийной работы Argus (1972) в концертном исполнении выше всяких похвал.

ROD STEWART/FACES

COAST TO COAST: OVERTURE AND BEGINNERS Mercury, 1973

Единственный концертный альбом, на котором представлена группа Faces с вокалистом Родом Стюартом. Это запись выступлений, произошедших в октябре 1973-го года в Калифорнии - в Anaheim Convention Center и Hollywood Palladium. Энергетика бэнда и фронтмена запредельная - круговерть боевиков Faces и сольных хитов Стюарта засасывает мгновенно. Судите сами - It's All Over Now, Cut Across Shortly, Stay With Me, Amazing Grace, Every Picture Tells A Story… И это еще не все. На сладкое припасены Angel Джимми Хендрикса и Jealous Guy Джона Леннона! Помимо фронтмена Стюарта, замутившего фирменное буйство, заметно выделяется своими хулиганскими гитарными хуками будущий участник The Rolling Stones Ронни Вуд. А также частенько привлекает к себе внимание неординарной игрой на басу новобранец Faces Тетсу Ямаучи, весьма органично влившийся в состав банды после распада Free.

ZAPPA/MOTHERS

ROXY AND ELSEWHERE DiscReet, 1974

Свежий джазовый ветерок, разгоняющий унылые рок-н-рольные тучи. Кроме того, не просто живой альбом, а настоящий концерт. Материалы пяти разных выступлений The Mothers настолько ловко подогнаны друг к другу, что иллюзия присутствия на представлении, обыкновенном концерте с маленькими аппаратными накладочками в самом начале, вольным балабольством между номерами, шутками-прибаутками там и сям, клоунадой и поклонами в финале - вам обеспечена. Мало этого, предоставлена возможность оценить любимую гастрольную забаву Фрэнка - audience participation time. Отрыв публики под строгим руководством массовика-затейника Заппы. Это касается, прежде всего, хореографических изысков группы "добровольцев" под немыслимые пульсации хитро сыгранной вещички Be-Bop Tango (of the Old Jazzmen's Church).

LOU REED

ROCK 'N' ROLL ANIMAL RCA, 1974

Несмотря на то, что после развала Velvet Underground Лу Рид выпустил три студийных альбома, на первом официальном его концертнике присутствует из них только одна - Lady Day (с предыдущего LP Berlin). Остальной же материал - самые известные вещи Velvet Underground, сыгранные 21 декабря 1973-го года в нью-йоркском зале Howard Stein Academy в новом для музыканта стиле глэм. Весьма занятно лицезреть Рида в нехарактерном для него глэм-прикиде, также как и слушать модифицированную "вельветовскую" классику Sweet Jane, White Light/White Heat, Rock'n'Roll и Heroin. Но смелые эксперименты, как оказалось, дают свои плоды. На обложке следующего студийника Sally Can't Dance Рид предстает перед зрителем в другом имидже - с пергидрольными волосами. А сам альбом неожиданно попадает в Top 10.

RORY GALLAGHER

IRISH TOUR '74 Polydor, 1974

В январе 1974-го ирландский блюз-рокер совершал "домашний" тур, записывая свои выступления на одолженную у музыканта The Faces Ронни Лейна переносную портативную студию. Отличное подтверждение поговорки "дома и станы помогают" - записанные в залах Белфаста, Дублина и Корка треки исполнены с запредельной страстью и я бы даже сказал, с неслабыми нотками патриотизма. В основном это авторский материал, отшлифованный, обкатанный и доведенный до совершенства. Брызжущие адреналином вещи Галлахера Cradle Rock, Tattoo'd Lady, A Million Miles Away и Walk on Hot Coals вызывают в зале настоящую цепную реакцию. А классика блюза I Wonder Who Мадди Уотерса и As the Crow Flies Тони Джо Уайта явно добавляют релизу коммерческой привлекательности. Благодаря которой альбом был продан в количестве двух миллионов копий.

MOUNTAIN

TWIN PEAKS Columbia, 1974

Основанная незаурядными музыкантами - басистом Феликсом Паппаларди и гитаристом-виртуозом Лесли Вестом, нью-йоркская группа Mountain проповедовала тяжелый риффовый блюз-рок. С помощью такой музыки команда легко раскачивала любые аудитории - от клубной до стадионной, демонстрируя мощнейший драйв своего саунда. Поэтому выпуск концертных альбомов был оправдан, и первый из них, Mountain Live: The Road Goes Ever On (1972) вышел после всего лишь трех студийных работ. Через некоторое время появился следующий - Twin Peaks, ставший высшим достижением группы. На нем есть все, что душе угодно - "сносящие крышу" пятиминутные гитарные соло Лесли Веста, угарные варианты классических хитов группы - Mississippi Queen и Silver Paper, получасовой (!) спурт Nantucket Sleighride и рок-н-рольный беспредел Roll Over Beethoven в финале.

Интервью с BLACKMORE'S NIGHT

Tue, 26 Oct 2010 09:55:20 +0400

Статья опубликована в номере 89 журнала Classic Rock

В грядущем году проект Blackmore's Night отметит уже своё 15-летие – да только вот тысячи и тысячи инакомыслящих по-прежнему лелеют надежду, что наиграется однажды Ричи в свои лютни и вернётся назад in rock. Впрочем, с рождением дочки Отэм в мае 2010-го стало очевидно, что отныне пара Блэкмор/Найт всё своё внимание сосредоточит исключительно на будущем. Будущем своего совместного первенца.

Нет, Ричи и теперь не прочь порассуждать порой о прошлом. Да только не о прошлом 30-40-летней давности – ведь любые наши вопросы, имеющие хоть малейший намёк на Rainbow или DP, он опустил, будто их и не было. Речь о куда более далёком прошлом: временах Ренессанса и менестрелей…

Интервью: Павел Потапов

Classic Rock поздравляет Вас с рождением дочери! Кроме того, вы записали новый альбом, который, без сомнения, был вдохновлён данным ярким событием… а было ли сложно работать над записью, и считаете ли вы, что Autumn Sky несёт в себе дух ожидания рождения ребёнка?

Кэндис Найт: Спасибо за поздравления. Мы назвали диск в честь нашей дочки – ведь её тоже зовут Отэм [Осень]. Но мы добавили в названии слово «небо», потому что небеса безбрежны, а мы хотим, чтобы её будущее было безграничным, и чтобы то, на что она будет надеяться, и о чём будет мечтать в будущем, стало ей подвластно. Мы не хотим, чтобы она когда-либо чувствовала себя стеснённой, словно у её мечтаний есть потолок. В общем, мы назвали диск Autumn Sky в честь того, что ждёт её впереди.
Моё положение не мешало мне работать над записью – я бы даже сказала, так было куда интереснее, ведь она сильно меня воодушевляла на некоторых композициях. А порой, когда я пела, она шевелилась внутри меня, или брыкалась, и это давало мне чувство крайней радости. Моя личная маленькая тайна, живущая внутри меня. Это стало довольно поразительным опытом. Самым же сложным было играть с деревянной духовой секцией из девяти человек с шалмеями, раушпфайфами, крумхорнами и прочим в начале Journeyman на моём девятом месяце беременности. Не так уж много дыхания остаётся, когда ты на девятом месяце! Но я справилась.

Будете ли вы брать свою девочку на гастроли?

Ричи Блэкмор: Со временем мы бы хотели, но что касается того турне, в котором мы сейчас, она пока слишком маленькая, чтобы путешествовать с нами на большие расстояния. Её иммунная система не сможет справиться с количеством микробов на заокеанских перелётах. К тому же на гастролях никогда надолго не остаёшься в одном и том же месте. Было бы сложно брать её с собой в возрасте всего трёх месяцев.

В документальных фильмах Blackmore's Night можно увидеть, как на частных домашних вечеринках вы исполняете акустические джемы. Часто ли такое случается или же это было специально устроено для съёмок?

РБ: Мы играем на акустике на каждой нашей вечеринке. Все наши друзья являются к нам домой разодетые в одежды эпохи Ренессанса, мы садимся вокруг кострищ у нас в саду, передаём гитары по кругу, и каждый играет какую-нибудь песню. Так что мы все вносим свой музыкальный вклад. Впрочем, чтобы поиграть, нам не обязательно ждать вечеринок на дому: для этого мы ходим в местные рестораны и винодельни. Мы берём с собой инструменты, когда бы и куда бы мы ни выбирались.

Иногда во время исполнения песни Minstrel Hall на сцене появляется человек, переодетый в какое-то животное. Можете рассказать, кто это и что он обозначает?

РБ: Я слышал, что есть такое существо, но сам его никогда не видел. Одни говорят, что это медведь в овечьей шкуре, другие – что это овца в медвежьей шкуре.

Очевидно, что вы оба очарованы средневековым образом жизни. А если бы вы могли совершить путешествие во времени, уверены ли вы, что смогли бы прожить там без всех благ современной цивилизации?

КН: Меня прельщает образ того периода времени. С внешней точки зрения он кажется мне самым романтичным. Девы, машущие платочками из окон каменных замков вслед своим скачущим вдаль менестрелям, гадая при этом, когда же он вернётся. Костры на склонах холмов, такие ясные звёзды в небе. Никакого тебе внешнего освещения или громкого шума, никаких конфликтов в воздухе или на дорогах; люди по-настоящему говорят друг с другом, а не печатают сообщения. Но только в реальности мне нравятся отопление, водопровод, санитарные условия и кондиционеры в жару. Самое больше преимущество современного бытия заключается в том, что можно выбирать то, что привлекает тебя в предыдущих временных отрезках, и вплетать эти вещи в свою сегодняшнюю жизнь, дабы сделать её для себя более приятной.

Ричи, будь вы молодым гитаристом в наши дни, в каком стиле, как вы думаете, предпочли бы играть?

Будь я сегодня молодым гитаристом, я был бы настолько обескуражен музыкой вокруг себя, что лучше бы занялся резьбой по дереву. Я бы даже не стал играть музыку.

Было бы интересно узнать, ходите ли вы на какие-нибудь музыкальные мероприятия, и какую музыку предпочитаете?

РБ: Лично я предпочитаю небольшие ансамбли и коллективы, исполняющие музыку эпохи средневекового Ренессанса. Я по-прежнему открываю для себя новые живые инструменты.

Ричи, проходила такая молва, что в своё время вы говорили не самые тёплые слова в адрес нашей страны. Изменилось ли ваше отношение после того, как вы уже несколько раз выступили в России с концертами?

РБ: Начнём с того, что я никогда не испытывал негативных эмоций по отношению к России – и я понятия не имею, кто мог такое сказать, или же откуда пошли такие разговоры. Я слышал множество слухов о том, чего я якобы говорил, и все они обычно распространяются бывшими агентами либо недоброжелателями – что по сути одно и то же. Я люблю играть для российской публики. Я люблю их страсть к драме, музыке, глубине, загадке – но я ненавижу торчать в пробке по дороге в московский аэропорт. Мне постоянно приходится останавливать машину, чтобы сходить в туалет, потому что это невероятно долго. Кто-то должен уже построить новую дорогу в аэропорт. Меня сильно умиляют маленькие деревушки, которые находятся за границами больших и важных городов. Лично для меня сердце российского народа составляют простые люди и крестьяне, а не иерархия власти.

Кэндис, вы не новичок на театральной сцене и в кинематографе, и известно, что вы работали над каким-то фильмом ужасов на пару с Джеффом Тейтом из Queensrяche. Не могли бы вы поделиться информацией относительно сценария картины и о том, как далеко продвинулись съёмки?

На самом деле, в связи с тем, что экономика в США сейчас переживает не самые лучшие времена, тот кинопроект временно приостановили. Я в ожидании будущих распоряжений относительно него. Но сама сюжетная линия являлась для меня очень интересной. Это был триллер, однако уходил своими корнями в старинную любовную историю. Я должна была играть роль жены героя Джеффа, на которую вследствие предрассудков средневекового образа мыслей пали осуждающие взгляды. В результате со мной кое-что случается, и по сюжету Джефф вечность тратит на то, чтобы попытаться восстановить наши отношения, и не дать им умереть на протяжении веков.

Ричи, вы уже снимались в кино вместе с группой The Outlaws. А не хотели бы снова попробовать себя в кинематографе – скажем, на сей раз с Blackmore's Night?

Нет, я не актёр. Я ни единого предложения не смогу запомнить, если кто-то попросит меня что-то сказать, поэтому фильм бы получился без диалогов. Но в то же время мне не нравится, как я смотрюсь на экране, поэтому это был бы просто пустой экран. Что могло бы послужить неплохой идеей для некоторых крупных фильмов, которые вышли в последнее время. В наши дни в фильмах слишком много взрывов при недостатке сюжетной линии. Я смотрю фильмы 40-х годов, мне нравится чёрно-белый эффект, и не нравится, когда раскрашивают старые фильмы. Ни вам ругательств, ни взрывов, ни нелепых постельных сцен. Просто хорошая история. Но мы вновь возвращаемся к вопросу о том, что я старомоден. И доволен этим.

Кэндис, некоторые бывшие коллеги Ричи – в том числе и вокалисты – говорили в своих интервью, что порой на репетициях либо в студии он становился настоящим диктатором. Бывает ли такое, что и вы переживаете подобные ощущения, или же вы являетесь исключением из правил, будучи дамой… и женой?

Я думаю, только потому, что Ричи сам на 100% выкладывается при записи, на репетициях, или же на сцене, он ждёт того же и от других. Если ты явился неготовым, если ты не отдаёшь себя сполна, как это делает он, и ты непрофессионально относишься к должности, занимаемой в группе – да, тогда он сердится. Он знает, что несёт ответственность перед публикой, и знает, что когда люди приходят посмотреть концерт, он хочет дать им лучший концерт, который только может. Сегодня, когда все у нас на сцене любят то, что делают, и что играют, мы часто даём представления дольше, чем на 3 часа. И он свободно может сыграть бесподобные соло, вступления, и всё, что он играет, никогда не повторяется дважды. Это изумительно. Но когда видишь, как певец забывает половину слов в песне, или вообще отказывается их учить, или накачивается чем-то, и на завтрашнем концерте не в состоянии петь, из-за чего поклонники не могут услышать какие-то свои любимые песни… можете себе представить, как Ричи может разозлиться. Это никак не связано с тем, что я дама или жена – хотя если ему что-то не нравится, мы обсуждаем это, и говорим начистоту, таким образом всё улаживая. Но только я никогда не стану относиться к нашей музыке непрофессионально. Я слишком люблю то, чем мы занимаемся – это воплощение моих грёз, посему я никогда не принимаю это как должное. К моему глубокому сожалению, многие из тех его коллег, о которых вы упоминали, не пеклись о поклонниках или о музыке. Вы никогда не встретите подобного отношения в этой группе.

INDIE RECORDINGS: ПЯТЬ ЧЕРНЫХ ЛЕТ

Mon, 26 Jul 2010 20:05:22 +0400

Материал опубликован в журнале Metal Hammer 10

Независимый норвежский лейбл Indie Recordings, основанный братьями Эспеном и Эриком Рёне пять лет назад, уже успел набрать определенный вес в мире блэка. Metal Hammer заглянул в эту «адскую кухню», порасспросив о том – о сем делегированного нам лейблом менеджера по экспорту (и по совместительству ударника группы Djerv) Эрленда Гйерде.

Текст: Виктория Демина

Привет, Эрленд. Сколько тебе лет?
Привет! Пока что я оставил позади 31 из своих темных лет, и намерен одолеть еще как минимум 36. Что в итоге – сами посчитайте.

Какие группы тебе нравились в детстве? Когда ты заинтересовался металлом?
Кто - Maiden, Metallica, Edge Of Sanity. Первые три из моих серьезных увлечений, когда мне было 10-11 лет. Я всегда играл в группе, по-моему, уже с 10-ти лет, и до сих пор. Играл в Stonegard (www.myspace.com/stonegard), а сейчас я ударник Djerv (www.myspace.com/djervmusic)

С чего начался твой опыт в музыкальном бизнесе? Как родилась идея основать этот лейбл пять лет назад?
Скажу сразу - лично я не причастен к созданию Indie. Я пришел сюда в 2006, до этого был менеджером Stonegard и агентом, букирующим концерты других групп. Сейчас я управляю лейблом. Главное – всегда уметь правильно распоряжаться временем и финансами. Блэк-метал – не самая масштабная индустрия, и чтобы дела шли гладко, нужно действовать осмотрительно.

Что было самым трудным поначалу?
Не перегружать себя – самая сложная задача, и сейчас тоже. Мы живем и готовы умереть ради этого, и обычно получается, что отдаем работе уйму времени, наши жены и подруги постоянно пилят нас по этому поводу – но так и должно быть, хе-хе. Конечно, хитрая задача – подписывать на лейбл все более громкие имена – но мы думаем, сейчас мы вышли на хороший уровень, так что все получается.

Какие релизы Indie Recordings ты считаешь лучшими и почему? Если говорить о коммерческом успехе – насколько он для вас важен?
Enslaved и Satyricon – лидеры продаж, но у нас есть другие релизы, которые продаются не так хорошо, но лично мне нравятся даже больше. Нужно иметь определенный уровень, чтобы лейбл работал с группой – но, поднявшись выше этой планки, мы работаем с теми, кто нам по-настоящему нравится – вот в чем красота этой работы!

Как вы выбираете, с какими группами работать?
Личный вкус, история продаж и профессионализм команды в различных аспектах ее работы.

Бывают ли разногласия между вами и группами, и как вы их улаживаете?
Да каждый день! Группы вообще не очень хорошо разбираются в деловых вопросах, касающихся их работы, поэтому приходится объяснять им, почему что-то так, а что-то эдак. Но мы справляемся – они великолепны во многих других вещах, поэтому то мы вообще всем этим занимаемся!

Какова политика лейбла в целом?
Конкретных правил нет, но с опытом все лучше получается определять, с кем хочешь работать, а с кем дела иметь не желаешь.

Расскажи о последних релизах и планах лейбла.
Сейчас у нас целая лавина релизов - In Vain, Shining (Норвегия), Borknagar, Ov HELL, Audrey Horne, Keep Of Kalessin и 1349. Выбрать, что из этого больше всего по душе, слишком сложно – так круто, что мы работаем со всеми этими командами сразу! Осенью выйдут диски таких групп, как Sarke, Solefald, DVD Vreid, Carpathian Forest – и не только, так что на подходе масса всего интересного.

Что скажешь о тенденциях в мире металла в последнее время?
Хм, это сложно. Мы не исследуем сцену в целом на предмет тенденций – в металле для этого слишком много групп. Мне кажется, сейчас такое время, когда позволено все, и суб-жанры мирно уживаются друг с другом. Может, это период Гармонии???

У нас есть еще один вопрос, но он для Эспена Рёне. Во время судебного разбирательства в отношении прав на название группы Gorgoroth Эспен выступал свидетелем со стороны Кинга (ov Hell). [В итоге, ранее оформленные басистом Кингом и вокалистом Гаалом права были переданы их оппоненту Инфернусу – гитаристу и основателю группы]. Хотелось бы, чтобы Эспен прояснил свою позицию по этому вопросу.
Эспен говорит: «Без комментариев»...

Ну что ж, тогда остается сказать: Horns Up!
Hails, и наше огромное уважение всем вам, металлеры России! Надеюсь, вам понравятся наши релизы, выпускаемые в вашей стране совместно с лейблом Soyuz!

WWW.INDIEREC.NET

VOLBEAT: МЕТАЛЛИЧЕСКИЙ РОК-Н-РОЛЛ

Mon, 26 Jul 2010 19:43:04 +0400

Материал опубликован в журнале Metal Hammer 10

Датчане VOLBEAT и их элвис-метал уверенно завоевывают мир. Два турне по Штатам за год – весьма недурно. Летом эти ребята отметились практически на всех европейских рок-фестивалях. На пресс-конференции перед выступлением на Sweden Rock они поведали о том, откуда у них берутся силы и вдохновение, и в чем самый большой облом участия в фестивалях.

Текст: Вера Колупаева Фото: Алексей Паин

Весной 2009 года у вас был американский тур вместе с Nightwish. Как он прошел?
Майкл Поулсен (вокал, гитара): Nightwish предложили нам выступать на разогреве во время их американского турне. За последние два года мы получали много подобных предложений от разных групп. Стилистически Nightwish подошли нам лучше всего, как бы странно это не казалось. Музыканты были очень внимательны к нам во всем, в том числе, в том, что касается саундчека. Об этой группе мы можем сказать только хорошее. У нас разная публика, но нам удалось убедить поклонников Nightwish в том, что Volbeat достойная группа. Кажется, Америка готова к Volbeat уже и в качестве хедлайнеров.

У вас свой собственный музыкальный стиль. Некоторые пытаются описать вашу музыку, как Элвис плюс Metallica или Данциг плюс Metallica. А насколько сильно на вас повлияли Misfits?
М.П.: Йон – самый большой фанат Misfits среди нас. Именно он убедил меня послушать последние альбомы, на которых поет Майкл Грейвз. Они отличаются очень хорошим качеством записи и вокал просто великолепен. Я слышал самый первый их альбом – Static Age c Гленном Данцигом. Раньше я не понимал, что делал Гленн, но теперь могу сказать, что это замечательный рок-н-ролльный альбом, в котором чувствуется дух 50-х. Однако, что касается нашей музыки, то на нас больше повлияли именно последние альбомы Misfits.

В песне I Only Wanna Be With You можно услышать, как в некоторых местах вы используете брутальный вокал. Это часть вашего прошлого?
М.П.: Да, в моей первой группе Dominus в самом начале мы играли дэт-метал. Я сам до сих пор слушаю дэт-метал, в основном старые группы. Не могу сказать, что мы никогда не будем использовать гроулинг в песнях Volbeat. Может быть, однажды к какой-нибудь песне и подойдет брутальный вокал, но дело в том, что в Volbeat я хочу создавать что-то новое, а не повторять то, что я уже делал в прошлом.

Есть ли планы сделать кавер-версию какой-нибудь песни Social Distortion?
М.П.: На нашем последнем альбоме Guitar Gangsters & Cadillac Blood есть кавер-версия на песню Making Believe. Это очень старая кантри песня, но впервые я услышал ее именно в исполнении Social Distortion. Я испытываю огромное уважение к Майку Нессу и другим своим кумирам, и именно поэтому считаю, что делать кавер-версии нужно очень осторожно.

На фестивале Metal Town в Гетебурге вы выступаете вместе с Social Distortion.
Собираетесь ли вы посмотреть их концерт?
Томас Бредаль (гитара): Этим летом мы выступаем вместе с Social Distortion на пяти фестивалях. Я думаю, что посмотреть их нам удастся только на Rockslide в Дании. Может быть, мы заглянем к ним на концерт в Осло, у нас будет один свободный день между фестивалями в Финляндии и Норвегии.
М.П.: Во время тура больше всего раздражает то, что мы не можем посмотреть любимые группы. Они всегда играют в другой день. Иногда мы подумываем о том, не бросить ли нам Volbeat, чтобы попасть на концерты своих кумиров.
Йон Ларсен (ударные): Серьезная причина, чтобы уйти из группы!
М.П.: Все потому, что сегодня он хотел посмотреть Twisted Sister, он в восторге от их костюмов!

Во время тура в поддержку альбома Rock The Rebel/Metal The Devil мы слышали несколько песен с альбома Guitar Gangsters & Cadillac Blood, и во время этого тура играете песни, которые должны войти в следующий альбом…
Т.Б.: Почему бы не сыграть новые песни на концерте, если мы уже их отрепетировали? Не такой уж большой секрет, какие песни вы услышите на нашем новом альбоме. Для нас это отличная возможность проверить новый материал и посмотреть на реакцию публики. Всегда здорово представить слушателям что-то новое.
М.П.: На репетициях присутствуем только мы четверо. И мы думаем, что та или эта песня великолепна. Когда мы играем на сцене, мы видим реакцию публики, и часто люди начинают нам подпевать. Даже я не очень помню слова, но кажется, что зрители уже знают их!

Когда вы собираетесь выпустить новый альбом?
М.П.: У нас уже есть название и идея обложки. Мы работаем над новыми песнями во время репетиций. Признаюсь, что материала достаточно уже для двух альбомов. Половину песен мы точно отбросим, так что нам нужно писать новые песни. В начале года мы вновь отправимся в студию.

Вы собираетесь придерживаться старой концепции?
Й.Л.: Конечно. Возможно, мы внесем какие-то новые элементы, но мы не собираемся отходить от звучания Volbeat. Мы останемся такими, какие мы есть.

Чем бы вы стали заниматься, если бы не было Volbeat?
М.П.: У каждого из нас была работа до Volbeat. Последние несколько лет нам хватает на жизнь тех денег, которые мы зарабатываем в группе. Перед тем, как создать Volbeat, я работал учителем, учил детей-инвалидов и помогал им адаптироваться в обычном классе среди нормальных детей. Если я не смогу зарабатывать себе на жизнь музыкой, то я хотел бы вновь вернуться на старую работу. Но надеюсь, что мы будем продолжать играть в Volbeat и записывать альбомы.

Вы выступаете практически каждый день. Откуда берутся силы?
Й.Л.: Мы никогда не устанем от концертов. Знаете, можно устать в течение дня, во время дороги в автобусе или в самолете. Но, как только мы выходим на сцену и видим зрителей, от усталости не остается и следа. Ведь люди пришли посмотреть на наше выступление. И не важно, где мы играем, на фестивале и в клубе. Единственное, от чего мы устали, выступая на многочисленных фестивалях - это от того, что никогда не можем посмотреть любимые группы.
Т.Б.: После каждого выступления мы всегда благодарим публику. Нам было бы очень сложно заниматься музыкой без поддержки поклонников, и, думаю, мы никогда не будем воспринимать фанатов, как что-то само собой разумеющееся.

Riverside High Definition

Mon, 26 Jul 2010 19:05:17 +0400

Материал опубликован в журнале Metal Hammer 10

Прогрессив-метал, буквы, цифры, игры, намёки – поляки Riverside совсем не такие уж и простые ребята, как может показаться. Metal Hammer побеседовал с вокалистом/басистом Мариушем Дудой и гитаристом Петром Грудзиньским перед концертом группы в московском клубе «Точка».

Интервью: Антон Остроухов Фото: Инна Форд

Ваш последний альбом Anno Domini High Definition довольно сильно отличается от предыдущих трёх, и по звуку больше ориентирован на хард-рок, чем на прог. Что послужило причиной этим переменам?
Пётр: Мы только что закончили трилогию и начали новую часть.

Значит, надо ждать новой трилогии?
Мариуш: Надеюсь, нет.
Пётр: Мы просто хотели записать отдельный альбом, и чтобы его можно было выпустить на виниле... Собственно, так мы и сделали.

Длительность ADHD 44 минуты и 44 секунды. Так было задумано?
П: Да, ведь это наш четвёртый альбом.
М: И название этого альбома также состоит из четырёх букв…

У вас постоянно какие-то скрытые намёки в песнях…
П: Ага, например песня 02 Panic Room – третья по счёту на диске. Получается 302. Это номер комнаты из [игры] Silent Hill. Так тоже было задумано.

ADHD – это своего рода трибьют 70-м?
М: Это скорее мост - между прошлым и современностью.
П: После трёх довольно атмосферных пластинок нам захотелось чего-то нового, чего-то «потяжелее».

А у вас есть любимая прогрессивная группа?
П: На самом деле, мы мало слушаем такой музыки. Но сейчас есть много достойных коллективов, таких как Porcupine Tree, Opeth, Pendragon, Arena… не знаю, насколько они прогрессивны, но мне нравится.

Как вы думаете, чем арт-рок отличается от прог-рока?
П: Не знаю, людям, которые в этом разбираются, лучше знать.… Думаю, арт-рок симфоничней, а прог – замороченней. Может арт-рок более слащавый, ностальгический… ну, я так считаю.
М: Думаю, термин «прогрессив» относится к музыке, которая расширяет границы жанров, сочетает в себе странные элементы. Многие группы этим занимаются, например Tool и The Mars Volta. У них свой стиль. С одной стороны они звучат очень свежо, а с другой – как группы 70-х, и всё это очень мило. Тут, наверное, я соглашусь с Петром – арт-рок ориентирован на классику, симфоническую музыку, в то время как прог более открыт самым разным влияниям.

Какими группами вы вдохновлялись при создании ADHD?
М: Я много слушал Led Zeppelin и тех же The Mars Volta.
П: И еще поздние Rush.

Услышим ли мы когда-нибудь Riverside на польском?
М: Ни в коем разе! Был у меня опыт такой, даже несколько лет назад демо записали, но тот рекорд-лейбл загнулся, чему я несказанно рад. Я предпочитаю английский.

Мариуш, ты планируешь гастроли с проектом Indukti?
М: Нет. Это лишь хобби для них, моё участие в этой группе было эпизодическим. Славные ребята, но не более.

Металлическое Сердце Забилось Снова

Mon, 26 Jul 2010 15:25:30 +0400

Материал опубликован в журнале Metal Hammer 10

Участники культового немецкого коллектива Accept уже неоднократно зарекались возвращаться к делам тяжёлым. По самым разным причинам. Но каждый раз «неугомонных и диких» по новой тянуло в бой. Мы связались с гитаристом Вольфом Хоффманном в тот момент, когда Accept в полном комплекте находились в американском городе Нэшвилл, где готовились к предстоящему «пробному» турне…

Интервью: Павел Потапов

Они меняли вокалиста, распадались, снова собирались, меняли барабанщика, опять распадались и опять собирались... чтобы вскоре вновь распасться. И когда поклонники в который раз отчаялись, двое ветеранов Вольф Хоффманн и Петер Балтес явили миру очередное воплощение Accept. Примут ли закоренелые фэны обновлённый состав? Ну, само название группы обязывает!

Говорят, вы сейчас все в репетициях…
Так и есть! Мы вот-вот закончили двухнедельные репетиции, провели фотосессию, и видеосъёмку. В настоящее время мы чрезвычайно активны.

И готовы к гастролям?
Так точно. Как только они начнутся, мы будем во всеоружии. У нас планируется ещё один небольшой цикл репетиций, и всё должно пройти отлично. Двое ребят уже прилетели к нам из Германии, Марк [Торнилло] же здесь с нами. Все вместе мы гоняем старые песни, и они звучат просто поразительно.

Ну и самое главное, что у Accept выходит новый альбом, которого фэны ждали уже почти 15 лет. Что мы можем ждать от нового Accept?
Альбом называется Blood Of Nations, и мы попытались по максимуму связать его с тем, что делали в прошлом. Мы старались ориентироваться на Restless And Wild, Balls To The Wall, Breaker – тот период, который, с нашей точки зрения, стал образцовым для Accept. И специально писали материал в таком ключе, который напоминал бы о тех временах. Мы работали над ним с Энди Снипом – молодым продюсером, который хорошо известен на трэшевой сцене. И к тому же – огромный фанат Accept. Так что он очень сильно помог нам определить стиль для этой пластинки. Мы записали половину альбома в Англии, а половину – здесь, в Нэшвилле. В прошлом году у нас ушло несколько месяцев только на написание песен, мы сочинили много композиций – возможно, 40 или 50. И в итоге записали 14 из них. То есть больше часа музыки – или, я бы даже сказал, более 80 минут. И всё это внушительное количество нового материала имеет для нас необычайную ценность – потому как он напоминает атмосферу старых работ, но при этом обладает современным звучанием. Поскольку Энди, продюсер, использовал все сегодняшние технологии. Получилась ядрёная смесь из новых технологий и металла старой закалки!

Звучит заманчиво! Но есть поклонники, которых смутил факт, что это воссоединение случилось без участия Удо. Почему, по-вашему, Марк Торнилло подошёл на эту роль?
Что ж, конечно, сперва мы все думали про Удо. Вполне очевидно, что мы хотели и дальше выступать с ним. Мы уже давали с Удо ряд концертов в 2005 году, которые прошли крайне хорошо: и фэнам понравилось, и мы отлично чувствовали себя на сцене. Все участники команды были на эмоциях, и хотели продолжения. Мы то и дело спрашивали Удо, получится ли у нас как-нибудь ещё вместе поиграть, но он упорно твердил «нет». И в ходе очередных переговоров по поводу предполагаемого турне, он, в конце концов, отказал нам окончательно. Сказал, что у него на этот счёт больше нет никакого интереса. Мы были очень разочарованы, но в то же время должны были принять тот факт, что у Удо уже почти 25 лет есть своя группа, и он не хочет её бросать. По сути, на тот момент у нас не было ни вокалиста, ни даже кандидатур, с кем бы мы могли продолжить свою деятельность. А потом нам просто повезло – это был один из тех необъяснимых случаев, которые вдруг происходят в жизни – и мы нашли этого парня по имени Марк Торнилло. Как оказалось, он жил практически по соседству с Петером Балтесом. И наш знакомый посоветовал, чтобы мы как-нибудь встретились. Вначале мы просто хотели вместе поджемовать. Потому что, на самом деле, на тот момент мы уже похоронили надежду когда-либо воскресить Accept вновь. Но когда мы познакомились с Марком и немного с ним джеманули, то совершенно спонтанно прямо на месте решили попытать удачи ещё раз. На тот момент мы знали только одно: что должны записать новую пластинку. А дальше уже всё покатилось, как снежный ком. То есть, то решение о реинкарнации Accept родилось из ниоткуда. И довольно странно, что так вообще случилось. Моменты такого рода нельзя специально устроить или заранее запланировать. То, как мы нашли Марка – это чистое везение. И нам в нём нравится, что он может звучать похоже на Удо, но при этом не копирует его. Марк привносит что-то своё. Его вокальный диапазон позволяет ему не только потянуть всё, что делал Удо, но и расширить эти границы.

В истории группы уже был момент, когда вы решили продолжать карьеру без Удо и заменили его Дэвидом Рисом. И, несмотря на то, что получился довольно занятный проект, он просуществовал совсем недолго. Вы не опасаетесь, что и на сей раз может случиться что-то подобное?
Нет, не особо. Потому что тогда всё было совсем по-другому. Когда мы задумали в те годы поработать с Дэвидом Рисом, мы хотели изменить Accept, мы хотели сменить сам стиль. Это было в начале 90-х, когда хэви-метал переживал не самые лучшие времена, и мы все решили, что пора попробовать что-то новое. Мы хотели попробовать себя в более коммерческой музыке, хотели писать другие песни. И только теперь понимаем, что всё пошло не так, как хотелось бы, что мы допустили тогда ошибку, и у нас ничего не получилось. В этот же раз ситуация совершенно иная: мы не пытаемся придумать Accept заново, не пытаемся что-то изменить. А, напротив, стараемся с уважением относиться к своему наследию, и ориентируемся на наших старых фэнов. Никак нельзя сравнивать два этих случая.

Чуть больше года назад Удо в своем интервью ясно дал понять, что не настроен на любое сотрудничество с оригинальными участниками Accept …
По-своему это очень жаль. Но нам остаётся с этим только смириться – что ещё мы можем сделать?

…между вами остались какие-то обиды?
Да нет, вовсе нет. Как я уже и говорил, нам остаётся только смириться с тем фактом, что он на протяжении вот уже 25 лет сам себе хозяин. Вне Accept Удо провёл времени даже больше, чем в сумме был в Accept. Поэтому очевидно, что им движут совсем иные мотивы, нежели нами. Мы считаем, что он взрослый человек и сам принимает решения. И в любом случае их уважаем. Но с другой стороны, мы не хотим теперь всю оставшуюся жизнь сидеть дома – нам тоже хочется что-то поделать. И мне кажется, что мы нашли отличного парня ему на замену. Время покажет, кто был прав. Ну а пока нам остаётся лишь приложить максимум усилий и двигаться вперёд. Вот и всё, что мы можем сделать. Мы лишь хотим оттянуться. У нас нет никакого желания изобретать Accept заново, или пытаться сделать его улучшенную версию. Честно, мы просто хотим поездить с концертами и развеяться.

Но Удо также сказал тогда, что Петер отошёл от музыкального бизнеса и даже как-то связан с церковью. Была ли такая история?
Даже не знаю, о чём он. Петер преподавал в музыкальной школе и писал джинглы для радиостанций. Мы, так или иначе, были связаны с музыкальным бизнесом, просто последние года два мы с Петером не стремились заниматься карьерой музыкантов на профессиональном уровне – вот это правда.

Насколько я понимаю, сегодня Accept скорее американская группа, не так ли?
Ну, я бы даже сказал, что мы – интернациональная группа. Гитарист Герман Франк живёт в Германии, барабанщик Штефан Шварцманн живёт в Швейцарии, я живу в Теннесси, Петер – в Филадельфии. Я бы сказал, что мы повсюду! Мы все – немцы, кроме Марка. Но обитаем по всему земному шару.

А вы помните, как Accept впервые завоевали Америку в 80-х?
Ну да, мы тогда были очень популярны – конечно, я помню! То было волшебно, да только времена меняются. Сейчас вот металл медленно, но верно возвращается. Музыка претерпевает очередные изменения. Ну а Америка по-прежнему остаётся важнейшим музыкальным рынком.

В 1984-м году вы ещё выступали на разогреве у Kiss. Стало ли это положительным опытом для Accept?
Абсолютно верно. Наши первые американские гастроли действительно были на разогреве у Kiss. И это был невероятный опыт, поразительный. Естественно, мы уже были известны в Европе, но ничего подобного ещё не видели. Когда мы приехали в Соединённые Штаты, мы понятия не имели, чего ждать. И вот мы выступаем перед Kiss. Каждый вечер – перед 20 тысячами подростков, на огромных площадках. Это был рок-н-ролл совсем иного измерения. И для нас стало новым опытом видеть такой уровень профессионализма, проведения шоу в целом. Даже сами масштабы были для нас в новинку.

А вы поддерживаете какие-то отношения с Kiss после тех гастролей?
Нет! Kiss всегда были очень замкнутыми, держались особняком. Если честно, даже когда мы с ними вместе гастролировали, мы не особенно общались. Виделись раз или два, здоровались, но в целом Kiss были нелюдимыми. Они не общались и не тусовались ни с кем, так что мы так толком и не познакомились.

Однако вернёмся в наши дни. Если говорить о грядущем турне – и о новом альбоме, разумеется – вы больше ждёте реакции от европейской, или же от американской публики?
Даже не знаю, чего вообще ожидать, откровенно говоря. Остаётся лишь надеяться, что фэны примут нашу новую пластинку и новый состав Accept по всему миру. Мы очень открыты, и не претендуем на что-то особенное. Не преследуем цель доказывать кому-то, что лучше, а что хуже. У нас есть только две цели: давать хорошие концерты, и выдать на-гора максимально мощную пластинку. Всё остальное будет на рассмотрение фэнов. Думаю, всё будет отлично, но, честно говоря, никогда не угадаешь наперёд. Я только верю в то, что это самый сильный наш альбом за долгие годы. И те журналисты, и люди, которым довелось уже его послушать, были со мной единодушны в этом мнении.

Последний вопрос не связан с Accept. Вы записывались совместно с Себастьяном Бахом, бывшим вокалистом Skid Row. Было ли выпущено что-либо из того материала, или всё осталось только в виде демо?
Я записал с ним всего одну песню. А вся история имела место только потому, что студия Майкла Вагенера находилась на моей ферме. Я живу в Теннесси, в Нэшвилле. И у меня была своя ферма с внушительным земельном участком, на котором располагалась студия продюсера Майкла Вагенера. И вот Себастьян Бах как раз записывался в той студии. А поскольку он там меня увидел, то было несложно догадаться, что он попросит меня примкнуть к нему на какой-нибудь песне. Наше сотрудничество ограничилось всего одной вещью с его сольного альбома [Bring 'Em Bach Alive! 1999 года], в которой я выступил автором и сыграл на гитаре. После этого мы остаёмся с Бахом на связи, и он даже как-то попросил меня сыграть с его группой на одном концерте. Но было ясно, что всё это одноразовая акция – исключительно ради удовольствия. Мне нравится Себастьян, он великолепный певец, и было здорово с ним поработать, но у меня нет никаких планов относительно него.

Ну что же, ждём вас в Москве и в Санкт-Петербурге! Между прочим, каким-то месяцем раньше у нас пройдут концерты U.D.O., так что снова получается небольшое состязание между вами. Впрочем, фэны наверняка ждут вашего визита, ведь вы не играли в России долгих 5 лет!
Мы также ждём нашей встречи с русскими фэнами и уверены, что концерты пройдут классно. Давайте же устроим старый-добрый хедбэнгинг!

ДАТЫ РОССИЙСКИХ КОНЦЕРТОВ ACCEPT:
14 мая – Москва, клуб «Б1 Maximum»
15 мая – Санкт-Петербург, ДК им. Ленсовета

PUSHKING DUETS

Fri, 16 Jul 2010 12:30:43 +0400

Статья опубликована в номере 83 журнала ClassicRock

Вот он, один из тех редких в последнее время случаев, когда испытываешь гордость за соотечественника. И вдвойне приятно оттого, что этот человек является рок-музыкантом. Он сумел сделать, казалось бы, невозможное – собрать в своем проекте представителей высшей лиги рока, которые спели и сыграли его песни. Сам он из Питера. Его имя – Константин «Коха» Шустарев. И, похоже, его многолетние творческие изыски с группой Pushking, четырнадцать выпущенных альбомов и немалое количество сыгранных концертов – всё это было не зря. Данный случай – блестящее проявление постулата «если долго мучиться – что-нибудь получится». Нужно только верить в то, что ты делаешь, идти вперед, несмотря ни на что. Костя верил – и добился-таки внушительного результата. Список музыкантов, представленных на его новом альбоме, будто сошедший со страниц справочника «Кто есть кто в современной рок-музыке», вызывает благоговейный трепет.
Слова: Валерий Кучеренко

ПРЕДТЕЧА
Проект «PUSHKING DUETS» имеет долгую и интересную историю. Но, не вдаваясь в исторические подробности, можно совершенно точно утверждать следующее: идеи о совместном исполнении своих композиций возникали у Константина Шустарева со времен дебютной пластинки группы Pushking (V.I.P., 1996). «Зная манеры исполнения, тембровые окраски, мелизмы, подачу и вокальные возможности великих рок-вокалистов, – говорит об этом Костя, – я с легкостью мог представить голоса этих людей применительно к своему материалу. В моих альбомах много посвящений, например, I Love You изначально была исполнена в манере Дэна Маккафферти, ему же была в свое время посвящена My Simple Song (Naz Song). А, скажем, песня The Garden Uundone была исполнена в манере группы Tears For Fears. Таких примеров много, но представить себе, что когда-нибудь я действительно услышу свои песни в исполнении величайших рок-музыкантов современности, я конечно не мог».
Да, нужно обладать немалым воображением, чтобы это представить. Но это, в конце концов, произошло, и, похоже, данный факт мы констатируем не случайно. Можно с уверенностью сказать, что реализация этого проекта – плод многолетних титанических усилий группы Pushking и ее бессменного лидера. «На протяжении всех 15-ти лет существования группы Pushking, – соглашается с этим Константин, – музыканты много и плодотворно работали. Несмотря на то, что отечественный музыкальный рынок нас никогда не жаловал и, мягко говоря, игнорировал, мы все равно писали пластинки, издавали их, играли концерты, снимали видео и пытались (в меру своих возможностей) помогать таким же, как мы „бойцам невидимого фронта“. Результатом нашей работы, в конечном итоге, и стал данный проект, получивший название The World As We Love It».
После записи очередного альбома Pushking I Believe в 2008-м году, летом в гости к Константину в Питер приехали его европейские друзья, они обсуждали новый альбом, а также слушали много неизданного материала группы. «Именно тогда я рассказал о своей давней мечте, – говорит Костя. – Она заключалась в том, чтобы выбрать разные песни со всех пластинок „Пушкинга“ и записать альбом дуэтов с великими вокалистами мира. Я показал ряд песен, которые идеально подходили по мелодике Удо, Хьюзу, Маккафферти и другим известным вокалистам. Это произвело впечатление на моих друзей, и неожиданно они гарантировали мне полную поддержку проекта, как финансовую, так и юридическую. Но всю команду, которая бы реализовала этот проект, я должен был собрать сам, проще говоря, мне дали „отмашку“. С этого момента все и закрутилось».

НАЧАЛО ПУТИ
С музыкальным материалом проблем не было, за лирику взялся старый друг Кости Олег Савилов, ряд текстов был написан поэтом Валерием Комисаровым. В то время музыкант плотно общался с Андреем «Индейцем» Игнащенко, его этот проект очень заинтересовал, тем более он занимался гастролями в России известных рок-исполнителей. Он практически сразу предложил рабочее название проекта – PUSHKING DUETS. Были намечены и первые персоны, с которыми предполагалось выйти на контакт. В числе их значились Гленн Хьюз, Джо Линн Тернер, Удо Диркшнайдер, Дэн Маккафферти, Джон Лотон, по крайней мере, на некоторых из этих ребят у «Индейца» был прямой выход. Инструменталисты изначально не планировались, речь шла исключительно о вокалистах. Но понимание того, что проекту нужен грамотный продюсер, пришло сразу.
«Когда встал вопрос о продюсере, мы рассматривали ряд кандидатур, среди которых были очень известные люди и не совсем, – рассказывает Костя. – В результате долгих раздумий решили остановиться на Фабрицио Гросси. Нельзя сказать, что как продюсер Фабрицио по известности сопоставим с Риком Рубином, но, это бесспорно очень талантливый человек (что он и доказал в процессе работы). Мы решили, что лучше взять человека, который менее известен, но он будет биться за проект „на смерть“. С этого все и началось, к сожалению, через определенное время (а именно, после записи Хьюза и Удо), „Индеец“ по семейным обстоятельствам больше не смог продолжать работу, и мы расстались. Несомненно, вся наша команда благодарна ему за участие и хороший толчок в правильном направлении, который он дал „кораблю“ под названием The World Аs We Love It».
Лично я долгое время общаюсь с Костей, слежу за его творчеством. По моему глубокому убеждению, катализатором данного проекта было совместное выступление группы Pushking с лидером Nazareth Дэном Маккафферти. Но я был не совсем прав. «На сегодняшний день, когда записаны все исполнители, я бы не стал говорить о том, что дуэт с Маккафферти являлся „катализатором“ проекта, – говорит об этом Константин. – Но признаю, что от работы с Дэном определенную эйфорию я испытал еще в 2004-м году, когда мы в очередной раз „разогревали“ Nazareth в ДС „Юбилейный“. У Дэна был день рождения, и мы в конце своего выступления спели ему всем стадионом Happy Birthday, после этого я пригласил его на сцену, и мы вместе исполнили мою песню I Love You. Народ был в шоке, никто этого не ожидал, Дэн пел текст с листа. Все это было снято на видео, в результате появился видеоклип.
Через четыре года, в 2008-м году, Дэн прекрасно исполнил две песни в данном проекте. Специально для этого он прилетел в Лондон на City Studio 20 сентября. Константин решил реализовать композицию I Love You в более роковой манере, с детским хором в припевах, к тому же Дэн спел с ним все „бриджи“ в интервал (чего не было в концертной версии), вторым треком для проекта стала My Simple Song».
«Когда я получил вокальные треки Дэна, я был в шоке от того, насколько высоко он спел, – делится Костя своими впечатлениями. – Грешным делом я сначала подумал, что тут не обошлось без легкого „тьюна“, но звукорежиссер, записывавший Дэна, развеял мои подозрения. В свое время мы на тон опустили I Love You Дэну для удобства, но тут он был просто на высоте. Его голос тембрально в этих песнях звучит, как на альбоме Nazareth Malice In Wonderland, об этом можно было только мечтать! Я изначально хотел, чтобы песня My Simple Song по мелодике и вокалу напоминала „старый добрый“ Nazareth, и, по-моему, нам это удалось».

ПЕРВЫЙ БЛИН НЕ КОМОМ
Проект был запущен, все завертелось по полной. Песни для проекта отбирались по мере появления участников, ведь в начале пути отец-вдохновитель этого даже представить себе не мог, что соберет такую компанию. Естественно, материал подбирался конкретно каждому участнику, по его индивидуальным вокальным и тембральным особенностям. Например, в материале, который спел Гленн Хьюз, он, с его слов, «чувствовал себя как рыба в воде», и «был приятно удивлен, насколько точно для него подобраны песни».
Итак, первым человеком начавшим проект, был Хьюз, и в этом заслуга «Индейца». Песни Гленну очень понравились, и он их записал 23-го апреля 2008-го года на студии Мэта Филиппини в Италии, это были Why Don’t You? и Private Own (кстати, позже, Мэт записал гитарные партии в этой песне). Интересна история, связанная с Private Own. Эта песня была с нашей русскоязычной пластинки «Дорогая», она называлась «Циркач», – рассказывает Костя, – мы записали эту пластинку в 2003 году, а на бас-гитаре тогда сыграл молодой бас-гитарист Костя Кокорин, мы песню Хьюзу и посвятили тогда. К сожалению, этот талантливейший музыкант, Костя Кокорин, позже скоропостижно скончался в возрасте 30-ти лет. Так вот, он был большим фанатом Хьюза, в память о нем в Private Own я наложил басовый трек в исполнении Кости 2003 года. И так получилось, что при жизни сыграть с Хьюзом ему не довелось, но на записи он живет и делает это».
Проект стал принимать реальные очертания, начали материализовываться первые записи.
«Когда мне прислали первый трек в исполнении Хьюза Why Don’t You?, у меня при прослушивании слезы потекли! – вспоминает Костя. – Фабрицио мне тогда написал, что Гленн пел, как Ангел… И я это реально почувствовал. Конечно, когда я услышал, как великий Хьюз спел, я был растроган, от переизбытка нахлынувших чувств я позвонил Саше Монину из „Круиза“ и по телефону поставил ему трек. Санька тоже „накрыло“ не шутейно, было очевидно, что „первый блин“ у нас не комом, и мы стоим на правильном пути».
До того, пока Костя не начал получать первые треки, продюсер Фабрицио Гросси настаивал на том, что он должен петь больше на пластинке, мотивируя тем, что это все-таки PUSHKING DUETS. Вокалист и сам планировал так поступить. Но… «Когда я услышал Хьюза, я уже знал, что мешать этим ребятам не буду, – признался Костя. – Ну, на кой хрен спрашивается. Собраны вокалисты, каждый из которых – личность, с такой подачей и тембрами, что просто не хочется мешать людям. Поэтому, к каждому треку у меня был подход персональный, где-то я пел только все бэки, где-то бэки и „бриджи“ с припевами, где-то только бэки и припевы, а где-то всю песню. Тем самым, особо не выпячиваясь, получилась хорошая и плотная вокальная палитра».

ВЫСТАВКА ДОСТИЖЕНИЙ ВОКАЛЬНОГО ХОЗЯЙСТВА
По мере записи следующих треков, Костя получал все больше и больше позитива. «Я радовался как ребенок, когда получил трек от Элиса Купера, – вспоминает он. – Элис спел Trouble Love именно так, как я себе это и представлял. Надо отдать ему должное, он ВЕЛИКИЙ человек и при этом очень простой и контактный. Он записал песню на студии в Германии, где находился в рамках своего мирового тура, в один из своих редких выходных между концертами и он поехал на студию со своим гитаристом Кери Келли, там они и сотворили маленькое чудо. Он прекрасно исполнил песню, в манере своей поздней классики – Hey Stupid и Poison».
«Очень порадовал Грэм Боннетт, – говорит Константин о следующем участнике. – Это вообще „убийственный“ вокалист, я люблю все проекты, в которых ему довелось поработать, но самые любимые его работы для меня, это, несомненно, в Rainbow и сильнейшая пластинка MSG 82-го года Assault Attack, ее я считаю лучшей его работой в вокальном плане. Когда я подбирал песню для Грэма, то очень хотел, чтобы по настроению и мелодике она была не „забойной“, как в период его работы с Alcatrazz, а именно веселой и очень позитивной, как во времена его сотрудничества с Rainbow. God MadeUs Free как раз и явилась той песней, которую Грэм исполнил очень проникновенно и мощно».
Что касается экс-вокалиста Uriah Heep Джона Лотона, это вообще отдельная история. Песню, которая ему была предложена, в 2005 году совместно в Костей записал замечательный вокалист Келли Килинг. Он в свое время написал текст под названием Soldier Song, в этом виде песня вошла в новейший на то время альбом Pushking No Comment. «Мне не совсем тогда понравилось, как Келли изменил мелодию в куплете, – признается Костя. – Старая мелодия мне нравилась больше, именно так, как я ее придумал сразу. Я отправил две версии песни Фабрицио, чтобы проверить, какую версию выберет он и он тоже выбрал мой первый демо-вариант сказав, что мелодия ему нравится больше. Олег Савилов написал хороший текст под названием Blessing Traveler, и Джон Лотон исполнил эту песню именно так, как она была придумана изначально. Благодаря исключительному тембру голоса Джона, в песне есть настроение тех времен Uriah Heep, когда он там блистал, и бэки в припевах я спел специально в их манере. А на гитаре в этом треке безукоризненно сыграл гитарист Билли Айдола Стив Стивенс».
«В общем, так получилось, что в проекте нет ни одной случайной песни, – удовлетворенно констатирует Костя. – Все продуманно и согласованно с исполнителями, ведь изначально всем рассылался исходный материал, и никто не просил поменять песню, наш выбор во всех случаях оказывался правильным».
Естественно, не обошлось и без трудностей. «Был момент, когда нам пришлось понервничать, ожидая Пола Стэнли, – говорит Костя. – В оговоренную заранее дату он спеть не смог по причине того, что его жена лежала в роддоме и уже вот-вот должна была родить. Пол был на нервах и ни о чем другом думать не мог, мы ждали, развязки, она благополучно наступила, и 18 февраля 2009-го года запись состоялась. Конечно, это большая ответственность, когда у тебя на альбоме поёт такой „монстр“, как Пол Стэнли, ему был предложен ряд песен, и он выбрал именно Cut The Wire, песню не претиндующюю на хит, но в тоже время очень мощную, по-американски мелодичную и драйвовую. Гитарные партии здесь отлично исполнил Стив Салас.»
Были определенные трудности, когда пришлось ждать разрешения от компании «Sony» по поводу участия Билли Гиббонса, в связи с тем, что Билли был заявлен на съемки в видеоклипе в песне It’ll Be O.K. «Нам пришлось отправлять Sony сценарий ролика, скрупулезно прописывая сцены с участием мэтра, – вспоминает Костя. – Слава Богу, благодаря помощи юристов Билли и юристов компании Sony, ответ был положительным, не зря мы столько ждали. Билли сыграл на гитаре своим фирменным „ZZTop“овским звуком, а также спел в песне Nightrider, позже он спел и снялся в видео на песню It’ll be O.K..
Кстати, Пола Стэнли, Билли Гиббонса, Элиса Купера, всех этих „мегалюдей“ мы получили благодаря помощи Гейба Рида, который работает с группой Kiss. Гейб предупредил нас сразу, что если кому-то из этих людей не понравится материал, то, все дальнейшие переговоры бессмысленны. Но, песни понравились и Гейб прекрасно провёл переговоры, доведя дело до конца, огромное ему за это спасибо!
На мой вопрос, какой дуэт Костя считает наиболее удачным с точки зрения реализации, он затруднился ответить. Для него вся работа без исключения явилась одной грандиозной удачей. „Все дуэты, на мой взгляд, сделаны на 100% – делится музыкант своими впечатлениями. – Вообще, работа над всем проектом для меня является пиком эмоционального подъема, все полтора года. Каждый трек – это как разрыв бомбы. Я – музыкант и могу сразу почувствовать, насколько серьезно все участники подошли к работе над песнями. Ведь это моя музыка и именно так, как я себе представлял каждого в той или иной песне, так и получилось, даже сверх того. Если люди такого уровня ставят свою фамилию у тебя на пластинке, они отвечают за качество и самый высокий уровень исполнения, каждая фамилия – это своего рода мировой бренд“».
«Никому не пришлось подстраивать свою манеру под меня, зачем? каждый пел так, как он чувствует эту музыку, – развивает свою мысль Костя. – Каждый из вокалистов – это ярчайшая индивидуальность. Конечно, очень важен подбор материала, например, Хьюз может петь решительно все. И это в его исполнении будет звучать очень здорово, но, если песня под него на 100%, то она будет звучать просто идеально и не почувствовать этого будет нельзя. Я думаю, что в нашем случае, каждому исполнителю песня была подобрана правильно. Если говорить о конечном результате, то в нашей ситуации „пазл сложился“. Понятно, что всех великих вокалистов все равно на одну пластинку не поместишь, их очень много, иных уж нет, но за тех, которые спели у нас, я благодарен Богу, и моим друзьям».

НЕ ВОКАЛОМ ЕДИНЫМ
Со временем у Константина появилась идея привлекать в проект и гостевых именитых инструменталистов. И они появились, отлично вписавшись в проект и профессионально сделав свою работу. «С инструменталистами все получилось совершенно спонтанно, – рассказывает Костя. – Мы записывали Кукарачу, и я предложил подтянуть в эту песню Стива Люкатера, зная, что они с Фабом очень дружны и часто вместе работают. Это гитарист группы Toto; конечно, Кукарача, не совсем та песня по стилистике, в которой работает Стив, но в этом весь кайф! По большому счету, Люкатер моет играть любую музыку, он послушал трек и неожиданно дал согласие, 8 октября 2008 года он все записал, своим фирменным, мьюзикмэновским, гитарным звуком».
Потом, Элис Купер сам предложил, чтобы в треке, который он будет исполнять, на гитаре сыграл его гитарист Кери Келли. «Ну, как от этого можно отказаться, сам посуди! – восклицает Костя. – Вот так и пошло-поехало. У меня не было целью, чтобы в каждом треке играл кто-нибудь из великих гитаристов, все получалось само собой, мы делали предложения людям и они соглашались. Стив Стивенс, Салас, Филиппини, Нуно Бетенкурт, Кери Келли, Стив Люкатер, согласитесь, список впечатляющий! Со Стивом Ваем мы конкретно планировали сделать дуэт, гитара и вокал, и нам к счастью это удалось».
Интересно появление в проекте Джо Бонамассы. Дело в том, что в свое время песню Tonight Костя посвятил Гари Муру и предложил этому музыканту записать гитарные партии к этой песне. Но в виду своей занятости Мур отказал (он как раз заканчивал свой новый альбом), и Косте пришла в голову мысль пригласить не менее гениального Бонамассу. Фабрицио связался с ним, и Джо попросил прислать трек. Ему очень понравилась песня, и он согласился поучаствовать, но записать свои партии пообещал по окончании мирового тура. «К тому времени я уже спел свои вокальные треки, – вспоминает Костя. – С этой песней как раз и произошел забавный случай. Бонамасса с Фабом ехали на студию записывать трек и в очередной раз слушали эту песню в машине. Джо и говорит Фабу: „Слушай Фабрицио, смотри, какой у Гленна в голосе низ появился, этакий "бархатный" баритон…“, а Фаб ему: „Это не Гленн, это парниша из далекой России, Кохой звать, вот он собственно эту песню и написал“. После этого случая, мы пригласили в эту песню Хьюза, он должен был спеть „бриджи“ и обпевания, которые изначально были написаны в его манере, сделал он это просто волшебно, а Джо сказал: „Я не буду мешать вокалу, а постараюсь обыгрывать его“, в результате, он все сделал так, как надо, красиво и со вкусом».
Если говорить о тех музыкантах, кто был запланирован и не смог участвовать, таких тоже было немало. «Конечно, многие не смогли участвовать из-за занятости, туров, студийной работы и тому подобных вещей, – говорит Костя, – но, тем не менее, мы благодарны всем людям, которые, так или иначе, уделили внимание нашему проекту».
Не испытывая проблем с подбором материала для исполнителей, одного человека Косте все же тяжело было себе представить в той песне, которая ему была предложена. Это был Стив Вай, гитарный Бог, музыкант, который запросто может исполнять любую музыку.
«Я понимал, что можно ему предложить любую из наших темповых вещей, но нужна была „изюминка“, что-то необычное, и мне в голову пришла мысль предложить ему My Reflections After Seeing The „Shindler’s List“ Movie. Песня лирическая, припев поется на иврите, текст Валера Комиссаров написал еще в 2000 году».
Вай послушал первую версию песни и попросил прислать ему готовый трек с вокалом, а также лирику отдельно. Косте трудно было себе представить, как тот сыграет. По большому счету, великий гитарист мог просто наиграть десять, двадцать вариантов песни «насквозь» и предоставить право окончательного выбора ему, но… Сначала Вай написал, что его реально «зацепила» мелодия песни, и ему нужно подумать, он взял неделю. Через неделю Фабрицио приехал к нему на студию в Лос-Анджелесе, и они начали запись. Вай много играл, и в конце смены сказал, что ему еще надо подумать, таким образом, все перенеслось еще на неделю. Через две недели была записана песня.
«Перед тем, как отсылать мне готовый трек, Фабрицио позвонил и сказал, что это шедевр. Когда я получил трек и послушал его, я был потрясен. То, что я услышал (исполнение и мысли ГЕНИЯ, коим является Стив Вай), меня просто ошеломило, особенно то решение, которое он использовал в исполнении соло. По его игре чувствовалось, что он очень серьезно проработал текст песни и очень точно передал гитарными партиями всю боль и чувства, заложенные в песне. Вообще, подход Стива к записи песни, его серьезное отношение, в первую очередь показало то, что чем известнее музыкант, тем больше у него ответственность за то, что он делает (у нас в России, к сожалению не всегда так). Я надеюсь на то, что люди, которые будут слушать это, все поймут сами».

РАБОЧИЙ ПРОЦЕСС
Вся работа проходила под руководством опытного продюсера Фабрицио Гросси. «Как я уже говорил, кандидатуру Фабрицио предложил „Индеец“, – говорит Костя. – Мы много общались в „Скайпе“, предварительно я собрал всю информацию о нем, его солидный послужной список есть в Интернете. Помимо его продюсерской деятельности, он еще и виртуозный бас-гитарист, часто работает с Люкатером и другими выдающимися музыкантами. Вообще, о Фабрицио можно говорить много, человек он контактный, в общении приветлив, юморной, очень энергичный.».
В проекте Фабрицио Гросси выполнял функции музыкального продюсера, то есть человека, который отвечает за саунд – он пишет, делает микс и так далее. «У нас никогда не было с ним каких-то дискуссий, – с удовлетворением констатирует Костя. – Мы совершенно одинаково смотрим на музыку, поэтому работа велась очень плодотворно, он прислушивался к моим пожеланиям, я к его, и это было искренне. Надо отметить, что все треки, которые я ему отправлял для того или иного исполнителя, он принимал безоговорочно, считая, что выбор сделан точно и правильно. Он сразу дал высокую оценку исполнительскому мастерству музыкантов группы Pushking, и мы изначально разговаривали на равных. При всем своем статусе, Фабрицио человек не страдающий „звездной болезнью“ (кстати, это касается практически всех участников проекта), как оказалось, в наших музыкальных мирах много общего, особенно в наличии огромного количества бездарей, жополизов и халявщиков».
За все полтора года работы не было замечено никаких серьезных сбоев, была налажена четкая рабочая схема. Все инструментальные треки писались в Питере, дальше вся сессия отправлялась в Лос-Анджелес, там дописывались сессионные музыканты, Константин высказывал свои пожелания и необходимость звучания тех или иных инструментов в определенных песнях, таких как стил-гитара, добро, Hammond и прочее. Каждая песня методично прорабатывалась. Фабрицио подбирал музыкантов и записывал их. В дальнейшем, многих участников тоже пригласил продюсер. Костя высказывал свои пожелания, кого бы хотелось видеть в проекте, а он связывался с этими людьми и вел переговоры.
Название проекта The World As We Love It предложил именно Гросси. «Мир, как мы его любим, – говорил он, – это именно тот наш рок-н-ролльный мир, объединяющий всех людей, которые могут творить, писать и исполнять музыку, доставляя тем самым радость и удовольствие многим людям на нашей земле».
«Вокал записывался по мере возможностей, как я уже говорил, – рассказывает Костя. – Элис Купер писал в туре, в Германии; Джефф Скотт Сото, тоже в туре, но в Нью-Йорке; Гленн Хьюз половину песен на студии в Италии, а половину в Лос-Анджелесе; Удо в Германии, Дэн Маккафферти и Джон Лотон в Лондоне; Пол Стэнли, Билли Гиббонс, Эрик Мартин, Грэм Боннетт в Лос-Анджелесе; Джо Линн Тёрнер в Сан-Диего; Йорн Ландэ в Норвегии.
Весь свой вокал в основном я писал в Питере на студии „Добролёт“ (звукорежиссер Андрей Лобанов), с этой студией меня связывает давнишняя дружба, там хорошая, творческая атмосфера, и работать было очень комфортно. Часть треков записывал в Москве, на студии моего старого приятеля Васи Богатырёва».
Вокальные треки записывались и отправлялись в Лос-Анджелес Фабрицио Гросси, там делались миксы и отправлялось обратно Константину, он их отслушивал и, высказывая свои пожелания, скрупулезно расписывал то, что хотел бы слышать в финальной версии. «Таким образом, оттачивалась каждая песня, – говорит Костя, – за эти полтора года пришлось практически „поселиться“ в Скайпе».
Работа растянулась на полтора года, началась она в первой половине апреля 2008 года, а последний исполнитель записался 12 декабря 2009-го. «Честно говоря, для такого проекта, это не большой срок, – размышляет Костя. – Ну, судите сами, собрать двадцать одного исполнителя, и это при том, что у каждого гастроли, концерты, съемки и просто личная жизнь. Мы надеялись уложиться за год и выпустить альбом в 2009 году, но немного не угадали. Конечно, был намечен график, один общий, а другой более конкретный, в принципе, все прошло без сбоев, и практически все, что намечалось, было сделано».
Рабочее название пластинки не зря было Pushking Duets, это говорит о том, что музыканты группы Pushking играют свою музыку и основные партии: барабаны, бас, подкладочные гитары, акустические гитары, клавишные. «Конечно, не обошлось без приглашенных музыкантов, у нас в каждой пластинке есть сессионные музыканты, это нормально, – представляет Костя многочисленных гостевых музыкантов. – Есть песни, где на органе и пианино выступил Эрик Рагно, в некоторых песнях на добро сыграл легендарный Эл Перкинс, в некоторых песнях свое мастерство владения стил-гитарой показал Тони Паолетта, в песне Nightrider отметилась наша духовая секция: это Костя Колешонок, Антон Вишняков и Илья Сергеенко. Рояльную партию в песне That’s All That Love Can Do исполнил Евгений Олешев, Андрей Лобанов сделал классные оркестровые аранжировки в My Simple Song, That’s All That Love Can Do и Open Letter To God, красивые гитарные партии в песне Heroin исполнил Алекс Де Россо. В песне Open Letter To God на бас-гитаре сыграл Фабрицио Гросси. В барабанных аранжировках помогал Энтони Мора. Я очень благодарен всем, особенно своим музыкантам. Они хорошо справились со своей задачей, это, несомненно, самый главный труд нашего творческого пути. Я думаю, что весь тот опыт и мастерство, которое мы приобрели за последние 20 лет, реализовался в этой работе».

ПОДГОТОВКА К РЕЛИЗУ
Уже близится тот день, когда конечный результат титанического труда в виде альбома будет доступен слушателю. В данное время идет работа по его позиционированию и продвижению. Одним из таких событий были съемки рекламного видео.
«Идея о съемке видео пришла тоже спонтанно, конечно, глупо бы было не сделать видео на одну из песен, – говорит Костя. – Я озвучил идею о ролике своим друзьям, и они пришли к выводу, что это очень разумно, таким образом, было принято положительное решение о съемках. Была выбрана песня It’ll Be O.K., и мы решили именно на нее снимать ролик. Режиссером стал Дэйвин Маске, это старый приятель Фабрицио Гросси, большой профессионал. Первым в песне записался супергитарист Нуно Беттенкурт из Extreme, он придумал гитарные партии и исполнил потрясающее соло. Таким образом, 8 мая 2009 года в Лос-Анджелесе состоялась съемка Нуно».
По сценарию, музыканты изначально снимаются в разных странах, но, открывая двери, попадают друг к другу. И вот наступила очередь россиян. 24 мая в Питер прилетел Фабрицио и Дэйвин, съемки решили проводить на открытом воздухе и выбрали отличное место – форт который находится за городом, по дороге в Кронштадт. «Этот форт в данный момент находится во владении моих старых и добрых друзей, – констатирует Костя, – байкерского клуба Werewolf MC, они без проблем предоставили нам это место для съемок, за что им огромное спасибо.
25-го мы начали съемку, оператором был Юрий Давыдов, профессионал высокого класса, Дэйвин был просто потрясен работой Юрия. Во-первых, Юра без проблем говорит по-английски и тем самым никаких проблем с общением не было, во-вторых, как сказал Дэйвин: „…я только подумаю, как надо сделать, а Юрий уже это делает“. В результате, мы отсняли все вовремя и качественно, „зацепив“ тем самым хорошую, солнечную погоду, успев до дождя».
Отсняв на природе Pushking, съмочная группа переместилась в город, в Гранд-отель Europe, там снимали только вокалиста. «Меня распирала гордость за наших ребят, – вспоминает Костя, – оператор, постановщики, техники, световики, практически все разговаривали по-английски и очень быстро и качественно исполняли свою работу. Иногда, у меня складывалось такое ощущение, что я нахожусь не в России, а на съемках за рубежом. Мне приятно было слышать слова благодарности от Дэйвина и Фабрицио, за то, что у нас такие специалисты, Дэйвин сказал сразу, что в Америке услуги съемочной команды такого уровня, стоит очень немалых денег. Приятно, черт побери, за своих!».
30го января 2010 года в Лос-Анджелесе прошли съёмки Билли Гиббонса.
Альбом планируется к выпуску на Западе по обычной схеме: Америка, Европа, Азия; переговоры уже ведутся. «Что касается наших, отечественных лейблов, сами мы специально никуда не обращались, – сказал Костя, – мне кажется, что в связи с мировым кризисом дела у всех не ахти, хотелось бы верить в то, что все измениться к лучшему.

ЗАКЛЮЧИТЕЛЬНЫЕ СЛОВА
Мне очень приятно, что проект удался. А также я рад тому, что за долгие годы борьбы с низкопробной халтурой Костя не потерял боевого запала и не впал в пессимизм. Но на вопрос по поводу дальнейшей судьбы проекта, он ответил довольно осторожно. «Это сложный вопрос, – сказал Костя, – думать можно все что угодно, и только время покажет, что по настоящему ждет этот проект. Я не питаю никаких иллюзий по поводу этой работы, конечно будет много ,как негативных отзывов так и позитивных, по другому просто не бывает. В любом случае, мы всё сделали искренне, честно и с большой любовью». И, похоже, вера в лучшие времена по-прежнему с ним. «Мне очень хочется верить в то, – продолжает музыкант, – что молодые ребята через наш проект откроют для себя тех великих исполнителей, которые нам удалось собрать . У каждого из этих людей есть что послушать. Может быть благодаря этому, у многих сформируется хороший, правильный музыкальный вкус. Ну и самое главное, нет ничего невозможного, надо стремиться к тому, во что веришь и о чем мечтаешь, делая свое дело честно».
Итак, проделана гигантская работа. Закончен еще один творческий цикл, и, естественно, пора дать ему оценку, подвести его итоги. Что и пытается сделать Константин: «Подводя итог под первым этапом нашей работы, хочу сказать одно – дорогие мои, все, что мы делаем, мы делаем для того, чтобы поднять престиж нашей рок-музыки в мире. Чтобы о наших рок-группах по настоящему заговорили на Западе и мы, наконец-то стали конкурентоспособными. Чтобы на пресс-конференциях мы перестали краснеть, спрашивая у заезжих звезд, „а знают или слышали они кого-нибудь из русских рок-музыкантов“. Чтобы эта работа вдохновляла тех музыкантов, которые устали биться и разуверились в том, что рано или поздно все изменится в отечественном роке в лучшую сторону.
Я глубоко убежден, рано или поздно на мировой рок-рынок придет много талантливых групп из России, и еще не один „Грэмми“ отправится в нашу страну.
Так уж повелось, что своих, как говорится, не любят, и от этого у нас страдает большое количество хороших музыкантов и групп, ведь у нас есть Sixth Sense, Парк Горького, Dirty Dog, Great Sorrow, Offroad и еще огромное количество классных музыкантов, но, нет должного внимания со стороны СМИ, никакой поддержки от радиостанций и телевидения. Это еще полбеды: сами же музыканты, совсем не уважают своих собратьев, выливая кучу грязи друг на друга в инете и в своих интервью…
Все мы любим рок-музыку, все мы делаем одно дело, всех нас одинаково раздражает низкосортная попса, нас одинаково не показывают по телеку и не крутят на радио, и миллионными тиражами наши пластинки не расходятся… Так давайте просто друг друга уважать и поддерживать – ведь нас объединяет рок-музыка! Меньше злости и зависти, больше позитива и любви. Храни Вас Господь!»

«Нет дыма без огня… Голос Кохи пропитан виски, наполнен откровенностью и эмоциональным огнём, мне нравится думать о том, что я добавил в дуэт душевного дыма. Я открыл что-то абсолютно новое для себя, когда меня попросили принять участие в пластинке Pushking Duets и спеть вместе с достойным сыном России»
Эрик Мартин (Mr. BIG), май 2009

«У Pushking есть дар чувствовать современную и классическую музыку, плюс вокал, реально исходящий из глубины души»
Стив Вай, май 2009

«У группы невероятное классическое чувство рок-музыки и огромный роковый драйв, достойный самого широкого внимания, а также большой авторский талант»
Билли Гиббонс (ZZ Top), декабрь 2009

«Русская группа, работающая с серьёзными музыкантами с мировым именем, уже вызывает серьёзное уважение. Этот проект - выдающаяся идея, и я очень горд тем, что Элис и я имели честь быть вовлечёнными в данный проект с песней Trouble Love. Я был приятно удивлён, когда услышал демо-запись песни, и жду с нетерпением, когда у меня в руках будет весь CD. С той позиции, как я воспринимаю рок-н-ролл, Pushking – это УБИЙСТВЕННО!»
Керри Келлинг (гитарист Alice Cooper), декабрь 2009

«2009 год был во многом очень интересным для меня. Прежде всего, я спел на новой пластинке группы Pushking: это было нечто особенное! Спеть на пластинке не только с выдающимися русскими музыкантами, но и в компании величайших имён в рок-музыке – Элисом Купером, Билли Гиббонсом, Гленном Хьюзом... Столько поистине великих имён собрано в проекте! Надеюсь, мы сыграем концерт вместе!»
Джон Лотон, декабрь 2009

«У пластинки Pushking Duets замечательный потенциал! Реально великая музыка! Я очень жду появления диска! Для меня большая честь быть в одной лодке с такими замечательными участниками!»
Джо Линн Тёрнер, май 2009

КАК УЧАСТНИКИ И ПРОДЮСЕР ОЦЕНИВАЮТ ПРОЕКТ:
Фабрицио Гросси (продюсер):
«Когда меня попросили спродюсировать THE WORLD AS WE LOVE IT, я даже представления не имел о российской рок-сцене. Несколько лет назад, со своей старой группой в Нью-Йорке, мы несколько раз делили сцену с “Парком Горького”, пожалуй, на этом мои представления о русском хард-роке заканчивались.
Я хорошо представлял себе русскую живопись, литературу, культуру, историю, классическую музыку, но, повторюсь еще раз, рок-н-ролл…?! Итак, после более чем года работы, бессчетных телефонных конференций, тысяч миль перелетов, более 20 мировых рок-звезд, с их персоналом, неисчисляемых часов на студиях, договоренностей, миксов и ремиксов… все это меня привело к тому, что я стал большим поклонником русской школы рок-музыки.
То, что Pushking сумел объединить в этой записи, это беспрецедентно, это практически не реально, с точки зрения артистического и духовного уровня. Я не уверен, что есть ещё группа в мире, где бы то ни было на этой планете, которая делает релиз первой Интернациональной записи с такими монстрами, легендами рок-музыки, как это произошло с THE WORLD AS WE LOVE IT.
И что действительно меня удивляет, что это не только список музыкантов, принявших участие в записи, это тот уровень, который смог показать сам Pushking, и вроде бы они приглашают звёзд, но они не теряются на их фоне, а проходят основной линией на протяжении всей записи, в одной лодке. И это упорство, и эта решимость, которая сопутствует ребятам, это две основные составляющие настоящих легенд. Планка, которую взял Pushking, очень высока, и мы знаем это! А сейчас, мать вашу, послушайте то, что мы сделали, и вы это поймёте тоже. Она реальна, и мы реально сделали это! А потом, когда вы добавите к миксам невероятный талант, вы получите то, что готово взорваться прямо в ваших руках, отбрасывая в стороны весь отстой, который нас окружает, как никогда до этого.
Есть ещё одна важная вещь. Музыкальный профессионализм и знания, но не те, что описаны в умных книгах, а взятые из жизни, терпения и тяжелой работы, достигнутые потом и кровью, у них есть то, что входит в хромосомный набор каждого рок-музыканта.
У Pushking это есть, есть талант, который я вижу у самых великих рок-музыкантов, ставших легендами... хотя честно признаюсь,что у ряда известных рокеров нет и половины знаний, подготовки и души, которая есть у моих парней, и это должно заставить задуматься.
Совершенная музыка, переплетение серьёзного хард рока с классическим наследием, то, что цепляет глубоко.
Поэтому мои любимые песни в проекте это OPEN LETTER TO GOD и THAT’S ALL THAT LOVE CAN DO. Конечно, не будем забывать и Стива Вая в SCHINDLER’s LIST, и Билли Гиббонса в песне NIGHTRIDER – это и есть то, что мы называем рок-н-роллом.
Я действительно думаю, что эта работа откроет многие двери для Pushking и, в конце концов, представит их всему миру, а они достойны быть лучшими среди лучших мира сего…»
Фабрицио Гросси, Лос-Анджелес, декабрь 2009 года

Over The Rainbow «МЫ – НАСТОЯЩАЯ ГРУППА!»

Fri, 16 Jul 2010 11:36:13 +0400

Статья опубликована в номере 83 журнала ClassicRock

Объединившись с Юргеном Блэкмором, сыном Ричи, Джо Линн Тернер, Бобби Рондинелли, Грег Смит и Тони Кэри (вскоре после основания коллектива, правда, покинувший его) организовали проект Over The Rainbow, исполняющий на концертах бессмертные творения группы. В том, что OTR – настоящая группа, поклонники смогли убедиться на её российских концертах. Предлагаем вашему вниманию фрагменты с пресс-конференции, прошедшей на фестивале Sweden Rock.
ИНТЕРВЬЮ: АЛЕКСЕЙ ПАИН, ВЕРА КОЛУПАЕВА ФОТО: АЛЕКСЕЙ ПАИН

КТО БЫЛ ИНИЦИАТОРОМ СОЗДАНИЯ ПРОЕКТА OVER THE RAINBOW?
Джо Линн Тернер: Мой сольный тур в России как раз подходил к концу. И везде организаторы концертов задавали мне вопрос о том, когда группа Rainbow вновь соберется вместе. Я знал, что Ричи никогда не согласится на это. Помню тот момент, как однажды, уже выпив несколько рюмок водки, я заявил: «Без Блэкмора Rainbow никогда не соберутся вновь!». Но тут я вспомнил про Юргена, ведь он тоже Блэкмор! Я полетел в Германию, встретился с Юргеном, и он согласился участвовать. Затем я позвонил Бобби, и Бобби тоже сказал «да». Так постепенно мы и собрали группу. Все очень просто!

А СПРАШИВАЛИ ЛИ ВЫ У РИЧИ, ЧТО ОН ДУМАЕТ ПО ПОВОДУ ВОЗРОЖДЕНИЯ RAINBOW?
Юрген Блэкмор: Я поговорил с отцом, и он сказал, что не возражает.

ДЖО, В ЧЕМ РАЗНИЦА МЕЖДУ ЮРГЕНОМ И РИЧИ? С КЕМ ЛЕГЧЕ РАБОТАТЬ?
Джо Линн Тернер: Юрген очень простой в общении. С ним легко ладить. У него есть чувство юмора, и он излучает позитивную энергию. А Ричи… Он подвержен сменам настроения. В этом он неисправим!

КТО ЯВЛЯЕТСЯ ЛИДЕРОМ В ГРУППЕ? КТО ИЗ ВАС «РИЧИ»?
Джо Линн Тернер: У нас нет «Ричи». Мы хотим, чтобы в группе была дисциплина и демократия, и чтобы каждый участник имел равное право голоса. Мы – выше, чем Rainbow.

ЮРГЕН, КАКОЙ ВАШ ЛЮБИМЫЙ АЛЬБОМ DEEP PURPLE И RAINBOW?
Юрген Блэкмор: Мне нравятся несколько альбомов Deep Purple. Прежде всего, я бы отметил Made In Japan, Perfect Strangers и The House Of Blue Light. Мне нравятся более мрачные песни Deep Purple. А музыка Rainbow – это музыка моего детства. Я познакомился с музыкантами Rainbow, когда был ребенком, ездил с ними в туры, и все время слышал эти песни. Поэтому мне сложно выделить какой-то один альбом.

КАЖДЫЙ АЛЬБОМ RAINBOW МОЖНО НАЗВАТЬ ШЕДЕВРОМ. КАК ВЫ ВЫБИРАЕТЕ ПЕСНИ, КОТОРЫЕ СОБИРАЕТЕСЬ ИСПОЛНИТЬ НА КОНЦЕРТЕ?
Бобби Родинелли: В сет-лист мы добавили несколько тяжелых песен с альбомов, записанных с Дио, чтобы привлечь внимание поклонников. Это такие песни, как Kill The King, Tarot Woman, Stargazer. Еще мы собираемся исполнить хиты, записанные с Грэмом Боннетом, а также несколько песен периода Дуги Уайта. Мы выбираем те композиции, которые все хотят услышать, как если бы мы сами были поклонниками Rainbow и собирались пойти на концерт.
Джо Линн Тернер: Я думаю, главное – соблюдать равновесие. Мы хотим, чтобы наш проект был настоящим и неподдельным. И для того чтобы быть настоящими Rainbow, мы должны выдерживать баланс. Мы очень тщательно подходим к выбору песен. Нам приходится отказываться от исполнения многих замечательных песен, но мы постоянно обновляем наш сет-лист, так что на наших концертах скучно не будет.

СОБИРАЕТЕСЬ ЛИ ВЫ ПРИСТУПИТЬ К СОЧИНЕНИЮ НОВОГО МАТЕРИАЛА, ЧТОБЫ ЮРГЕН ТОЖЕ СМОГ ОСТАВИТЬ СВОЙ СЛЕД В ИСТОРИИ РОКА?
Джо Линн Тернер: Конечно. Именно этим мы и планируем заняться. Но мы хотим делать все постепенно. Давайте посмотрим правде в глаза. Нет смысла заниматься проектом, если людям не нравится то, что мы делаем. Однако нас отлично принимают поклонники по всему миру от России до Японии. Мы чувствуем, что мы настоящая, живая группа, и мы собираемся работать над оригинальным материалом.
Юрген Блэкмор: Я хочу поделиться тем, что для меня очень важно. В самом начале я получал огромное количество писем в поддержку этого проекта. Люди просили меня о том, чтобы я вышел на сцену, ведь иначе этого проекта не было бы. Многие поклонники мечтали о возможности снова увидеть выступление Rainbow. Именно поэтому я и согласился. Я делаю это для людей, которые любят музыку Rainbow. Если бы я сказал нет, то возрождения Rainbow даже в таком виде не было бы.
Джо Линн Тернер: Юрген – незаменимый участник группы. С любым другим гитаристом мы не были бы Over The Rainbow, и если бы Юрген отказался, группы бы не было. Мы – настояшие Rainbow. И мы можем говорить так, потому что Юрген – сын Ричи. Он – Блэкмор! Я хочу, чтобы все это знали. Без Юргена мы не стали бы ничего делать. Over The Rainbow – это не трибьют-проект, а настоящая группа.
Юрген Блэкмор: Все говорят о том, что я – сын Ричи. Я и сам это знаю. И я стараюсь изо всех сил. И хочу всех поблагодарить за то, что принимаете меня! Спасибо!

Фестиваль Sweden Rock 2010 пройдет 9-12 июня в Сольвесборге.
Сайт: www.swedenrock.com
Русскоязычный сайт, посвященный фесту: http://rockfest.land.ru

ЛИТА ФОРД: «Я ЖЕЛАЮ БОЛЬШОГО УСПЕХА ЖЕНЩИНАМ В РОКЕ»

Fri, 16 Jul 2010 11:14:17 +0400

Статья опубликована в номере 83 журнала ClassicRock

После пятнадцати лет, проведенных на пустынном острове Карибского моря, королева хард-рока Лита Форд вновь вернулась на сцену. Прошлым летом Лита появилась на многих фестивалях, а также дала несколько клубных концертов. На пресс-конференции перед выступлением на Sweden Rock Лита рассказала о новом альбоме и о причинах, побудивших ее играть снова.
Интервью: АЛЕКСЕЙ ПАИН, Вера Колупаева Фото: Алексей Паин

РАССКАЖИТЕ О ВАШЕМ НОВОМ АЛЬБОМЕ…
Альбом называется Wicked Wonderland. Он получился по-настоящему тяжелым. Самый тяжелый альбом в моем творчестве. Мощный, энергичный и очень сексуальный. Я долго не играла на гитаре. Я начала вновь усиленно заниматься, когда вновь собрала группу, и сейчас моя техника становится все лучше и лучше. Новый альбом – это тоже шаг вперед. Он отличается более зрелым звучанием.

КАК ВЫ НАШЛИ МУЗЫКАНТОВ ДЛЯ ТУРА?
Наш друг Дани помог нам собрать музыкантов и организовал репетиции. В состав группы вошли барабанщик Стет Хоуланд (экс-WASP), клавишник Микаэль Ти Росс и гитарист PJ, - все ребята из Флориды, они потрясающие музыканты. А я сама на гитаре.

МНОГО ЛЕТ ВЫ НИГДЕ НЕ ВЫСТУПАЛИ И НЕ ЗАПИСЫВАЛИ АЛЬБОМОВ. ЧТО ВЫ ДЕЛАЛИ ВСЕ ЭТО ВРЕМЯ?
Я живу на Карибских островах. Вот уже 15 лет я замужем за Джимом Джиллеттe из группы Nitro. У нас двое сыновей. Мы просто жили на острове и занимались воспитанием детей: учили их ловить рыбу, плавать, нырять под воду с маской.
Наши дети находились на домашнем обучении, они не ходили в школу. Так мы проводили время на пустынном острове, но я заскучала и решила вернуться.

А ЧТО ИМЕННО ЗАСТАВИЛО ВАС ВЕРНУТЬСЯ НА СЦЕНУ ПОСЛЕ СТОЛЬКИХ ЛЕТ?
Мои друзья постоянно просили меня вернуться и снова начать играть рок-н-ролл. Ди Снайдер из Twisted Sister, Роб Зандер из Cheap Trick, Элис Купер – все они постоянно спрашивали: «Лита, что ты делаешь?». Вдруг и мои дети начали говорить:«Мама, ты же Лита Форд. Чем ты занимаешься?». И я подумала, когда твои дети говорят тебе, что пора снова заняться музыкой, нужно оторвать задницу от табуретки и начать играть. Я не хотела ездить в тур с маленькими детьми. Теперь мои сыновья выросли, и я беру их с собой.

КАК ВАШИ ДЕТИ ПОНЯЛИ, ЧТО ВЫ – РОК-Н-РОЛЛЬНАЯ ЛИТА ФОРД?
Я учила их алфавиту по названиям рок-групп. «А» это AC/DC, «B» – Black Sabbath… Вот такая образовательная программа, основанная на классике рока.

РАССКАЖИТЕ О ВАШЕМ ПЕРВОМ ПОСЛЕ ПЕРЕРЫВА ВЫСТУПЛЕНИИ НА ФЕСТИВАЛЕ ROCKLAHOMA В 2008 ГОДУ?
У меня остались странные воспоминания. Возможно, из-за торнадо, начавшегося перед нашим выступлением. На фестивале было три сцены, и две сцены по бокам были полностью разрушены. Мы были очень взволнованы перед выступлением. И группа, и аудитория с нетерпением ждали этого концерта. Но это чертово торнадо все разрушило. Несколько человек было госпитализировано. Дани позвонил мне и покричал в телефон: «Спасайся!». Я три часа просидела в кафе и ждала, когда шторм прекратится. Мне было нечем заняться, и я покрасила всем музыкантам волосы в синий цвет. Небо прояснилось, и мы вышли на сцену. Главная сцена уцелела, все было в порядке, но многие уже разошлись по домам. Так что мы выступали для нескольких поклонников, которые стояли с зонтиками. Rocklahoma была очень странной.

ОДНА ИЗ ВАШИХ ГИТАР ИЗГОТОВЛЕНА В ФОРМЕ БУТЫЛКИ ВОДКИ «СТОЛИЧНАЯ». КАК ПОЯВИЛАСЬ ЭТА ГИТАРА? РАССКАЖИТЕ О НЕЙ ПОДРОБНЕЕ.
Это гитара фирмы B.C.Rich. Я люблю русскую водку. «Столичная» – мой любимый напиток. Поэтому я попросила изготовить гитару в форме бутылки столичной водки просто ради шутки. У этой гитары великолепный звук!

МНОГИЕ ГРУППЫ СЕЙЧАС УСТРАИВАЮТ ЮБИЛЕЙНЫЕ КОНЦЕРТЫ. НЕ СОБИРАЕТЕСЬ ЛИ ВЫ УСТРОИТЬ КОНЦЕРТ, ПОСВЯЩЕННЫЙ ВЫХОДУ АЛЬБОМА LITA?
Хорошая мысль! Вообще мы исполняем несколько песен с альбома Lita: Kiss Me Deadly, Close My Eyes Forever… Но мы еще не думали о том, чтобы сыграть весь альбом целиком. Отличная идея.

ОСНОВЫВАЯСЬ НА СОБСТВЕННОМ ОПЫТЕ, КАКИЕ ПЛЮСЫ И МИНУСЫ У ЖЕНЩИН В РОКЕ ВЫ МОГЛИ БЫ ОТМЕТИТЬ?
Всегда нужно быть осторожной. Это касается не только женщин в роке, но женщин вообще. Мир принадлежит мужчинам. Необходимо самой заботиться о себе и следить за тем, чтобы никто ничего не делал у тебя за спиной. В том числе, в мире рока – особенно в мире рока. К счастью, у меня есть большой сильный муж, который может за меня постоять.

В 80-Х ГОДАХ ПОЯВИЛОСЬ МНОГО ВАШИХ ФОТОГРАФИЙ ВМЕСТЕ С ДОРО ПЕШ. ВЫ С НЕЙ ПОДДЕРЖИВАЕТЕ СВЯЗЬ?
К сожалению, нет. Я люблю Доро. Она замечательная. Мне довелось встретиться с ней только один раз во время той фотосессии. Иногда люди дают мне фотографию на подпись, и я говорю, это не я, это – Доро. Мы обе блондинки, обе поем. Поэтому нас иногда путают.

RUNAWAYS БЫЛИ ОДНОЙ ИЗ ПЕРВЫХ ЖЕНСКИХ РОК-ГРУПП. А ЗНАЕТЕ ЛИ ВЫ КАКИЕ-НИБУДЬ СОВРЕМЕННЫЕ ЖЕНСКИЕ ГРУППЫ?
К сожалению, не знаю ни одной. Видимо, меня не было слишком долго. Я желаю большого успеха женщинам в роке.

ДРУЖИТЕ ЛИ ВЫ С БЫВШИМИ УЧАСТНИЦАМИ RUNAWAYS?
Я дружу с Вики, бас-гитаристкой. И всё. Это длинная история.

ВИДЕЛИ ЛИ ВЫ ФИЛЬМ, КОТОРЫЙ ВЫПУСТИЛИ RUNAWAYS НЕСКОЛЬКО ЛЕТ НАЗАД?
Да, видела. Странный фильм. Кажется, они совсем мало говорят о музыке. О чем угодно, но не о музыке. Мне известно, что Джоан Джетт сейчас занята каким-то фильмом. Я не хочу, чтобы меня упоминали в этом фильме. Если вы увидите там меня, знайте, что я не хотела этого. Я просила их, пожалуйста, не упоминайте обо мне, но боюсь, они все равно это сделают.

ВЫ НЕ БЫЛИ НА СЦЕНЕ МНОГО ЛЕТ. НАВЕРНОЕ, СЕЙЧАС, КОГДА ВЫ ВНОВЬ ГАСТРОЛИРУЕТЕ, К ВАМ ВОЗВРАЩАЮТСЯ ВОСПОМИНАНИЯ. РАССКАЖИТЕ КАКУЮ-НИБУДЬ ЗАБАВНУЮ ИСТОРИЮ.
Воспоминания, истории… У меня много историй. Расскажу вам одну. Это было в то время, когда я работала с Оззи и Шэрон Осборнами. Я купила новый дом. Оззи и Шэрон приехали в студию и привезли мне подарок – фигуру гориллы для моего нового дома. Она была совсем как настоящая, такая же огромная, как горилла в зоопарке в Сан-Диего. Я всю ночь не спала, выпила лишнего и была не в очень хорошей форме, чтобы сесть за руль: не хотела, чтобы полиция меня остановила. Так что мне пришлось везти эту гориллу в своей машине вместе с другими пассажирами. Теперь, каждый раз, когда я вижу эту гориллу, то вспоминаю об Оззи.

Фестиваль Sweden Rock 2010 пройдет 9-12 июня в Сольвесборге.
Сайт: www.swedenrock.com
Русскоязычный сайт, посвященный фесту: http://rockfest.land.ru

Интервью с лидером группы Sonata Arctica Тони Какко

Mon, 31 May 2010 17:17:59 +0400

Материал опубликован в журнале Metal Hammer 9, в рубрике Zero To Hero

Парни из финского городка Кеми, исполняющие пауэр-метал с элементами прогрессива успели достичь немало за 14 лет своего существования. Лидер и фронтмен группы Тони Какко делится воспоминаниями.

Что вдохновило тебя начать карьеру музыканта?
Я с самого рождения горел желанием каким-то образом быть связанным с музыкой. Что вдохновило меня начать карьеру? Думаю, дело в том, что музыка и эта профессия сами выбрали меня, и мне оставалось лишь двигаться дальше. Мне не на что жаловаться.

Кто поддерживал тебя на начальном этапе?
Я еще учился тогда, как и большинство из нас. Поэтому, когда требовалась финансовая помощь, то поддерживали родители. Впрочем, немного погодя группа стала сама себя окупать, и наконец, мы с радостью заметили, что у нас даже остаются средства, чтобы платить за жилье и покупать еду.

В то время много ли ты занимался один, и сколько времени вы репетировали вместе с группой? Что изменилось сейчас?
В 1996-1998 мы репетировали очень подолгу, иногда по 10 с лишним часов. Просто было в кайф играть в группе. Мои личные репетиции в основном заключались в том, что я писал песни и пел их дома. Я никогда не брал уроков, не делал упражнений для пения. Я просто… пел. В эти дни мы всегда много репетируем перед турами, но между ними – не так усиленно. Отдых – это часть процесса, и он очень важен. Эта профессия - не самая легкая физически, поэтому мои репетиции дома – следить за собой, пробежки и так далее.

Твои воспоминания о вашем первом концерте?
С этой группой… это было в мае 1996 года в Кеми, нашем родном городе. Концерт состоялся в молодежном клубе, и мы играли в основном каверы. Вообще я не очень хорошо его помню. После этого у нас было больше 500 концертов. Тогда я служил в армии, и ради этого шоу мне пришлось смыться оттуда. Было классно.

Когда музыка превратилась из хобби в основное занятие?
Для меня – во время второго альбома Silence, то есть когда у меня уже не было времени для того, чтобы закончить учебу.

Был ли момент, когда вы чувствовали, что стали большой группой?
Нет, такого ощущения еще не было. Естественно, неплохо, что мы можем зарабатывать себе на жизнь и гастролировать по всему миру, но мы выступали с такими звездами, по сравнению с которыми нас никак не назовешь «большой группой». Разве что в Финляндии, когда мы получили первый золотой диск, было приятное чувство, что мы достигли чего-то.

Как бы ты описал ваши отношения с лейблами? Что изменилось, когда вы ушли со Spinefarm Records и выбрали Nuclear Blast?
Я считаю, что уровень стал немного повыше. Мне очень нравилось на Spinefarm, но когда контракт с ними истек, то предложение Nuclear Blast оказалось лучшим. У меня по-прежнему сохранились контакты со Spinefarm, в каком-то смысле мы связаны с ними навеки. Кроме того, я делаю дополнительные вещи для них, если требуется. Они дали нам первый дом, благодаря им мы стали теми, кто мы сейчас, и я ценю это очень сильно. Nuclear Blast находятся в Германии, а мы в Финляндии, так что с ними мы общаемся не каждый день. Между нами существует взаимное доверие, и это здорово. Мне нравится, когда мы спокойно можем делать то, что мы делаем.

Когда группе необходимо принять важное решение, как вы это делаете?
Пишем на бумаге доводы за и против, и вместе принимаем решение.

Каким было лучшее решение, которое вы приняли, как группа? И самое сложное?
Трудно сказать. Одним из лучших было взять в группу Элиаса [Вильянена, гитариста]. Что касается самого сложного, то это определенно, когда нам пришлось уволить Яни [Лииматайнена, гитариста]. Также смена Spinefarm на Nuclear Blast одновременно было и хорошим, и непростым решением.

Как пришла идея собрать Northern Kings? Каково это – быть участником супергруппы?
Каждый год проводится проект Heavy Christmas, когда метал-музыканты гастролируют по Финляндии, исполняя рождественские песни. Как я понимаю, идея этой «супергруппы» возникла отсюда, состав практически тот же самый. С Northern Kings мы всего лишь дали несколько концертов. Что я могу сказать, это прикольно! Но, по крайней мере сегодня, это не идет ни в какое сравнение с работой в «нормальной» группе. Проект Northern Kings очень сложно продолжать, когда все вокалисты постоянно заняты в своей основной группе или группах, причем довольно активных. К сожалению, кто-то из нас постоянно оказывается недоступен.

Что бы ты посоветовал новичкам в музыкальном бизнесе?
Совет… ну, скажу, что изначальная радость и наивность пропадает, когда музыка выбирает тебя и становится профессией. Но раз уж музыка выбрала тебя, то она позаботится обо всем. Есть ли в этом смысл? Будьте осторожны. Если вы учитесь, старайтесь продолжать это как можно дольше, пока музыка позволяет вам. Музыка – это фантастическое хобби! Я не уверен, стоит ли мне рекомендовать такую профессию… это тяжелый труд. Но, в конце концов, в жизни ничего не достается легко.

Виктория Демина

Фотограф: Андрей Плугин

Пресс-конфереция АССЕРТ: фотоотчет

Thu, 20 May 2010 11:06:20 +0400

Пресс-конфереция АССЕРТ в клубе "Б1 Максимум", Москва, 13 мая 2010

Кен Хенсли: «Прежде всего я поэт»

Tue, 29 Dec 2009 11:26:37 +0300

Статья опубликована в номере 79 журнала ClassicRock

Перед концертом на берегу озера Селигер близ деревни Светлица (ударение на первом слоге) нам удалось взять интервью у Кена Хенсли.

Вы в музыкальном бизнесе уже 40 лет, и написание песен для вас по-прежнему остается актом творческого вдохновения, или это уже необходимая работа, выполненная мастером?

Во-первых, в музыкальном бизнесе я не 40, а 45 лет. Во-вторых, я испытываю сейчас вдохновение, как никогда прежде, продолжаю писать песни и выпускать альбомы. В сентябре выйдет мой новый альбом и, поверьте, для меня это очень важно.

Не могли бы вы сформулировать ваши основные принципы композиторства и написания песен?

Я всегда начинаю с текста. Прежде всего, я поэт: стихи пишу с самого детства. Сначала это были плохие стихи, сейчас, надеюсь, они стали лучше, но в любом случае, я начинаю работу над песней со стихов. В написании текстов надо всегда тренироваться, потому что с практикой они становятся лучше. Так что слова для меня самое важное, это ядра песен. Когда текст песни готов, я придумываю мелодию, работаю над гармонией и аранжировкой.

Авторами замечательной баллады Come Back To Me указаны Ли Керслэйк и вы. Скажите, кто за что отвечал в этой песне?

Ли написал первые два куплета, идея исходила от него, я закончил финал песни. У него была мелодия в голове, а я помог написать переход.

За вас кто-нибудь когда-либо дорабатывал ваши песни?

Когда я играл в Uriah Heep, у нас иногда бывали сессионные музыканты, как Манфред Манн, который играл в July Morning. Но у меня есть принцип, по которому я работаю, я научился ему у моего отца. Он говорил, когда нужно что-то сделать, найми экспертов и уйди с дороги. Это хороший принцип.

А где кончается Кен Хенсли и начинается эксперт?

Когда в песне предполагается очень сложная часть, которую надо сыграть пальцами, тогда я приглашаю того, кто в этом деле эксперт. На новом альбоме я задействовал фантастического пианиста из Валенсии, он чувствует песню и придаёт ей только то, что нужно. Или же когда мне нужно чтобы кто-то спел мощную рок-композицию, тогда я приглашаю, скажем, Гленна Хьюза или Джона Лотона – великих рок-певцов. Я осознаю пределы своих возможностей. Моя сила прежде всего в написании композиций. Я пишу мелодии, стихи, но всегда указываю благодарности приглашённым музыкантам.

Очень большая часть вашей жизни была отдана Uriah Heep, но, тем не менее, вы много лет не работаете с этой группой. Не возникает ли у вас желания сыграть когда-нибудь ещё раз с этими музыкантами?

Если бы Тэйн и Байрон были живы, то, я думаю, это было бы достойно. Сейчас мои воспоминания о группе Uriah Heep очень хорошие, очень позитивные, и я предпочитаю их такими и оставить. Они всегда в моём сердце.

Вы начинали с Миком Боксом, он ещё, к счастью, жив. Можно было бы сыграть с ним, это же ваша молодость…

Мик сейчас следует другой дорогой. Я пригласил его поиграть на моём новом альбоме, но он слишком занят. Я в своем творчестве стараюсь исследовать разные аспекты, а Мик все время делает одно и то же. Мы с ним находимся на разных путях.

Предыдущий альбом был записан при помощи Гленна Хьюза. На сей раз вы снова с ним работали?

Гленн пел в двух песнях на предыдущем альбоме, и исполняет две вещи на новом.

И скоро мы услышим этот диск?

Альбом будет официально выпущен в последнюю неделю октября, но я не знаю, когда он выйдет в России.

В 2005 году в Питере на фестивале «Герои рока» вы вместе с Иэном Гилланом исполнили Smoke On The Water. Каковы были ощущения от исполнения классической песни, автором которой был Иэн? Вы вдруг вышли с акустической гитарой… Это было очень неожиданно.

Я немножко расстроился, на самом деле. Я знал, что мы будем играть Smoke On The Water, но когда я вышел, орган уже унесли. Поэтому мне пришлось взять акустическую гитару. Это было единственное, что я мог сделать.

Сотрудничаете ли вы сейчас с Джоном Лотоном?

Я собираюсь сыграть с ним в Финляндии на Uriah Heep-конвенции в конце августа, но шоу с ним я больше не играю, потому что сейчас у меня своя группа.

Когда ваша книга появится на русском языке?

Мне сказали, что в ноябре, но точно я не знаю. Мне лишь известно, что издатель дал своё добро.

Ричи Блэкмор создал проект совместно с Кэндис Найт. Планируете ли вы организовать что-либо подобное? Например, использовать женский вокал в своих проектах?

В моём новом альбоме в нескольких песнях будет звучать женский бэк-вокал. Но создавать подобных проектов я не собираюсь. Моя жена, к сожалению, не поёт и не играет на музыкальных инструментах.

Скажите, пожалуйста, за какую сумму вы согласились бы подстричься?

Такой вопрос мне ещё не задавали. Вообще-то, не за очень большую. Может быть, за миллион долларов, если только мы сможем отдать эти деньги людям в какой-нибудь голодной стране.

Вопросы задавали: Геннадий Моисеенко, Игорь Головнёв, Елена Кириллова и Павел Медведев.
Фото: Алина Голубева, Павел Медведев.

Гленн Хьюз: «Мой голос – это дар свыше»

Tue, 29 Dec 2009 11:02:12 +0300

Статья опубликована в номере 73 журнала ClassicRock

Гленн Хьюз – имя, давно знакомое каждому… по крайней мере, каждому читателю Classic Rock. Посему не стоит вдаваться в стандартные перечисления регалий мастера. Пусть он расскажет сам за себя.
Едва переведя дух с долгой дороги и приведя себя в порядок, Гленн был готов к не всегда оригинальным вопросам, но, будучи джентльменом, он с интересом их выслушал и ответил на любую заданную глупость. Модный и несколько экстравагантный вид, мягкие манеры, вкрадчивый голос. А главное – взгляд, устремлённый в глаза собеседника. Хьюз располагает к себе почти тотчас же.

Слова: Павел ПОТАПОВ
Фото: Валерий Дрыгин

В октябре у вас был российский тур. Вы выступали у нас не впервые – как всё прошло на этот раз?

Да, это уже мой пятый визит в вашу страну. Концерты проходили сногсшибательно, невероятно, фантастически. Публика везде была поразительной. Существует два вида фэнов Гленна Хьюза – хочу, чтобы читатели Classic Rock это знали. Первый вид – моего периода с Deep Purple. Назовём их фанатами MK III-MK IV. Второй представляет более молодая публика, состоящая большей частью из женского пола. Эти дамы приходят потанцевать, и, быть может, хотят услышать мой новый материал. Так что у меня богатый багаж: более старые фэны, со времён Purple. И более молодые российские фэны, которые, по сути – моё будущее. То есть, я люблю своих старых фэнов. Моя музыка оказала на них большое влияние. Но по всему миру средний возраст фэнов Гленна Хьюза – 23-24 года.

И они больше тяготеют к вашему фанковому звучанию?

Да. Отрадно осознавать, что и в России стали понимать мои корни. Ведь вы, должно быть, помните, что до Purple я играл в Trapeze. И материал там был очень фанковым. Вы можете спросить какого-нибудь российского рок-исполнителя: «Кто ваши кумиры?» И они, скорее всего, скажут: «Led Zeppelin» или «Sex Pistols». Я же тяготею к чёрной американской музыке. И очень рад, что мой российский зритель растёт вместе со мной. Потому что я хочу возвращаться сюда снова и, естественно, исполнять новые песни. Но в этот приезд мы сконцентрировались на музыке Deep Purple с участием Гленна Хьюза. На классике.

А почему вы не играете песни со своего последнего альбома?

Это только в России. Ведь у многих российских фэнов в возрасте в своё время не было возможности услышать классику Deep Purple живьём. Но они выросли на ней. И когда мы играем эти песни, они плачут и всё такое… Так что здесь мы вспоминаем MK III-MK IV. Но когда я выступаю в других странах, то играю песни с F.U.N.K., моего нового альбома. Когда я, надеюсь, вернусь на следующий год, то планирую сделать программу из двух частей. В первую войдёт авторский материал Гленна, всё новьё. Потом мы устроим маленький антракт, а во втором отделении сыграем классику. По-моему, это неплохая идея. Я очень рад, что вы получаете письма от молодых фэнов, которые хотят услышать мой свежий материал.

Говорят, у вас в группе новый участник…

Это правда.

Расскажите о нём, пожалуйста.

Что ж… дело в том, что мой новый альбом – это настоящий фанк от Гленна Хьюза. То есть стопроцентный фанк. И для записи такого альбома мне нужны были участники, которые умеют играть в этом стиле. Так что я позвал к себе Льюиса Малдонадо. Льюис из Сан-Франциско. Ему всего 32 года, то есть он очень молод, но он рос на чёрной американской музыке. При этом он может играть классический Deep Purple, он может играть как Джефф Бек, как Джими Хендрикс, как Принц. Словом, всё то, что я люблю. Ведь когда ты исполняешь фанк, нельзя обойтись простым рок-гитаристом, который будет пытаться соответствовать стилю. Из этого ничего не получится. Я знаю от силы пять рок-музыкантов в мире, которые могут очень хорошо исполнять фанк. А людей, умеющих играть в разных стилях, вообще не так много. Как вы знаете, я никогда не был металлическим исполнителем. Классический рок, хард-рок – это было. Когда вы слышите имя Гленн Хьюз, то сразу думаете: «он пел и играл на басу в Deep Purple вместе с Ковердейлом». Да, это было замечательное время, но сейчас я хочу, чтобы люди узнали, кем я являюсь сам по себе. Кто такой Гленн Хьюз, как он думает, что он чувствует. А он чувствует всё! Я испытываю весь спектр ощущений, и хочу, чтобы мои российские фэны узнали настоящего Гленна. Ну а Льюис Малдонадо – просто поразителен.

Интересно, а вы до сих пор поддерживаете контакты с кем-нибудь из участников?

Как бы вам это лучше сказать? Мой любимый журнал – Classic Rock. Прекрасное издание. Ваш журнал был очень добр ко мне и в Европе, и в Великобритании, и в России. И вот вы задаёте этот вопрос – очень каверзный вопрос. Потому как вы хотите услышать правду, а я бы, в свою очередь, не хотел вас обманывать. Deep Purple – это Deep Purple. MK X… или какой там…
Я в жизни не был таким здоровым, полным сил, и серьёзно настроенным на работу. После выступления я принимаю душ и сплю десять часов. Я не курю, не принимаю наркотики, не пью. Не хочу при этом сказать ничего плохого про Deep Purple, но я слышал, что сегодня они уже не такие энергичные. Очень жаль, конечно. Видимо, теперь настал мой черёд.

Скажите честно, вас уже достали все эти вопросы про Deep Purple?

Нет. Поймите, я же был в этой группе, записав с ней три альбома, которыми чрезвычайно горжусь. Deep Purple – бренд. Led Zeppelin, Deep Purple, Yes, Pink Floyd – всё это бренды, имена. Но я работаю сольно, и на протяжении 15 лет стараюсь изо всех сил. Например, в России я уже распланировал свои концерты на пять лет вперёд. Не хочу прозвучать самонадеянно или показаться своим российским фэнам тщеславным. Но я хочу, чтобы они знали, что я очень серьёзно подхожу к своим концертам.

Что ж, если вы не против, откройте секрет: работать с Ричи действительно было пыткой?

Думаю, это было бы пыткой, будь я старше. Представьте, когда вам 20 лет, и вы в новой группе, где есть один сложный участник – что вы делаете? Вы просто общаетесь с другими ребятами. Ричи Блэкмор – человек, с которым очень сложно работать. Это ни для кого не секрет. Его просто очень сложно любить. Я могу подойти к своим друзьям и обнять их – с ним же такое не пройдёт. Потому что он не хочет, чтобы его любили. Так что с ним очень сложно иметь дело. Гений – безусловно. Но какой смысл быть гением, когда ты несчастен? Понимаете?

А вот интересно, возникали ли когда конфликты между вами и Дэвидом Ковердейлом?

Надеюсь, вам удастся поговорить с Дэвидом, когда он приедет к вам с гастролями. Мы с ним вот уже на протяжении 34-35 лет остаемся очень добрыми друзьями. Мы никогда не ругались. В прессе, может, и писали, что такое случалось, но у нас не возникало разногласий.

Что ж, кроме Deep Purple у вас было много интересных творческих союзов. Возьмём, например, Тони Айомми. Наверняка вы отвечали на этот вопрос тысячи раз, и всё же – как началось ваше совместное творчество с Тони?

Тони Айомми – милейший человек. Он очень осторожно выбирает себе друзей, и у него их совсем немного. Мы познакомились в 1974-м, на концерте California Jam. Я уже дружил с Оззи с 1973 года, и мы были с ним очень хорошими приятелями. Но потом я как-то больше сдружился с Тони, так как он более скромный. С тех пор мы с ним стали очень тесно общаться. Мы вместе записали три альбома: Seventh Star, DEP и Fused. Fused был поразительным альбомом. Но он получил плохой промоушн, плохой маркетинг, и, как следствие, турне в его поддержку не последовало. Мы с Тони обожаем друг друга. И если я вдруг задумаю записать ещё один по-настоящему хард-роковый, почти металлический альбом, то сделаю это исключительно с Тони.

Однако ваша работа с ним началась в не самое лучшее для него время. Участники группы хаотично менялись, и поговаривали даже, что для съёмок клипа Shining он пригласил первого попавшегося парня с улицы, чтобы тот изобразил бас-гитариста.

Тони и сам вышел с улиц. И он руководствуется своими чувствами – он не подвержен поверхностной мишуре. Так что меня это не удивляет. Но, поймите, 1985 год был и для меня очень трудным. Я мог петь, но уже не мог ездить с гастролями, так как находился в самом эпицентре алкогольно-наркотического дурмана. Всем в России об этом известно. Это было нелёгкое время…

Но, несмотря на это, вы всё же дали несколько концертов в турне Seventh Star, не так ли?

Да, но это было ужасно. Я подрался с тур-менеджером, и он сломал кость под моим глазом. Она вошла в нос, в результате чего кровь попала в гортань и там свернулась. После чего я не мог даже говорить.

А вы общаетесь с кем-нибудь из музыкантов того состава?

С Эриком Сингером. Очень милый человек. Он сейчас в KISS, как вы, должно быть, знаете. Время от времени я разговариваю с Джеффом Николсом. А Дейв Спитц сейчас работает адвокатом во Флориде.

Неужели? Как порой время меняет людей. А что вы можете рассказать о других своих проектах. Например, как получился союз с ребятами из Red Hot Chili Peppers??

Всё очень просто. Я – фанат музыки, и буду учиться до самой смерти. Даже Паваротти учился до самой смерти. Встретившись на одном званном обеде с Чэдом Смитом, мы обнаружили, что с уважением относимся к творчеству друг друга. Он очень любит MK III. А мне нравятся Джон Фрусчанте и Чэд Смит, хотя не могу сказать, что являюсь большим поклонником Chili Peppers. Но я люблю, когда музыка качает, и мне по вкусу то, как они с Фрусчанте это делают. Короче, я выступал в Лос-Анджелесе – это был январь 2003 года, – и пригласил Чэда сыграть со мной на Mistreated и Stormbringer. Он сыграл на этих вещах, а после ещё и на семи номерах из моей программы. Он сидел за моей спиной как чертов локомотив, и я просто не мог сказать ему «хватит»! Он – величайший ударник со времён Джона Бонэма. С того дня мы стали друзьями, и я даже прихожусь крёстным отцом одному из его детей. Мы много путешествовали семьями, долго пробыли вместе в Мексике.
Джон Фрусчанте, кстати, тоже большой фэн. Мы как-то давали шоу втроём – Чэд Смит, Гленн Хьюз, Джон Фрусчанте – в House Of Blues в Лос-Анджелесе, где исполняли только материал MK III. Это было ещё до выхода их пластинки Stadium Arcadium. Так вот, я оборачиваюсь через плечо: Джон Фрусчанте и Чэд Смит играют со мной мою музыку из Deep Purple… Это было весьма необычно. А Фрусчанте, между прочим, знал каждый пассаж Ричи Блэкмора.
Публика смотрела с таким видом: мол, какого хрена? Там было много фэнов Chili Peppers, которые ждали, что я буду петь что-нибудь типа Suck My Kiss. Но, в конце концов, они поняли, что мы в этот вечер славим музыку Гленна с Deep Purple, так что всё было клёво.

Какой из всех своих проектов вы считаете самым удачным – во всех аспектах?

Если отталкиваться от личных ощущений, то, думаю, что Hughes/Thrall был таким проектом. Думаю также, что Trapeze с Мэлом Гэлли был превосходным опытом для меня, как молодого человека. С Тони Айомми был очень крепкий союз, который никогда не рухнет, а альянс с Фрусчанте и Смитом близок к тому, что я люблю. То есть фанк.

А какую из своих затей вы больше всего ненавидите?

О, Боже! Вы правда хотите это знать? Я вообще ничего не ненавижу. Но вот что я скажу, хоть и не хочу никого обидеть: когда я начинал работать с Джо Линном Тёрнером, то очень четко выразил свою позицию перед рекорд-компаниями в Америке и в Японии: будет только два альбома. Два. Вслед за этим они выпустили еще концертник, после чего я распрощался с данным проектом. Думаю, многие расстроились, что продолжения не последовало, но это было действительно невозможно. Потому как я не успевал ездить со своей группой и записывать собственные пластинки. Как и Джо. Это было нереально. К тому же, я люблю Джо, и считаю, что ему следует записывать свой материал.

Насколько ваши цели в музыке изменились с начала 70-х?

Ну… в 80-х они испарились вовсе – потому что я был слишком невменяем. Когда же я вернулся в 1992-м, у меня была только одна цель – работать. Ни о чём не думая, не ухлёстывая за женщинами – просто работать, петь, и отдаться на милость Божью. Так что цели у меня, пожалуй, те же, что и в 17 лет: когда писать музыку на своей скромной кухне было самым важным.
Каждый вечер я вношу в свои сеты какие-то изменения и всегда пытаюсь вовлечь в действие зрителей. Разница между моим голосом и голосами многих других рок-вокалистов прежде всего в том, что его корни – глубоко в духовной основе. Он переполнен страстью.

А вы когда-нибудь брали уроки по вокалу?

Никогда. Я пел в церковном хоре. Это здорово помогло. Хотя я не собирался становиться певцом. Вспомните: в Trapeze я был вторым голосом, и только потом стал основным вокалистом. Что же касается Deep Purple, то Лорд с Пейсом остановились бы только на мне, но Блэкмор решил всё усложнить и захотел ещё одного вокалиста. И когда пришёл Ковердейл, я как бы снова стал вторым голосом. Не бэк-вокалистом, а именно вторым голосом. Но я не уверен, что вы когда-либо слышали лучшее сочетание голосов в роке, чем Ковердейл и Хьюз. Однако, повторюсь, у меня не было намерений становиться вокалистом, и самое безумное, что сейчас я известен как «Голос Рока», и многие поклонники благодарят меня за мой вокал.

Если бы вы могли что-нибудь изменить в сегодняшней музыке, что бы это было?

Именно в музыке? Потому как, если бы я мог изменить что-то в своей жизни, то не стал бы менять ничего. Так как в ней было всё: и тёмное, и сумасшедшее, и весёлое… и слёзы, и любовь. А в музыке я бы, вероятно, изменил… наверное… тех, кто поёт метал таким образом (изображает гроулинг). Эти парни – просто, блин, кошмар какой-то. Когда я слышу такое пение, это оскорбляет мои чувства. Мой отец слушал Фрэнка Синатру, и мне казалось, что он старомодный, и что это вообще не очень круто. Но с возрастом я понял, что Фрэнк Синатра необычайно хорош. Не думаю, что кто-нибудь скажет так же про тех парней, которые вот так рычат. Между прочим, девушки тоже так делают. Звук такого пения меня убивает. Это музыка от дьявола. Такое в свое время говорили про Black Sabbath, но Оззи совсем не демонический. И уж тем более Гизер, Билл и Тони. А весь этот норвежский дэт-метал… Это, пожалуй, единственное, что мне претит.

Что бы вы могли пожелать всем молодым музыкантам?

У вас должна быть мечта. Вы должны четко представлять её себе, чувствовать её, верить в нее до победного. Некоторым из нас свою мечту осуществить не удаётся, но как только вы перестаёте мечтать, вы вообще никогда ничего не добьётесь в своей жизни. Музыканты должны мечтать. В моём случае это сработало, и продолжает работать до сих пор. Я по-прежнему мечтаю!

Что вы скажете на прощание российским поклонникам?

Я обожаю вашу страну. Я рад, что, в отличие от старшего поколения россиян, которым запрещали слушать Deep Purple и Led Zeppelin, с началом 90-х ситуация изменилась, и вы стали открыты для мира. И все смогли узнать, о чем вы думаете и что чувствуете. Моя работа заключается в том, чтобы помочь как молодым российским зрителям, так и фэнам со стажем хоть на какое-то время отвлечься от жизненных проблем. Моя работа также заключается и в том, чтобы петь чистым голосом, с чистыми помыслами и чистым сердцем. Мой голос – это дар. Он не принадлежит мне – он откуда-то свыше. И я должен делиться им с молодыми россиянами.
Единственная проблема состоит в том, что в России – даже не столько в Москве или Санкт-Петербурге, сколько в других местах – когда люди хотят потанцевать и поднимаются с мест, охрана всех усаживает обратно. Это неправильно. Они платят хорошие деньги, и если хотят танцевать, кричать и скидывать одежду – пожалуйста! Если вы приходите на шоу Гленна Хьюза, раскрепощайтесь. Если есть желание оторваться вместе со мной – я только за. Я рад вам всем!

Европейская эволюция

Thu, 10 Dec 2009 10:34:27 +0300

Статья опубликована в номере 78 журнала ClassicRock

В сентябре выходит новый альбом Europe Last Look At Eden – третий с воссоединения группы в 2003 году. В первые годы после камбэка музыканты стремились открыть себя заново, при этом нахимичив со звуком так, что их энтузиазм оценили не все поклонники. С последним альбомом, похоже, все встало на свои места, и группа «пришла в себя» - им удалось снова найти то, чем они очаровали многих в восьмидесятых, но это никак не походит на самокопирование (а также не распространяется на прически). На пресс-конференции перед выступлением на фестивале Sweden Rock музыканты рассказали о последних релизах и планах.

Слова: Вера Колупаева
Фото: Алексей Паин

Ваш последний альбом Last Look At Eden - возвращение к классическому хард-року.

Джоуи Темпест: Мелодичные композиции, запоминающиеся гитарные рифы и современные звучание - вот составные части нашего последнего альбома. Мы очень им гордимся!

Выпустив новый альбом в классическом для группы стиле, собираетесь ли вы вновь покорить Америку?

Джоуи: Мы собираемся в тур по Америке в следующем году. Но мы записывали новый альбом не для того, чтобы вновь покорить Америку. Мы делаем то, что хотим делать, и возможно, этот альбом станет лучшим нашим альбомом. Время покажет. Без сомнений, мы хотим снова отправиться в тур по всему миру. Конечно, мы хотим выступить в Америке. Мы хотим выступить в Японии. Когда мы были детьми, мы мечтали о том, чтобы отправиться в мировой тур. Нам очень повезло, и мы смогли это сделать. И сейчас мы не собираемся останавливаться.

Акустический концерт в клубе Nalen Almost Unplugged, на котором вы исполнили не только свои песни, но и несколько кавер-версий - это особенное шоу, которое транслировалось через Интернет для ваших поклонников со всего мира. Собираетесь ли вы сделать что-нибудь подобное в будущем?

Джоуи: Великолепный концерт, который выйдет на DVD. [Уже вышел, в августе 2009]. Мы исполнили кавер–версии песен наших любимых групп и получили огромное удовольствие. Может быть, через несколько лет мы снова сделаем что-то подобное. Сейчас на первом месте для нас наш новый альбом.

Ваш предыдущий альбом Secret Society оказался достаточно тяжелым, многие фэны говорили о том, что это не те Europe, к которым они привыкли. Является ли последний альбом и концерт Almost Unplugged своеобразным ответом поклонникам?

Джоуи: Не думаю. Almost Unplugged появился потому, что мы хотели сделать что-то особенное для поклонников и для трансляции в Интернете. А Last Look At Eden - это естественный шаг вперед, который говорит о нашем развитии. Эти два релиза никак не связаны между собой. Просто они появятся практически в одно и то же время.

На концерте в Nalen вы исполнили песню Led Zeppelin Since I’ve Been Loving You и сказали, что эта песня для вас имеет особенное значение. Почему?

Джоуи: Led Zeppelin имеют особенное значение для нас. Мы выросли на таких песнях, как Black Dog или Rock’n‘Roll. А Since I’ve Been Loving You - это великолепный блюз, который мы все любим. Очень красивая песня.

Джоуи, сейчас вы поете не так, как 20 лет назад. Вы работали над голосом или ваша манера пения изменилась сама по себе?

Джоуи: Думаю, это естественные изменения. Когда мы закончили запись альбома, Джон сказал мне, что я записал лучшие вокальные партии в своей жизни. Джон, это правда?
Джон Норум: Без сомнений! Джоуи поет все лучше и лучше! Наконец-то он становится настоящим мужчиной!

Джон, после распада группы вы записали ряд замечательных сольных альбомов. Продолжаете ли вы сейчас заниматься сольной карьерой?

Джон: Да, в конце года я собираюсь выпустить сольный альбом, он будет отличаться от того, что я делал в прошлом. Альбом получился более блюзовым - традиционный блюз. У меня контракт с голландским рекорд-лейблом Mascot Records. Я буду продолжать заниматься сольной карьерой, для меня это возможность попробовать себя в чем-то другом, к тому же я получаю от этого удовольствие. Но Europe остается для меня на первом месте.

Этой осенью вы отправляетесь в тур с Gotthard. Во время тура обе группы будут хэдлайнерами?

Джоуи: Совершенно верно, обе группы будут хэдлайнерами. Мы с нетерпением ждем этих концертов.
Ян Хаугланд: Будет здорово выступить вместе с Gotthard! Обещаем, что будем с ними очень милыми.

Что вы помните о вашем первом выступлении на Sweden Rock в 2004 году?

Джоуи: Это был наш первый большой концерт с тех пор, как мы опять собрались вместе. Поэтому мы очень волновались. Мы думали, что почти разучились играть. Но лучшего выступления трудно себе представить.

Сегодня вы снова выступаете на одном из лучших рок фестивалей мира. Ваши ощущения?

Джоуи: Sweden Rock - самый лучший рок-фестиваль. Это как возвращение домой… в любящую семью прекрасных журналистов со всего мира. Думаю, нам надо как-нибудь выпить.

Русский сайт фестиваля Sweden Rock: http://rockfest.land.ru

Scorpions: Вспоминая ветер перемен…

Tue, 08 Dec 2009 19:54:04 +0300

Статья опубликована в номере 77 журнала ClassicRock

Если с Элисом Купером нам удалось пообщаться ещё за какое-то время до старта фестивального тура «Монстры Рока» (см. Classic Rock №76), то с участниками Scorpions – наоборот, в самом его окончании, накануне заключительного концерта в Москве. И вот что из этого вышло.
Интервью и фото: Павел Потапов Концертные фото: Валерий Дрыгин

Около десяти лет назад вы уже гастролировали с Элисом Купером – тогда дело происходило в Америке...

Рудольф: Это было даже больше десяти лет назад. Год 1996-й, как мне кажется, наше первое турне с Джеймсом Коттаком.

Что особенного запомнилось вам из тех гастролей, и какие впечатления остались у вас от нынешних?

Клаус: Тогда, насколько я помню, мы дали свыше 40 шоу по Соединённым Штатам, где Элис был нашим специальным гостем… Но мы с ним почти даже не виделись! В отличие от нынешнего турне. На этот раз у нас было два частных самолёта: один для групп и помощников, второй – для всего оборудования. Таким образом, мы очень много времени провели вместе и, в общем-то, отлично его провели, надо сказать. Элис даже вышел вместе с нами на сцену в Красноярске –это было невероятно весело!

Давайте вспомним ещё один фестиваль – Московский Фестиваль Мира 1989 года. Он стал очень важным событием в музыкальной истории, причём не только СССР, но и всего мира. Также известно, что тот концерт проводился в поддержку кампании против алкоголизма и наркомании. Только позже выяснилось, что на самом деле фестиваль был чуть ли не единственным способом для Дока Макги избежать тюремного срока*. [в этом месте Рудольф приходит в восторг от услышанного] Что вы можете сказать по этому поводу, и чем тот фестиваль явился лично для вас?

Клаус: Для нас это был самый большой фестиваль, на котором нам приходилось играть. И если посмотреть на него спустя столько лет, это был и правда легендарный фестиваль. Что касается роли Scorpions, то, дав десять концертов в Ленинграде в 1988 году, мы тогда открыли двери в Советский Союз. А год спустя, после того, как Док Макги стал нашим менеджером, мы вернулись – на сей раз уже в Москву. Док стоял за организацией этого фестиваля, получившего название «Московский Фестиваль Мира». И он же привёз на него все эти американские команды. Самолёт с участниками вылетел из Нью-Йорка, захватив нас по дороге в Лондоне. В саму Москву мы все въехали на автобусе, который окрестили «волшебным автобусом». И все были очень воодушевлены предстоящим событием.
Док очень хотел устроить нечто грандиозное – понятно, что и из личных соображений тоже, - но именно благодаря ему множество американских артистов, у которых прежде не было возможности приехать сюда, оказались в России. И в некотором смысле мы явились заводилами, затащив к вам те американские коллективы. А лично для нас это к тому же стало шансом впервые выступить в Москве – ведь в 1988-м наши концерты тут отменили, из-за чего мы сильно расстроились. И вот спустя год у нас всё же получилось это сделать, так что с нашей позиции это выглядело так: «Да! Наконец-то мы добрались до Москвы!» Под какой бы эгидой не проходил фестиваль – мы просто хотели сыграть для своих московских поклонников. Ну а уж коли фестиваль в итоге стал «Фестивалем Мира», то и вообще чудесно. И все эти сплетни и истории, начавшие всплывать позже, тогда никому ещё не были известны. Это была масштабная акция, никто не делал ничего подобного прежде, и, судя по всему, справиться с подобной задачей в то время мог только американец, который бы хорошо разбирался в подобных вопросах.

Рудольф: Насколько я помню, он устроил всё на пару со Стасом Наминым, который имел вес здесь, в России. Лично меня очень подкупило, что в нелёгкое для себя время Док Макги смог найти выход и даже извлечь выгоду. А именно: разделался с неприятностями, открыл для всех новые возможности, и ещё вышел из всего этого в очень выгодном свете. Что было очень грамотно. А что касается нас, то он тоже в некотором роде нас использовал – ведь Scorpions уже были очень хорошо известны в СССР. И именно мы должны были стать хедлайнерами, но из-за американского MTV, которые хотели всё представить как «Bon Jovi завоёвывают Россию», он поставил Bon Jovi после нас. И вот только в этом моменте он здорово прокололся: так как Bon Jovi в итоге имели очень бледный вид. После нас около половины народа просто ушла, и сам Джон Бон Джови остался крайне огорчён. Он даже сказал: «Никогда больше не буду играть после Scorpions!» Ошибка была в том, что, выступив перед нами, Bon Jovi предстали бы в отличном ракурсе – их с триумфом показали бы по MTV, и всё было бы здорово…

Клаус: Американские команды не ожидали, что шоу будет проходить с таким размахом, пока не увидели всё своими глазами. Отсюда пошли все эти выяснения отношений. Знаешь, Оззи с Mötley… кому выходить первыми, кому – после. Всё началось, когда до них дошло, что это обещает стать масштабным стадионным мероприятием, которое войдёт в историю рок-н-ролла.

Но при этом участники Mötley Crüe признали, что Scorpions были единственным коллективом, имевшим полное право венчать тот концерт – ведь вы уже являлись звёздами в России.

Рудольф: Абсолютно верно! Это был единственный минус организации. Впрочем, для Scorpions это не явилось минусом: на нас пришли наши поклонники и мы пережили невероятные ощущения, выступая под Олимпийским огнём. Но в целом это стало небольшой ложкой дёгтя в бочке мёда.

Кстати, всё те же Mötley Crüe утверждали, что они были единственной группой на том фестивале «против алкоголизма», участники которой были трезвые. [Рудольф впадает в гомерический хохот] Что вы на это скажете?

Клаус: Mötley Crüe? Неужели?

Рудольф: Дело в том, что они все приехали с жёнами и ходили как привязанные. А вокруг нас крутились девочки, и мы вовсю отрывались. Им же оставалось лишь с несчастным видом наблюдать за всем этим из своей гримёрки.

Клаус: Помню, когда мы сели в самолёт в Лондоне, все на борту уже были пьяные. И пошло-поехало. Но в целом это была очень увлекательная затея – приехать в компании таких групп сюда в Москву. А Scorpions в своём роде выполнили функцию пионеров, проложивших путь в вашу страну.

Рудольф: На самом деле, вся история начиналась с проекта Stairway To Heaven/Highway To Hell. Альбома, на котором все те же группы исполнили по песне того или иного артиста, умершего от наркотиков или алкоголя. Это явилось первым шагом. А потом Док выступил с идеей: «А давайте продолжим этот проект концертами в России».

Scorpions производят впечатление очень энергичных людей – как на сцене, так и вне неё. Вы можете открыть секрет, откуда вы черпаете эту энергию?

Клаус: Даже спустя столько лет мы по-прежнему ощущаем себя довольно крупной рыбой в этом пруду. Мы живём этим и чувствуем себя вполне на своём месте. А возвращаясь в Россию в 2009-м году в рамках «Монстров рока» – с Элисом Купером, The Rasmus и Kingdom Come, – мы в очередной раз выступаем в роли пионеров, которые снова привезли сюда большой рок-фестиваль. Только на сей раз – это большой гастрольный фестиваль. Разумеется, всё это очень воодушевляет и придаёт сил. Вся эта сумасшедшая жизнь на колёсах... Если до этого был «сумасшедший поезд», то на сей раз – целый «сумасшедший самолёт», который пересёк всю страну. И нас очень вдохновляет, когда мы видим и осознаём, как много преданных поклонников есть у Scorpions в вашей стране – в том числе и юных поклонников. Необычайно приятно, что наша музыка нашла отклик у молодого поколения!
Ну а своим возвращением в Москву мы как бы отмечаем двадцатую годовщину Московского Фестиваля Мира. А поскольку последние несколько лет мы всё чаще выступали в Кремлёвском Дворце, мы нередко слышали от поклонников, что они бы снова хотели увидеть Scorpions в зале, более предназначенном для рок-концертов. Поэтому мы очень рады, что в этот приезд мы сможем спеть на стадионе «Олимпийский», где нет такой суровой охраны и прочего официоза. В общем, на сей раз это будет настоящий рок-концерт с целой плеядой рок-групп: легендами рока вроде Элиса и Scorpions, и молодыми командами вроде The Rasmus. Kingdom Come тоже существуют долго… это же бывшая команда Джеймса! Короче, много хорошей рок-музыки для фэнов. И мы гордимся тем, что спустя уже 20 лет, мы снова здесь, мы по-прежнему рубимся, и полным ходом работаем над очередным альбомом – он выйдет будущей весной. Словом, ваша страна неизменно является для нас большим источником вдохновения!

^{* «…Док Макги попался на том, что пытался протащить для кого-то через таможню сорок тысяч фунтов травы из Колумбии. Суд приговорил Дока к штрафу в пятнадцать тысяч долларов и к пяти годам условно, заставив к тому же возглавить антинаркотическую организацию Make a Difference Foundation…

...Док был обязан доказать суду, что будучи на свободе, он принесёт миру куда больше пользы. Результатом стал Московский Музыкальный Фестиваль Мира, все деньги с которого, предположительно, должны были пойти в антинаркотические и антиалкогольные фонды, включая и Make a Difference Foundation».

(из автобиографии Mötley Crüe, The Dirt)}

Сногсшибательная феерия Элиса Купера

Tue, 08 Dec 2009 19:39:35 +0300

Статья опубликована в номере 76 журнала ClassicRock

С первого приезда Короля шок-рока в Россию в 2000 году в его группе уже не осталось ни одного музыканта из того состава. Однако, по словам самого Купера, это отнюдь не отразилось на подаче материала. Напротив, в свой юбилейный, пятый визит маэстро пообещал российскому зрителю рок, напитанный высочайшей энергией. А принимая во внимание богатый хитами песенный арсенал мистера Фурнье, его перформансы обещают стать жемчужиной грядущего фестиваля «Монстры Рока».
Интервью: Павел ПОТАПОВ

Насколько я знаю, лет десять назад вы уже ездили в совместный тур со Scorpions. Какие воспоминания остались у вас от тех гастролей?

Да, мы отыграли вместе много концертов. Они наши хорошие друзья, и работать с ними – одно удовольствие.

А чего вы ожидаете от этого турне?

Знаете, когда выступают две-три группы уровня Alice Cooper и Scorpions – группы классического рока, – шоу просто обязано быть хорошим. Я в курсе, что сейчас многие команды ездят в совместные гастроли: например, Aerosmith и ZZ Top. Получаются очень интересные комбинации. И когда мы услышали, что с нами вместе поедут Scorpions, мы были только за – ведь, как я и говорил, мы с ними добрые друзья.

А вас не сильно расстраивает тот факт, что не вы будете хедлайнерами этих концертов?

Нет-нет, для меня это совсем не важно. Если есть два коллектива, оба из которых вполне могут быть хедлайнерами – то есть, которые обычно и так хедлайнеры, – кто-то должен выступать первым, кто-то последним. И меня это устраивает. К тому же мы покажем своё шоу, которое можно охарактеризовать как «сногсшибательная феерия Элиса Купера». Поэтому, понимаете… я бы не захотел выступать после нас! (смеётся). Наше шоу очень зрелищное, это трудоёмкая сценическая постановка. А Scorpions просто выйдут, сыграют свои песни… и это тоже будет здорово! Так что публика в итоге получит хорошее действо. В общем, не так важно, кто выйдет на сцену первым, кто вторым, а кто третьим. По-моему, на этом вопросе чересчур заостряют внимание.

Ваше последнее российское выступление состоялось прошлым летом в Калининграде. И тот концерт прошёл в довольно необычной обстановке – вы играли посередине старого стадиона под проливным дождём. А какой концерт в своей карьере вы бы отметили как самый причудливый?

Ох… их было так много. Мы давали концерт в Сан-Паулу, в Бразилии, на который пришло 158.000 человек. И это в закрытом помещении, под крышей! Только представьте себе: баскетбольный стадион на 15.000 посадочных мест, а людей в десять раз больше! И всё это внутри здания. Вот это было безумно. Там не было охранников – обязанности охраны в тот вечер исполняла самая настоящая армия! Ведь мы выступали словно перед целым городом!
Много было чудных концертов. Но наши выступления всегда отличались тем, что мы никогда не меняли характер шоу. Неважно, играем мы в концертном зале или же на большой открытой площадке – шоу остаётся в точности таким же. То есть масштабы площадок меняются, а масштабы шоу – никогда.

На этот раз российская публика увидит гильотину или же это будет виселица?

Думаю, что в этот раз будет виселица – только выглядеть это будет немного по-иному. Когда вот вы лично последний раз видели моё шоу?

В Калининграде, в июле того года. И именно тогда я впервые увидел виселицу – до этого вы приезжали в Россию с гильотиной.

Так вот с того раза виселица изменилась. Я вообще люблю вносить кое-какие изменения. Мы можем выкинуть одну песню, вставить на её место другую. И точно так же мы меняем сценические фишки в каких-то номерах. Другими словами, если вы видели наше шоу в начале турне, то через шесть месяцев, к его окончанию, оно будет процентов на 50 отличаться. Думаю, это привносит своё разнообразие как для нас, так и для всех остальных. Когда выступаешь в ста разных городах, просто необходимо вносить какую-то свежесть. И каждый вечер я говорю своей группе: играйте этот концерт так, как если бы он был вашим последним. Именно поэтому каждый вечер без исключения нам удаётся выдавать великолепное шоу.

Меня давно гложет один вопрос: почему вы никогда не исполняете на своих концертах песни времён гитариста Кейна Робертса? [альбомы Constrictor и Raise Your Fist And Yell]

У меня 25 альбомов материала, из которых надо выбрать 28 песен, наиболее ожидаемых зрителем. Если я добавлю что-то другое, три четверти зала будут смотреть на меня с немым вопросом: что, мол, это такое? Возможно, ты порадуешь какой-то процент публики, но остальные лишь недоуменно пожмут плечами. Поэтому я и пытаюсь добиться, чтобы программа состояла из вещей, которые все знают. Хотя люблю порой порыться в дебрях и извлечь какую-нибудь композицию, про которую уже все давно забыли. Вот следующая концертная программа – а мы уже работаем над ней – будет состоять из множества разных песен, которые давно никто не слышал.

Вообще я бы сказал, что многие исполнители из 70-х немного недолюбливают свой материал 80-х – знакомо ли вам подобное ощущение?

Ну, как вам сказать? Как ни крути, но Poison – из 80-х. Было ещё два-три альбома… Вообще я не классифицирую наши песни по тому, в какой период они были выпущены. Я скорее смотрю, какие песни составляют вместе общую картину. Вряд ли меня можно назвать историком собственной музыки – я никогда не думаю, в какой год те или иные композиции были выпущены. Другими словами, в этом турне мы играем две вещи с Along Came A Spider, которые отлично встают в один ряд с песнями сорокалетней давности. И слушаются вместе как единое целое.

Тогда каким альбомом – или песней – вы гордитесь более всего?

Что ж, если судить по тому, с какого альбома мы исполняем больше всего композиций, то, скорее всего, это будет Killer. Был момент, когда мы играли шесть из восьми песен с него… или семь из девяти… и всё только потому, что это были превосходные вещи для концертного исполнения. Они отлично слушаются живьём. Большая часть материала с Welcome To My Nightmare также до сих пор актуальна. Но, кроме того, я всегда люблю добавить две-три новые песни: например, с Along Came A Spider, Dirty Diamonds и некоторых других.

А есть такая песня, от которой вас уже просто тошнит?

Есть такие песни, которые я уже устал репетировать. Мы собираемся на репетицию, начинаем гонять разные темы, и когда дело доходит до Billion Dollar Babies, Eighteen и School’s Out, я говорю: ребят, вы продолжайте без меня, я знаю эти песни вдоль и поперёк. Некоторые вещи они и сами уже не репетируют, потому что не хотят их замылить. Но когда вы выходите перед публикой, и вас встречают пять, шесть, десять тысяч человек, которые встают на уши с первыми звуками Eighteen – от этого невозможно устать. Каждый раз, как начинается School's Out, поднимается лес рук, и все начинают орать – ведь они так хотели услышать эту песню – вы уже не можете устать от неё (смеётся).

На последнем альбоме Along Came A Spider вы вернулись к своей классической схеме концептуальных сумасшедших историй. А осталось ли что-то такое в закромах, что, возможно, послужит основой для будущей пластинки?

О, пока я не могу рассказать, о чём будет следующая пластинка, потому что я хочу, чтобы присутствовал некий фактор сюрприза. Однако я могу сказать, что она будет отличаться ото всех концепций, развиваемых мной в прошлом. Но, как бы оно ни было, по музыке это будет хард-рок в лучших традициях Alice Cooper. Сама же идея настолько нова, что я не хочу пока разглашать её – а то кто-нибудь, чего доброго, воспользуется ей! (смеётся). Но то, что это будет непохоже на всё, что я делал прежде – я могу сказать наверняка.

Не поведаете ли, почему Джейсон Хук вдруг покинул группу?

Джейсон принял решение примкнуть к одному металлическому коллективу. Ведь он всегда больше тяготел к металлу. А я не перестаю говорить своим музыкантам: если у вас выдаётся возможность уйти в группу, где вам комфортно, где вы станете одной пятой команды, где вам просто хотелось бы играть – вот вам моё на то благословение. Поймите меня правильно, я люблю, когда мои гитаристы остаются со мной. Но если им предоставляется шанс поиграть в команде, которая даст новый виток их карьере – я не имею ничего против. В общем, у Джейсона появилась такая возможность – поиграть в коллективе под названием Five Finger Death Punch. Я сказал ему, что очень рад за него. И как только он ушёл, я позвонил Дэймону Джонсону и тот с радостью принял моё предложение вернуться. Иногда приходится менять одного гитариста на другого, но справедливо будет отметить, что все они великолепные музыканты.

В общем, единственный участник вашей группы, который может вот так запросто приходить и уходить, это Эрик Сингер?

Да, у Эрика свободное посещение. Я работаю и с другими ударниками. Джимми ДеГрассо уже был в составе моей группы лет восемь назад. Так что я позвонил ему и сказал: «Слушай, у меня тут намечается полугодовое турне, не хочешь поучаствовать?». Он уже успел поиграть с Megadeth, с рядом других команд – но он по-прежнему помнит песни! Он, по большей части, до сих пор не забыл аранжировки к старым композициям – оставалось всего лишь выучить 15 новых. Что заняло у него совсем немного времени.
Думаю, под рукой всегда надо иметь список первоклассных музыкантов – с тем, чтобы постоянно находиться в окружении только хороших исполнителей. Сегодня в состав моей команды входят Кери Келли, Дэймон Джонсон, Чак Гаррик и Джимми ДеГрассо – это же просто супергруппа какая-то!
Мы только что дали концерт в Испании. Не выступая до этого уже шесть месяцев. И вот мы поднялись на сцену и отыграли всё шоу без сучка, без задоринки: все знали свои партии просто идеально.

А вы уже планировали, как будете проводить свободное время на гастролях по России: пойдёте осматривать достопримечательности, отправитесь по магазинам или поиграете в гольф?

На это я отвечу только одно: я никогда не сижу в гостиничном номере. Если я в новом городе, то непременно пойду смотреть его. Возьму с собой дочку, может, пару ребят, и мы пойдём по городу. Навестим ряды, торгующие сувенирами. Перекусим где-нибудь. Просто прошвырнёмся и посмотрим, что есть интересного. А как, кстати, в России обстоят дела с гольфом?
Слышал, что в Москве с этим всё в порядке. Не уверен насчёт остальной России, но, говорят, новые поля для гольфа ещё будут появляться у вас. Вообще я даже не могу описать разницу между Москвой, какой она была в мой первый визит (2000 г.) и в последний (2007 г.)!

Напоследок хотелось бы попросить вас сказать пару слов читателям российского Classic Rock.

Разумеется. Всех тех, кто собирается на наш концерт, я хочу уверить, что это будет самое высокоэнергичное шоу года. И мне хотелось бы, чтобы наша публика не молчала, выражала свои эмоции и просто отрывалась под наше выступление. Энергетика будет на пределе!

Крис Болтендаль: «Мы не играем музыку для детей»

Tue, 08 Dec 2009 19:20:25 +0300

Статья опубликована в номере 74 журнала ClassicRock

Некоторые из «живых воплощений» хэви-метал ныне «уже далече», как и эпоха 80-х, когда металл был широкоформатным общественным и умственным явлением. Тем весомей слово в устах долгожителей. Крис Болтендаль, бессменный лидер Grave Digger – один из них. Человек, в известной мере, стоявший у истоков немецкого и европейского металла.
Интервью: Алексей Морозов

После нескольких прослушиваний вашего нового альбома Ballads Of A Hangman у меня сложилось стойкое впечатление, что вы сделали нарочито ортодоксальный альбом Grave Digger, без каких-либо отклонений или примесей. Насколько это справедливо, на твой взгляд? Равно как и утверждение, что Grave Digger — единственная из ныне здравствующих групп, исполняющая классический хэви-метал 80-х в его чистейшем виде?

Мы хотим показать людям, из чего сделан Grave Digger. Из чистейшего металла, произведенного в Германии. Это то, с чем мы выросли, и этим же мы собираемся заниматься в новом столетии. Я не знаю, остались ли мы единственной хэви-металлической группой, поддерживающей, так сказать, в нем пламя жизни. Мы не смотрим по сторонам, мы делаем то, что хотим.

Если судить по текстам и названиям песен, Hangman можно назвать в некотором роде концептуальным альбомом. Если это действительно так, расскажи немного о сути «концепции»?

Нет, вряд ли это «концептуальный» альбом в полном смысле слова: здесь отсутствует общая сюжетная линия. Единственная «красная нить», которую действительно можно проследить на диске, это история «игры со смертью». Во всех песнях присутствует тема смерти, убийства, любви, секса и так далее — атрибутов любой человеческой жизни. Без этого невозможны были бы войны. Люди жаждут править другими людьми, и это темная сторона нашей натуры. В принципе, тематически пластинку можно сравнить с альбомом The Grave Digger. Единственное, что на The Grave Digger много песен было написано по мотивам произведений Эдгара Алана По. Здесь же все темы придуманы только мной, это плод моей фантазии.

У тебя есть какой-то особый подход к написанию текстов? Что ты пишешь в первую очередь: текст или музыку? Как решаешь для себя, подойдет тот или иной текст, та или иная тема к определенной песне или нет?

Прежде всего хорошей металлической песне нужен крутой гитарный рифф... а затем уже все остальное. Иногда мы строим песню на основе какой-то мелодии, иногда — на фрагментах текста, но в большинстве случаев все начинается с хорошего гитарного риффа. Если мы чувствуем, что рифф не вяжется с нашим стилем, то дальше не продолжаем. В разработку берутся только риффы, которые подходят именно нашей музыке.

У тебя есть любимые песни на новом альбоме?

Есть. Это Ballad Of A Hangman, Hell Of Disillusion и Pray. В этих трех вещах есть все характерные черты, свойственные песне Grave Digger. Они четкие, простые, цепляющие, в них есть напор и классный гитарный рифф или мелодия. Именно эти качества привлекали меня, когда я был еще подростком и начинал слушать хэви-метал.

В последние годы наметилась странная тенденция. Многие металлические группы записывают кавер-версии песен исполнителей, далеких от металла. Grave Digger же всегда выказывали хороший «металлический» вкус, обращаясь только к винтажной классике. Это своего рода политика?

Если мы записываем «кавер», то делаем это в знак огромного уважения к нашим героям. Мы любим такие старые банды, как Deep Purple, Black Sabbath, Motörhead и иже с ними. Они оказали огромное влияние на нашу жизнь. И мы записываем песню только в таком ключе, в котором ее исполнили бы сами авторы. Мы не пишем пародий и карикатур.

В конце прошлого года состоялся юбилейный концерт Доро Пеш, посвященный 25-летнему юбилею ее сценической карьеры, в котором ты принял участие. Какую песню вы исполняли?

Мы спели дуэтом East Meets West. Было огромной честью для меня выступать вместе с этой поистине легендарной рок-леди. Полагаю, это не в последний раз. Ибо она милейший человек.

После того, как ваши ряды в прошлом году пополнил Тило Херманн (гитара, ex-Risk, Running Wild), похоже, сейчас мы наблюдаем сильнейший состав Grave Digger за все время существования группы…

Новый состав выглядит просто отлично. Звук на концертах стал как никогда мощным. Звучание на альбоме также изменилось в лучшую сторону: с двумя гитаристами саунд стал более свежим и разнообразным. В середине 2007 года мы почувствовали, что в группе наметилась некоторая стагнация, и с этим надо было что-то делать. Брать второго клавишника в группу мы сочли нецелесообразным, поэтому решили остановиться на втором гитаристе. Тило и Манни Шмидт образовали превосходную связку. Что, в общем, немудрено, ведь они знают друг друга более двадцати лет!

Где ты чувствуешь себя комфортней: в студии или на гастролях?

И то, и другое по-своему круто. Студия — это место для творчества. Ты создаешь нечто, происходящее исключительно из твоей головы. На концерте творец уступает место артисту.

Есть ли такие аспекты гастрольной жизни, без которых ты бы с радостью обошелся?

Я люблю сцену, но люди с годами не молодеют, а на гастролях артисты должны соблюдать некоторые обязанности. Поменьше пить, побольше спать, пищу потреблять покачественней. Когда тебе 45, нельзя жить на гастролях также, как в 20 лет. В противном случае ты утратишь всякую способность нормально играть, и это будет уже не выступление, а полная ерунда. Восемь лет назад я полностью бросил пить и курить, поэтому в состоянии каждый вечер выдавать качественное представление. По-другому нельзя, ведь люди за твое выступление платят немалые деньги.

Если бы тебе был дан такой шанс, ты переиначил бы свою жизнь в юности?

Я жил жизнью рок-звезды двадцать лет, и это были прекрасные годы. Но еще немного, и я потерял бы свою жену, и сам бы рехнулся. Поэтому я соскочил с поезда рок-н-ролльной махновщины и изменил свою жизнь. Не случись этого, Grave Digger бы сейчас не было.

За свою карьеру не сталкивались ли вы с неурядицами из-за названия группы, которое... скажем так, не очень подходит для детского утренника?

Мы не играем музыку для детей. То же касается и иллюстраций к дискам. Я бы не стал показывать обложки Grave Digger моему маленькому сыну. Мы продаем публике своеобразные «ужастики», триллеры. С названием же у нас никогда не возникало проблем. Общество возмутилось на наш счет лишь однажды: в связи с обложкой The Last Supper, на которой был изображен Христос с кубком, из которого льется кровь.

Grave Digger пережил целый ряд взлетов и падений за свою более чем 25-летнюю историю. Что бы ты назвал наивысшими и, напротив, самыми тяжелыми моментами карьеры группы?

Самым скверным было время, когда Уве Люлис ушел из группы и судился с нами из-за названия. А пиком я бы назвал юбилейный концерт в Сан-Паулу, когда мы записали DVD 25 To Live.

В конце марта вы предпримете небольшое турне по России, и это будет уже ваша четвертая поездка в нашу страну…

Россия – великая страна... великая металлическая страна. Нас всякий раз принимали очень тепло и с большим энтузиазмом, а это, наверное, главное для артиста. Нам нравится выступать у вас. Увидимся в марте!